时间：2023-10-30 10:28:52
绪论：在寻找写作灵感吗？爱发表网为您精选了8篇艺术与艺术教育，愿这些内容能够启迪您的思维，激发您的创作热情，欢迎您的阅读与分享！
所谓审美意识的教育，能对儿童起到陶冶情感、训练感官、培养高度的感知能力和想象能力，审美教育过程又能在很大程度上让儿童产生不由自主的愉快情绪，乐此不疲地进入学习状态，甚至将认知过程本身作为一种快乐活动的过程，并由此更自由、更自觉地去获取认知信息。
在西方，早在古希腊时代，学校就注意教育过程中美学思想的灌输，他们除了直接设立缪斯教育（即音乐、戏剧等艺术教育）外，还通过其它教育环节和教育本身的行为规范、讲授、课堂氛围、人际关系等，来使儿童养成自制和摒除一切过失的习惯，从而喜爱和谐与美的节奏，习惯于温顺与亲和等等，同时通过优美的教育过程，让学生接受教育者要传输的各种知识、德操、技能等。
文艺复兴时期，意大利著名教育家维多利诺不仅对学生进行艺术教育，还注意利用优美的自然环境和其它因素来影响儿童，他所创办的“快乐之家”学校位于优美的环境之中，在校内墙上描绘了壁画，周围栽上了各种花卉，让儿童在一种审美的境界中完成学业。
到了近代，随着资本主义的兴起，许多人文主义教育家对此问题愈加重视。捷克著名教育家夸美纽斯就非常强调以艺术化的教学来发展学生的审美感觉，以促进教育过程的审美化。他说：“教学是一种把一切事物教给一切人的全部艺术，一种教来使人感到愉快的艺术”。法国文学家、教育家卢梭认为除了以艺术来发展学生的视、听、触觉以外，还要培养学生的一种内在感觉。他称为“共通的感觉”。他这种“共通的感觉”指的就是审美想象力。卢梭认为儿童如果没有审美想象力，他们面对日出的彩霞、灿烂的黄昏，就不能看出这些景物之间的关系，也就不能理解这些美。德国著名教育家福禄培尔认为“通过艺术化的教育，可使每个人都获得充分和全面的发展。”斯宾塞则认为，没有审美价值，教育过程就失去了一半的美好意义。蒙台梭利则强调为学生提供一个美好的环境等。苏联著名教育家苏霍姆林斯基曾指出：“一般说来，没有审美教育就不会有任何教育，所以要通过美，并在美之中为了美好的生活而进行教育”。他说：“我一千次的相信，没有一条富有诗意的、感情的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。美与活生生的实际，如同太阳与花儿一样有机联系在一起。”
在我国，早在两千多年前的西周，就以礼、乐、射、御、书、数六艺为基本教育内容。而六艺中的“乐”即专门的艺术教育或审美教育，包括音乐、舞蹈、诗歌、绘画等，乐是用来“修内”陶冶情感的，是用来增进学生审美能力的。孔子通过本身的审美体验和教育艺术实践，认为艺术不仅可使个体感到快乐，获得精神享乐，而且更能使人顺利地学到知识，获得教益，提高内在修养。因此，虽然礼教是当时的主要教育内容，但他不是以枯燥无味的说教和强制性的训练来达到目的，而是借助于诗歌的激发和音乐的熏陶，借助于美的形式和感染力来实现。为此，孔子提出了自己独到的教育理论：“兴于诗，立于礼，成于乐”。宋代朱熹强调“乐教”的重要性，注意以歌舞、吟诗、讲故事之类使儿童“乐学”。明代的王守仁也曾主张围绕伦常道德给学生讲历史故事，故事书则要配有图画，诗歌要有韵律才易于记诵。
纵观历史，我们可以看到无论是西方教育家们，还是东方的教育家们都非常注重施教于乐，在教育过程中融进审美意味，既能培养儿童的审美能力，又可促进儿童智能等方面的发展和伦理道德的塑造。
艺术教育在儿童发展过程中之重要已逐渐被人们所认同，本世纪五十年代，世界各国对艺术教育空前重视。在日本，近年来将自然科学、社会科学、艺术科学并称三大科学。许多综合大学都开设艺术教育方面的课程，在美国开设艺术教育课程的大学达上千所。我国随着物质生活水平的提高，随着基础教育改革由应试教育向素质教育的转轨，艺术教育必将越来越能被社会和人们所重视。
幼儿艺术教育是幼儿教育的重要组成部分，又是人生艺术教育的开端。儿童的审美心理结构即受先天遗传的影响，同时又是在后天的实践和经验中建构的，它是一种动态的动力结构，而在这个动力结构中，教师是一个重要链条，因此教师本人的艺术素质直接影响到儿童审美心理结构的建构，而我们的艺术教育更多地停留在表面化和形式化，而且幼儿教师在面对幼儿的艺术教育中过多追求技巧的传授而没有把潜在的艺术素质纳入所有的教育教学活动中，忽视了隐性的审美熏陶对儿童的影响。一个教师内在审美要素是一个多层次的复合体。它既包括教师的一般知识素养、教学技巧、能力，也包括教师的教学态度、风貌、情感、意志等。要真正把艺术教育落到实处，转变观念，提高自身的艺术素质，使幼儿的艺术教育真正成为幼儿和谐发展的一个重要组成部分，幼儿教师应提高以下几方面的能力，以能胜任培养儿童艺术素质的重任。首先，幼儿教师要提高自身文化素养。其次，幼儿教师要提高自身的艺术理论修养。再次，提高幼儿教师的表现力和感染力。
幼儿教师的艺术素质是幼儿艺术教育实施的一个重要保证，而教师的艺术素质不应单纯停留在艺术表象上，而应挖掘更深层的内涵，我们应该从观念上提高对幼儿教师艺术素质的要求，切实保证幼儿感受美、表现美的兴趣和能力得到提高，这也是全民族艺术教育之根基。
江西自古以来人文荟萃，物产富饶，民间艺术资源形式丰富。具有浓厚历史文化意蕴和赣派个性特色。例如：婺源三雕、湘东傩面具、南昌瓷板画、鄱阳脱胎漆艺、乐安蛋壳雕和瑞昌剪纸等民间工艺，写实尚意、巧夺天工、制作精良、驰名中外，被世人视为珍宝；安义、乐安的古村落等民间建筑，颇具特色，在建筑史上奕奕生辉。表演艺术异彩纷呈，有采茶戏曲、戏剧、歌舞、歌谣、器乐等；尤其是采茶戏曲，更是形式多样，有赣南采茶戏、抚州采茶戏、南昌采茶戏、高安采茶戏、武宁采茶戏、赣东采茶戏、吉安采茶戏、景德镇采茶戏和宁都采茶戏等；此外，还有民间楹联书法等，也都具有浓郁的地方色彩。特别值得一提的是，江西赣南地区是客家人的主要聚居地之一，客家先民自秦汉初迁入后，中原文化与南方文化的交融，对江西民间艺术的发展以及特色的形成起到积极的促进作用，客家民间艺术已享誉国内外。但近年来西方文化对本土文化造成了强烈的冲击，部分年轻人包括在校大学生认为民间艺术是“土”的东西，不如西方“洋”的东西。江西民间艺术的传承普遍存在青黄不接、后继无人的局面，迫切需要年轻人尤其是在校大学生承担起这一重任。大学生艺术教育与地方民间艺术融合，一方面形式多样、蕴含深厚民俗风情的民间艺术，可为大学生艺术教育提供丰富的教学资源，增强学生学习兴趣，挖掘学生的艺术潜质；另一方面在艺术教育中渗透地方民间艺术，可以唤起大学生对民间艺术的记忆、了解和认同，增强民族情感，热爱本土艺术，引导和教育大学生学习和继承具有民族特色的文化，使丰富多样的民间艺术遗产得到传承和发展。［2］
二、艺术教育中渗透民间艺术元素的教学策略
民间艺术博大精深，门类多样，民间艺术渗透到艺术教育中的目标不能仅满足停留在表面的形式上，不能仅把教会学生一两样艺术技巧作为我们教学的最终目标，而是要在提高艺术修养的同时让学生懂得合理开发和创新运用，通过显性或隐性的语言、符号或精神反映到学生具体的创新实践中去，这才真正体现了进行民间艺术教育的真谛。［3］所以其教学策略要重点围绕着这个核心目标来展开，在科学、合理性基础上，采用丰富、多样的教学策略来有效进行渗透。
第一，结合当今大学生传统文化知识薄弱的特点，适当补充设置一些地方传统文化教育普及的课程，地方传统文化与地方民间艺术息息相关，民间艺术中呈现的思想、意境往往是地方传统文化的艺术再现，通过地方文化与相关民间艺术比较的讲解，可力求让学生能够透过“艺术现象”看“文化本质”，领会和掌握民间艺术中的博大精深的艺术语言。
第二，在进行地方民间艺术传授的过程中，为了避免枯燥、乏味，使学生失去学习兴趣，应多以互动实例的方式来进行，让民间知识在不知不觉中渗透到互动案例的展开当中，积极鼓励学生动手创作，诱发学生学习的积极性。
第三，针对民间艺术知识应长时间学习的特点，所以除了集中设置课程外，还应该让民间艺术学习分散、分流到高校大学生第二课堂活动中，可以不定期的邀请地方民间工艺大师、艺人举办一些讲座、论坛，以此来丰富学习的方式，让学生在亲身感受民间工艺大师、艺人的艺术气质，增加学习的乐趣。［4］
第四，在民间艺术教育课程的传授过程中，教师可以适当、适时地结合不同民间艺术创作方法的特点，将民间艺术知识与学生专业背景知识融合，可以设想出多种民间艺术创作方法与学生所学专业课程的切入点，使两种知识可以有机地结合在一起，这是解决学生在学习民间艺术过程中学会懂得开发创新运用的最好办法。
关键词：艺术教育；美术馆
在我国积极倡导文化的大繁荣大发展的背景下，美术馆这样艺术公共建筑可谓在我国的土地上遍地开花，同时也迎来了我国艺术蓬勃发展的新的。艺术的不断发展和美术馆的支持是密不可分的。美术馆不但承担了大量的艺术作品的展出，还极大提高了公众的艺术素养和新形势的艺术教育。
我们现在的生活像在大海之中，这些形象承载着诸多不同形式的的文化，和现代文明的展现。现代艺术的表现出现了很多光怪陆离的媒介来展示，这样的日常生活被大量的视觉图像和背景充斥着生活，人们已经无法更多的体味真正意义上的艺术、美的区分和判断，也对这样“色彩斑斓”的世界习以为常，他们慢慢的丧失了对艺术的欣赏力和感受力。当今，任何人都想让自己充满着艺术气息，他们会买一些所谓的艺术品来对自己的空间进行装饰，以提升自身的品位和艺术素养，殊不知，其是否真正的注意到这幅画的构图，人物，表情，或是带给你的感受呢？而对于美术馆里陈列出来的艺术品则不应该走马观花的浏览，更多的是以学习，沉淀自身的艺术情操，提升艺术趣味来进行观赏，这就是一种自助式的艺术教育。
我国美术馆的公共教育场所在建国初期由国家开办到当今民营美术馆的发展，私人美术馆的崛起同时画廊的星星泛起，都是美术馆的特殊形式存在，虽然在经营的理念和达到的目的上不尽相同，但有一点是共通的――对艺术的教育同艺术的传播与推广。
美术馆是艺术教育、文化传播的重要形式和场所，面对公众展示陈列艺术作品实物为主；而艺术教育是通过对艺术作品的鉴赏，传授艺术知识提高公众的艺术修养和审美能力。先生提出过“不能以宗教充美育，而止能以美育代宗教”①。可以看出艺术教育是完善人格，感情陶冶不可或缺的一部分。由于二者的异同，就自然的将艺术教育和美术馆连接在一起，其关系清晰又复杂，但总体上是相辅相成的。当今的中国在大文化大繁荣的背景下努力建造城市美术馆，培养和提高国民的美育能力。这种相辅相成的发展为艺术教育和美术馆在不同层次上的互动提供了更多的可能性。
以我国的情况为例，我国古代虽有流传千古的大量的绘画、书法雕刻等艺术作品，但古时都没有进行相应的以沙龙或者一个场馆来展出。古人所谓的“展览”也是较为小型的“雅集”②形式，一些人来共同探讨学习艺术技艺，例如“兰亭雅集”、“西园雅集”。到了20世纪初，有识之士看到欧洲等国美术馆纷纷建立并向公众开放，这不但有利于艺术知识的普及也极大的提高了国民的艺术素养。到20世纪30年代，徐悲鸿等著名的艺术家为美术馆的兴建奔走，这也是在为公众学习艺术提供平台和展品。1929年，天津美术馆的建立成为我国第一家国立美术馆。到20世纪80、90年代，我国的美术馆才算有了一个相对完整的概念。慢慢的从最开始的单一的陈列展出作品的形式向国际美术馆的模式发展，集收藏、保存、展示陈列、教育、推广、学术讲座等社会服务一体的全面的发展形式，也将我国美术馆对艺术教育的全面引导和普及达到了一个新的发展阶段。
当今的美术馆公共服务更加完善和全面，并且其艺术教育的受众群来自不同年龄层次、不同教育背景的个人或群体，通过美术馆的不同的展览和对艺术品的欣赏，都从不同的方面来接受了艺术文化熏陶和艺术素养的培养，从而达到对公众的艺术教育。美术馆展出的大多数展品有收藏的藏品、有现当代艺术家的艺术品还有一些高品质的艺术佳作，这些作品的展出不但可以让公众看到作品最真实的最精美的部分，为一些专业的研究学者提供了最详实的文献和图片来进行学术研究。美术馆提供的这种高品质的展品是其他教育场所无法比拟的，在这种宽松的场所内，形成这种自主吸取、探索、发现的方式更容易使观众获得艺术讯息并接受从而达到教育的效果。
艺术教育的扩展和推广也有力于美术馆的建立和发展，会让更多的公众注重对艺术的关注，也会得到社会各界对美术馆建立和发展的关注，这是一个双方共赢的局面。在一定程度上，美术馆所办的展览也是这座城市文化发展的一部分，是市民艺术素养整体体现。这种社会性的艺术教育，是可以促进社会的进步、健全人格的行为，每个人都应该去学习提升自身的艺术情操，鼓励大众多进到美术馆这个充满艺术氛围的殿堂，学习美、体验美、发现美。
注释
①《美学文选》[M]，北京：北京大学出版社，1983年4月第一版第180页
②“雅集”是中国文人士大夫为追求艺术格调与生活情操的集中，讨论诗歌绘画的集会。这种集会没有任何条件的约束有极强的随意性，只要志趣相投便可以相约一起探讨诗词歌赋，赏画谈艺追求生活之美并达到精神享受，乘兴而来、尽兴而归，这样的聚会却对中国传统文化尤其是对书画鉴赏的发展产生了非常重要的影响，因“雅集”而激起灵感创作的诗词歌赋、书法绘画、美食乐舞都不胜枚举。对于中国艺术发展而言，“雅集”是促进交流品鉴绘画切磋技艺的活动。
参考书目：
[1]《美学文选》[M]，北京：北京大学出版社，1983年4月
［关键词］大学生；艺术教育；审美价值观
健康的审美情趣是构成大学生优秀综合素质的重要部分，也是社会文明进步的一个重要标志，而艺术教育是审美教育的重要组成部分和有效手段。当代大学生在社会文艺思潮和流行文化的冲击下，形成了特有的艺术审美倾向，我们应该通过艺术教育引导大学生树立健康的审美价值观，提高大学生审美能力和全面素质。
一、重视艺术审美教育在高校教育中的作用
（一）美育的重要作用
美育即审美教育，是高校实施全面素质教育工作中重要的一环，美育通过引导大学生了解和领悟艺术作品所蕴含的人文精神和审美理想，培养学生感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，陶冶高雅的情操，从而使他们在潜移默化中形成高尚的人格和正确的价值观。
（二）艺术修养是美育的关键部分
良好的艺术修养对人格魅力的提升有着特殊而重要的作用。我国杰出的科学家、航天事业的奠基人钱学森，为世人所赞颂的不仅是他取得的崇高科学成就，还在于他淡泊名利、报效祖国的人格魅力。他超凡的人格魅力与他所具有的良好艺术修养不无关系，他学习音乐、绘画，并在这些方面都有较深的造诣。他曾在一次授奖仪式上说：“艺术里所包含的诗情画意和对人生的深刻的理解，使我丰富了对世界的认识，学会了艺术的广阔思维方法。”可见艺术教育能够以美怡情，以美启智。艺术美是美的典型形态，事实上，美学家们研究和探讨的领域大多是就艺术探讨审美问题。
二、当代大学生艺术审美倾向分析
（一）艺术审美生活化
在人们心目中，总是将艺术独立并凌驾于现实生活之上，崇尚高于生活、甚至脱离真实生活的虚幻、缥缈的艺术作品。而如今的时代，艺术越来越走近生活并融入其中，艺术形式上的高雅与通俗不被严格地区分，“艺术更加生活化，生活也更加艺术化”。如今大学生中最流行的舞蹈莫过于街舞了，这种源于美国黑人的街头舞蹈，肢体动作自由随意，同时学习者不需要任何专业基础，相比芭蕾舞、民族舞要通俗易懂得多，实践起来容易得多。小说及同名电视剧《奋斗》《北京爱情故事》《北京青年》等等，在大学生中颇受欢迎。究其原因，在于当今高度自由的时代，大学生面对升学、择业、择偶等选择时感到迷茫、不知所措。而这些影视作品中主人公都是和他们同龄同时代的普通人，反映的都是他们这代人最迫切最真实的境遇，在一定程度上为困惑中的青年指引了一个前进方向，树立了一个理想目标。艺术的现实指导性在无形中影响了大学生们的审美价值取向。
（二）艺术审美多元化
青年大学生思想活跃、接受能力强，信息爆炸的网络时代使他们所获得的艺术审美感受、审美价值不断趋于多元化，同时“审美疲劳”的产生改变了传统审美观念,带动了审美的多元化发展趋势。中性美、神曲、草根等社会文化现象几年前还不被大多数青年人所认同，被认为是媚俗低俗，如今大学生们已抱着宽容、接纳的态度，审视这些表面现象下隐藏的内涵与本质。近年来，选秀歌手、电视选秀节目在大学校园颇为流行，各具风格特点的歌手、演员在大学生群体中虽然拥有各自阵营，但大学生们大多有着的成熟态度，不诋毁、不盲从，自认为可以接纳更多样的美。艺术作品的内容、形式、风格、技巧本就千姿百态，青年大学生们在这些复杂、隐蔽、曲折的艺术作品中探索、回味，渐渐确立了自己与众不同的审美价值观。
（三）艺术审美感官化
审美过程分为“感性直观的美”和“精神升华的美”，前者简单、直接，后者持续、久远。高尚的艺术审美趣味不应只停留于感官愉悦的层次，而应追求精神的愉悦，以艺术作品和艺术活动净化人的心灵、振奋人的精神。正如德国哲学家、古典美学的奠定者康德说：“吾人一切知识始自感官进达悟性而终于理性，理性以外则无‘整理直观之质料而使之隶属于思维之最高统一’之更高能力矣。”而当代大学生因为学业、人际交往、就业的压力，更倾向于选择简单快乐的文娱活动，强调直观感受。通俗性的艺术形式直观易懂，容易让人赏心悦目，使心灵很快得到放松，如听流行音乐、唱卡拉ok、看通俗小说等等。而如果在课余再听上一场严肃的音乐会，或是欣赏一场京剧，可能无法缓解他们心理上的紧张和疲劳。对艺术审美的感性化导致了审美趣味的通俗化，使许多大学生只关注于艺术的形式，而不在乎其精神内涵和艺术灵魂。
（四）艺术审美非主流化
当代大学生艺术审美的另一大倾向是以独特为美，强调非主流化。他们将主流等同于俗套，将非主流等同于时尚，他们求新求异，希望自己独一无二、与众不同。在服饰打扮、自我形象和文化品位的定位上，他们力求自我个性，在艺术实践与创作上，他们追求别具一格、另辟蹊径，如越来越多的原创校园歌曲、原创校园话剧等等，大学生们用自己的旋律和文字表现青年人的思想。但同时也有一些创作作品，刻意将作品表现得扑朔迷离、似懂非懂，认为看不懂的就是高雅，比如一些所谓的先锋话剧、实验话剧等。如果一味地摒弃传统、逃离主流并不可取，但果能将这种自我意识强烈的艺术审美观转化为在艺术实践上的创新意识却是值得鼓励的。
三、加强高校艺术教育，提升大学生艺术审美情趣
（一）呼吁建设健康的大众传媒环境
大众文化是大学生审美观形成的天然土壤，而媒介人好比是大学生审美观的塑造者。当代大学生通过网络、电视、电影、书刊杂志等各种媒介接触艺术作品，大众传媒所形成的文化环境对大学生的审美观具有极大的号召力和影响力。一些媒体为博人眼球，不惜扭曲现实、追捧绯闻，将各种奇人轶事不论真假是非一律推上风口浪尖。造诣颇高的作家默默无闻，经典的艺术作品难得一见，取而代之的是空洞浮夸、内容低俗的快餐文化。大众传媒这些不负责任的做法，将导致大学生们接受“只有怪异、个性、突破传统才能得到关注”的错误思想，进而思想流俗，审美趣味低下，离真善美越来越远。因此，我们呼吁媒体各界以健康积极的主流文化艺术来引导和鼓舞年轻一代，以高质量、高品位的艺术作品占领文化市场。只有健康的传媒环境才能引领大学生们脱离低级庸俗的审美趣味，才能树立崇尚热爱生活、关注社会、格调高雅的审美理想，才能对优化青年大学生的文化生态环境起到积极影响。
（二）循序渐进地提升大学生审美能力
审美能力主要由审美感知力、审美理解力和审美想象力组成，且这三方面的能力是由易到难、逐级上升形成的。我们应该遵循其中规律，针对每一阶段的特点选择有效的教育方式。审美感知力是艺术审美素养的基础，它主要通过对大量艺术作品的看、听、读来获得。高校艺术教育工作者，应该多引进优秀艺术作品，创造艺术赏析氛围，多引导学生们走进剧场、走进展览厅、走进音乐厅，将更多时间放在现实艺术作品中，多观察、多体验，积极体悟作品里蕴含的时代气息与思想情感，锻炼自己的艺术鉴赏能力。审美理解力的提高主要来源于深厚的文化修养，这不可能仅靠一些艺术赏析活动来提高。黑格尔认为：“艺术家创作所依靠的是生活的富裕而不是抽象的普泛观念的富裕，在艺术里不像在哲学里，创造的材料不是思想而是现实的外在的景象。”可见，大量的文学、历史、哲学知识和丰富的生活经验积累有助于更好地理解作者的思想、作品背景、风格和象征意义。艺术教育工作者应该积极引导大学生多多涉猎相关学科，提高自身的文化修养从而深入感知艺术作品蕴含的深意，达到悦心悦意的效果。审美想象力使审美过程更加完整，艺术欣赏的过程同时是美的再创造的过程。而艺术教育对培养和发展人的感受力、想象力和创造力有着独特的作用。爱因斯坦酷爱艺术，还是一个演奏小提琴的高手，他曾坦言：“物理给我知识，艺术给我想象力，知识是有限的，而艺术所开拓的想象力是无限的。”我们应积极培养大学生的创新精神，并引导他们将这种理念和意识引入其本身的专业学科研究中。
（三）繁荣校园文化，弘扬正确的审美价值观
校园文化活动是高校艺术教育的有效载体，我们在指导大学生开展校园文化活动时，需要注意以下几点。1.注重高尚的艺术氛围营造。大学校园尤其是工科院校需要校园文化活动来丰富文化生活，同时也需要优秀的校园文化活动来营造人文气氛，引起他们对人文知识的关注和兴趣。虽然学生自发组织的校园文化活动广受欢迎，如校园歌手大赛、文艺会演，常常是观众爆满、热情高涨，但这类活动娱乐性有余、艺术性不足。我们应该认清高校文化的地位，通过经典艺术、古典艺术和民族传统艺术等来营造高尚的艺术氛围，用高尚的文化教育大学生，引领大众社会文化。在开展校园文化活动时，我们应该把握好俗与雅的适当比例和时机，自娱自乐不可多，高雅文化不可少。尤其在理工科院校，更加不能忽视这一方向的引导，不能以文娱活动替代艺术教育。2.强调健康内容与生动形式的统一。针对当代大学生艺术审美倾向功利性强、娱乐性强的特点，我们在开展艺术教育及其他素质教育活动时，应该十分强调活动形式与内容的统一。一味地哗众取宠是只有形式或者形式与内容不统一的表现，而一味强调内容、思想却忽视形式同样不可取。品德教育乏味、刻板，甚至演讲比赛、大合唱比赛也死气沉沉，这必然失去素质教育的意义。
（四）高度重视、狠抓落实，切实推进公共艺术课程建设
2006年，教育部办公厅了关于印发《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》的通知，明确指出了要在普通高校设立公共艺术教育中心，并且每个大学生在校学习期间，至少要在艺术限定性选修课中选修l门并通过考核。高校应高度重视艺术教育，落实政策，将公共艺术教育纳入培养计划，将一部分基础的艺术鉴赏课程作为大学必修课程，并辅以更多的艺术理论选修课程，以必修课程启发大学生学习艺术的兴趣，进而发挥自主学习能力，选修、自学更多美学、艺术和人文知识。高校要努力创造人力、财力、物力，健全机构和体制，以机制保障公共艺术教育中心的独立运行。各级教育部门要为普通高校的艺术教育成效设立专门测评体系，以有效政策引导高校进一步加强艺术教育工作。
大学生艺术审美能力不可能仅靠几堂课、几本书就能提高，它涉及哲学、心理学、艺术学等多门学科，也不是高校、中学或是家长某一方面能够独立完成的。它起始于最初的认知学习，却没有结业的时间，它来源于学校、社会和家庭等各个方面的共同作用，却在每一个个体身上形成各不相同的教育效果。在这里就高校艺术审美教育的若干方面进行讨论是希望引起更多方面的重视与更进一步的思考，为中华民族整体素质的提高做出努力。
作者:万婷 单位:华东理工大学
参考文献
[1]蒋国忠.审美艺术教程[M].上海:复旦大学出版社,2005.
【关键词】当代艺术;艺术设计教育;跨界;融合
当代艺术主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术，处在传统艺术和未来艺术相交碰触之处，如何正确欣赏、分析、理解和评价当代艺术，是现代艺术设计教育的重要组成部分。当代艺术的发展打破了艺术与日常生活的界限，在艺术生活化与生活艺术化的双重融会中，大学生对自己身处时代的艺术更容易感同身受，产生浓厚的兴趣。但目前国内大学设计专业教育对当代艺术普遍着墨不多，如何正确认识当代艺术与艺术设计之间的关系、发挥当代艺术在艺术设计教育中的作用，是目前从事艺术设计教育的教师需要迫切思考的课题。
一、艺术设计教育的现状和困境
艺术设计的包容性和复杂性决定了艺术设计教育具有的开放性和多元性，诚如清华大学教授李砚祖所剖析的：“艺术设计具有包罗万象的兼容性，它既涉及材料详细表达技术，又涉及方法和观念，既是艺术又是技术，既有人文学科的属性又与自然科学相关，既有实用功能的限定又有审美心理要求，既有文化的传承又要求创新。”①因此，基于艺术设计的学科特点，艺术设计的相关课程应具备丰富性和系统性的统一。丰富性是指艺术门类包罗万象，既包含工艺美术、现代设计，也囊括古典及现当代艺术，还涉及民间、民族和国际艺术；系统性体现在艺术的繁复性和矛盾性，艺术设计不仅教授学生专业的技能，还涉及艺术的欣赏、批评和阐释，需要学生全面整体地予以掌握。在艺术设计教育中，要防止学生因专业划分导致的知识结构片面性和狭隘性，培养学生全面、深厚的人文素养，这也是“宽口径、厚基础”教育理念在艺术设计学科中的重要体现。具体到当代艺术课程的设置，主要是通过当代艺术的学习培养学生的审美情趣、哲学思辨能力，开发学生的想象能力，提升对艺术与生活的理解、体验能力。目前，我国众多高校的艺术设计学科正在摸索中办学，经历了20余年的艰难探索，形成了一种相对主流的教学理念。大多数艺术设计院校重视适应市场发展和产业的需要，积极吸收科技进步带来的成果，加强艺术设计与科学技术的联系，注重根据社会需要调整专业课程，培养学生的实践能力和专业设计技能，从而提高学生的就业能力。从目前高等设计院校的现状来看，设计学科提倡设计实践，注重与市场需要的有效结合，具有明显的短期成果优势。但从长远角度来分析，学生在职业工作中的成长能力不足，很多学生都反映自己能够适应不同的技术材料，却不知道该如何进行设计。可见，启发和培养学生的创造能力是设计教育的核心内容，而全面、深厚的人文素养是学生创造能力的源泉，对艺术作品的鉴赏、思辨能力同样不可或缺。
二、当代艺术在艺术设计教育中的缺失
目前，很多艺术设计院校已注意到这些问题，并在实际教学过程中对其予以修正和调整。笔者考察目前设计院校开设的基础理论课程，发现教育内容主要集中在设计概论和中外美术经典作品欣赏，关于中国和西方的当代艺术较少涉及。笔者曾在课堂提及中国的几位当代知名艺术家，学生大多对他们并不了解或一知半解。艺术设计专业学生尚且如此，遑论其他专业学生。美国芝加哥大学教授巫鸿在《谁来承担我们的当代艺术教育》一文中谈到，国外研究西方艺术的人有90%在研究西方当代艺术，而中国却相反，研究中国艺术的人中只有10%的人在研究中国当代艺术。事实上，当下世界当代艺术的活动非常丰富，国际和国内的三年展、双年展等艺术展览会比比皆是，以当代艺术为主题的博物馆、美术馆也在增加。很多人对当代艺术家的作品普遍会表现出较大的兴趣，但我国大部分大学生对当代艺术仍然处在基本不了解甚至完全不了解的状态。当代艺术不再存在一个标准的创作艺术方式，也没有统一的表现手段和形式。美国艺术评论家阿瑟•丹托认为：“不管艺术是什么，它不再是被人观看的对象。或许它们会令人目瞪口呆，但基本上不是让人看的。”②当代艺术的复杂性和多元性增加了对其诠释的难度，在艺术欣赏、教育的过程中，人们侧重于对艺术的消费和享受。从认知的对象到被消费和享受的对象，艺术对很多人而言仍然是陌生的客体。在实际教学过程中，学生与当代艺术的接触有限，难以发生共鸣。三、当代艺术在艺术设计教育中的价值作为现代设计教育起源的包豪斯设计学院，奠定了现代设计教育的理论体系，即教学、研究、实践三位一体的现代设计教育模式。这种艺术与工业结合的教育模式打破了将纯粹艺术与实用艺术分割的旧有教育观念，完成了艺术与工业之间的连接，使艺术与技术获得新的统一。近些年，我国的设计学院不断学习国外的先进教育经验，纠正了一些向包豪斯设计学院学习过程中的误读，不再一味注重标准化、技术化和功能化等工业化生产的要求，提倡素质教育，加强了艺术设计与艺术素质教育学科的联系，从根基上注重培养学生的欣赏能力、创造能力和想象能力，以期设计出优秀的作品。如笔者所在的深圳大学艺术设计学院有如下举措：第一，调整了一年级入学后立即分专业的做法，要求学生经过一二年级的综合学习之后再进入分专业学习；第二，细化和优化了文化素质教育课程，除了艺术概论和中外美术史欣赏以外，还开设了设计美学、当代艺术思潮、传统文化与现代设计、当代艺术评论等课程。具体来说，当代艺术有助于纠正大学生知识结构的片面性，提高其在美学、艺术以及社会文化方面的跨界融合能力，从而丰富精神世界，培养创造能力。当代艺术在艺术设计教育中的价值体现在以下三个方面。首先，当代艺术有助于设计专业的学生理解多元文化和培养跨界创作意识。产生于西方的现代设计，在创造物质财富的同时也带来了审美泛滥和一元化。在迅速发展的中国，“以往个性鲜明的城市被千城一面所取代，人们的生活方式和日常用品趋同……设计如何在改变这种现实中发挥作用，仅依靠产生于现代社会的包豪斯的设计思想是无法应对的。”③可以说当代艺术设计正在寻求着一种多元的、有活力的新的设计思维，而当代艺术的多元与复杂正可以打开学生的视野，突破藩篱。当代艺术的创作从架上绘画、注重视觉效应的作用向其他领域跨界，同时当代艺术也希望其他领域和自身跨界交融。其中最具有代表性的是美国的波普艺术。波普艺术大量采用设计艺术中的商品招贴、广告符号、电影广告和大众传媒的图像做拼贴组合，其代表人物安迪•沃霍尔更是采用丝网印刷，试图取消传统的艺术创作方式，直接挪用商业设计的符号，唤起大众关注现代社会的商业现实，以及艺术与商品的关系。对于当代艺术的跨界创作，美术理论家皮道坚认为：“当代艺术在美术史上最重要的贡献便是拓展了艺术的领域及其语言方式，而对于观众来说则是拓展了审美的感觉力，发展了人的想象力和创造力。”多元和跨界可以产生新的思维角度，学生在思考的过程中学会尊重不同的民族文化、生活习俗、生活品位和情感诉求，并以解决这些多元的问题为核心来创作，有利于脱离设计师先入为主的概念设计和同质化设计。其次，当代艺术有助于设计专业的学生认识设计、艺术、文化与生活的融合思辨关系。当代艺术证明美与艺术的本质并没有关联，艺术不一定是观看的对象，观念艺术的出现表明艺术品甚至不需要是可以触摸的物品。对于教师来说，引导学生评价和认识各种形式的当代艺术，必须从感官经验转向哲学反思。当代艺术比以往任何时代的艺术都更加注重意义和价值，追求艺术的深刻性、普遍性和永恒性等真理。尤其是对许多优秀的当代艺术家而言，他们不希望人们把他们的作品当作物品来看待，而是将其作为媒介来认识和改善社会大众的生活，让个人的世界乃至整个世界变得更加美好。这与艺术设计的本质追求完全一致。从表面上看，当代艺术拒绝表现美的视觉世界时，设计艺术却承担起了美化生活的责任，建构起日常生活审美化的世界；从本质上看，这表明人们的生活既需要感性的美的愉悦来创造理想的空间，也需要用哲学思辨的观念来帮助人们认识繁复多变的世界。在对当代艺术学习和认识的过程中，学生学会从哲学思辨的角度认识和把握世界，丰富自己的人格世界，把情感与理智完美结合在自己的设计中。最后，当代艺术有助于设计专业的学生认识到自由宽松的艺术创作环境和自身的社会责任感是统一的。多元化和跨界融合并不意味着、反人类甚至反文化的自由。但是，在当代艺术中有一小部分的艺术家因为社会政治体制的相对宽松，走向了狭隘和极端。尤其是中国当代艺术正处于一种多元文化互相交融也互相博弈、彼此合作又彼此批判的局面，正需要人们积极地展开讨论、研究和批判。正如丹托所说：“今天的艺术批评更关注这些意义是否同时具有真实性，而不是关注传统的视觉愉悦的观照。艺术家已经成为哲学家过去担任的角色，指引着我们思考他们的作品所表达的东西。这样，艺术事实上就是关于经验了艺术的那些人。它也是有关我们是谁、我们如何生活。”④
当代艺术中美丑混杂，真理与伪善并存，每个欣赏当代艺术的观众同时也是阐释者，越自由的创作环境也意味着越需要自律的社会责任感。设计的范畴不仅是物质产品，也涵盖了设计理念和价值，最终的指向也是人的生活和人性。学习当代艺术有助于学生树立正确的价值观和创作观，从而能设计出人们真正需要的作品，为国家设计事业做出自己应有的贡献。
作者:付蓉 单位:深圳大学艺术设计学院
注释：
①李砚祖.艺术设计概论[M].武汉：湖北美术出版社，2009：53.
②阿瑟•丹托.艺术的终结之后—当代艺术与历史的界限[M].王春辰，译.南京：江苏人民出版社，2007：19.
传统艺术院校着重培养的是创作方面的艺术人才，与当今社会大环境的脚步相脱离，针对这一现象，文化部文化市场司副司长庹祖海为高校艺术教育的培养模式指明方向，即文化行业应当将艺术与管理相结合，培养艺术与技术相结合的复合型人才。为了使艺术人才更快地适应日新月异的经济发展，必然要涉及和研究艺术市场与艺术教育的互动关系，也只有在艺术市场中，艺术品才能爆发自身独有的震撼力和价值。
一、艺术市场
1.艺术市场的概念
市场，即商品交易的场所。艺术市场广义讲就是具备商品属性的艺术作品在社会上流通的行为、过程和场所的统称。
2.艺术市场的特点及现状
艺术作品作为特殊商品，其市场必然有与其他市场不同的属性和特点。一是艺术市场具有公允性，任何个人或团体对艺术品的流通交易中必须按照市场特有的规则进行操作；二是艺术品市场具有时尚性，艺术品市场随着欣赏者和收藏者的兴趣本文由收集整理及媒体导向是易于变化的；三是艺术市场具有竞争性，竞争力来自于艺术家及艺术品的共同提升。
当前，中国艺术市场中呈现出国有、民营、外资、合资等各种企业并存的局面，画廊、拍卖行、艺术博览会越来越重视自身在市场中所扮演的角色，艺术经纪人在市场中也越来越活跃，收藏品的范围也多角度地扩展，艺术品市场呈现规模化、精品化、多元化的发展趋势，相关的学术研究在市场中越来越发挥主导作用。面对艺术品交易的日益频繁及其产生的巨大财富，笔者认为，我们有必要理性而又务实地分析中国艺术市场发展的基本态势，设立科学而又严谨的发展目标，制定行之有效的制度和法律条文，使中国艺术品市场呈健康、稳定的发展势头。此外，一个艺术市场的产生和蓬勃发展要有良好的文化艺术教育基础与外部环境，高校的艺术教育应担当起这一重任。
二、 高校艺术教育与艺术市场对接的探索
1.艺术教育的概念及作用
艺术教育是指挖掘和涵育人的艺术文化素质，从而实现意义化生存理想的社会化行为。简单说，艺术教育就是培养艺术认知能力、艺术欣赏能力、艺术文化创造能力、艺术文化传播能力等诸多方面的艺术文化素养，其主要有促进人的左右脑均衡发展、助于学生激发多种感知和思维方式、发展人的创造力、提升人的生存质量等多方面作用。
2.高校艺术教育与艺术市场对接探索
（1）加快高校艺术教育观念的转变
传统的艺术作品都是按照创作作品——参加展出——束之高阁这样的生命周期进行管理的，完全没有后续对作品的推广、销售环节，这种思想与方法既不利于艺术的全面发展，又不利于艺术家创造才能的全面释放，更不利于艺术市场的发展。这种观念上的转变首先必须得到艺术教育者的接受才能逐步影响到教学思想、教学方法等全方面的改革与变化。随着市场经济的不断发展，艺术家生存的价值标准也在商品社会的今天发生转变，艺术家和教育工作者要正确认识艺术市场的惠泽，利用好这一平台，使艺术市场发挥更大的作用。
（2）推动高校艺术教育体制的改革
艺术市场与艺术教育本身具有相互促进的作用。艺术市场对艺术教育发展的作用体现在可以及时敏锐地发现、更新当下的艺术观念、艺术思潮、艺术创造、艺术批评等，在此基础上可以适当调整高校艺术类培养方案，促进艺术学科的健康有序发展。
以往的艺术教育体制就是单一艺术人才的培养模式，注重的是艺术修为的教育。然而在快节奏的市场经济社会中，培养艺术大师不再是高校教育的唯一目标，也是很难实现的理想目标，而艺术与技术复合型人才是高校艺术教育的首要任务。据估计，全国每年有20多万艺术专业毕业生走向工作岗位，在一个容量有限的艺术文化市场中各尽其所、各尽其才，是一个美好而又很难实现的事情，大部分学子迫不得已背离自己所学的专业。这就要求我们在教学中要有针对性地设置课程，结合艺术市场人才紧缺的现状，因材施教，把学生培养成复合型人才。这需要我们按类别培养学生：第一类是艺术作品创造者，界定就是以具有深刻艺术思想、高超的艺术表达能力、娴熟的技法展示和具有创造经典艺术作品能力的人。然而面对日益增多的艺术生源，加之学生的低龄现象和阅历不足，把全部的学生都培养成艺术家是不切合实际的。那么，具有绘画热情，但艺术情感不够丰富的学生如何成为创造艺术的主宰者是我们应该重视的问题。在《艺术的涵义》这本书中，奥班恩分析说：“画匠是一个学习过绘画职业的人，一个手艺人。他的职业知识能够达到尽善尽美的程度……他们照相般地模仿现实的能力几乎是不可超越的。……画匠一旦学到了他所掌握的东西后，只有技术上的责任”。虽然奥班恩把画匠缺乏艺术文化的学养和艺术创造性指出来，但也给画匠在技术方面的肯定。所以我们不要按世俗的理念把艺术与技术完全割裂开来，非要分出等级。
使学生的日常生活和真实生存环境作为艺术学习的起点，这样才能在平淡的生活中寻找到美，发现到闪光点。也就是说，艺术学习只有与日常生活连接，才能获取和扩展艺术想象和艺术创作的素材和灵感。让学生对环境和日常事物认真观察、聆听和反思，不断发现其中的变化，才能提高个人对美的鉴赏能力和审美感受。席勒说过，从美的事物中找到美，这就是审美教育的任务。绝大多数艺术都是人类情感的表达和丰富精神生活的展示，首先，要做的是培养学生正确的审美感受能力。审美取决于事物本身所具有的美的属性和人的主观意识。老师要做的是通过各种手段（媒体、图片、实物）引导学生全面的欣赏作品，而不是单方面的给学生下个死定义，告诉学生什么是美的、什么的丑的。其次，要培养和发展学生对美的事物比较和想象的能力。通过对艺术作品的比较、想象和联想，加深他们的审美印象，在心灵中刻画出美好的感觉，创造更为丰富多彩的作品。最后，培养学生欣赏和判断能力。迦迪那曾今说过：“任何美的艺术品都不可能没有一点小小的瑕疵，但真正的美却一定能够掩盖这些小小的瑕疵。”所以，好的欣赏能力将对我们未来的发展起到决定性的作用。然而什么是欣赏呢？欣赏是人们以一种愉快的心情来赞美一件事物，从而领悟到其中的奥妙、其中的美。这种对美感的欣赏，可以是来自自然的，也可以是以社会生活为基础的。增加欣赏能力的同时，也是对我们自身审美判断能力的提高。如果说对美的感受和欣赏，是一种情绪体验，是形象思维相联系的；那么，审美判断，则是在情绪体验的基础上，由形象思维过程进入逻辑思维的过程，是由感性认识上升到理性认识的活动。老师应该让学生们自行对艺术作品（无论是外在的，还是内的）在一起进行分析“对话”，让学生进行审美判断。把画中所提倡的美与其中隐喻的丑同时作为对象来感受、鉴别，并作出审美的、伦理等方面的综合评价，这样的教学无疑是生动的，使得的学生获得知识的同时，更获得了良好的审美判断能力。因此，教师和学生之间需要有相互尊重，互教互学，让学习的方式更为丰富；而家长则应该重视“聆听”，“听”是一种很好的认同的方式，当一位孩子对你诉说则表示他足够的信任着你，希望你在他未来的道路给予良好的建议。兴趣是天生的教师，各种不同的选择都会造成不同的教育结果。因此作为当代的教师除了把自己满腔的学习热情灌注给学生的同时，也要让学生们学的有兴趣学的快乐，这样才能有效地改变现有的传统教学模式，培养学生学习的主动性。
二、提升学生的审美能力，培养学生审美心理
学生的审美教育培养对他们成长过程中的心理有至关重要的作用，这种审美的培养是源自于学生在生活中对于审美趣味的积累。这就需要我们在艺术教育的工作中培养学生的一个普遍审美能力。每个人在心中都有一个固有的审美定式，你认为美的，他认为不一定美。那么这就需要我们对于艺术作品的一般鉴赏能力，培养学生的普遍审美。当然这也是在长期的培养当中形成的一种能力。但是当今的素质教育还需要学生们具备一定的表现力和创造力，我们在教育他们具备一定审美能力的同时，也需要考虑到他们对于自我开发的一种禀赋。艺术是源于一种情感的积累，那么所有的艺术作品都会含有自己的艺术联想，这同样是也我们在教育过程中需要重视的一个环节。我们让学生在学习的时候尽可能的展现出艺术教育诱人的“趣味”，要让学生在学习艺术的时候得到一种心理上的满足，那么他们才有可能会对艺术有一定的认识，形成一种愉悦的审美心理。要让学生们知道好的艺术作品可能让欣赏着得到满足，那么他们才会愿意主动去接受艺术所带来的乐趣。
三、结语
通常，我们讲的纯艺术或纯美术，大多情况下应该是指写实性纯绘画、纯写实性雕塑。美术包括绘画、雕塑、工艺美术、建筑美术四个门类，就其中而言，建筑美术以纯艺术角度来讲很难界定为纯正的，建筑美术是建筑学和艺术的交叉学科，它受到建筑结构、建筑力学、建筑材料等自然科学因素的影响和制约；又受到文化、艺术、民族、宗教信仰等社会科学的因素的影响和制约。
雕塑在西方美术史上来看应该是很纯的，从古希腊的《维纳斯》到米开朗基罗的《大卫》，到罗丹的《思想者》等，均以纯正的、写实的雕塑语言展示在人们的面前。而在现代，英国雕塑家亨利·摩尔的代表作品则以较抽象的、浑圆的造型，以及弦线在雕塑中的使用，创造出自古希腊写实性雕塑以来不同的风格，体现出象征和寓意的造型语言；美国雕塑家卡德尔的作品以其体形巨大、金属材料和敷以艳丽的色彩为特色，如《火烈鸟》等雕塑作品更成为环境艺术中的重要部分，它的象征手法、后现代的语言同写实性雕塑的风格迥然不同。西方现代艺术家用自行车鞍座加车把，做成形似牛头的雕塑作品，甚至把陶瓷小便斗横置当雕塑作品，这更显示出他们的艺术表现方式与传统雕塑相比而不够纯正了。
工艺美术，人们也把其解释为实用美术。从原始社会中国的新石器时代彩陶文化，到奴隶社会的青铜器；从唐丝绸、宋瓷，到我们今天使用的日用工艺品，都属于中国美术史上的“技”，即为技术和艺人之作。中国历代文人、士大夫均重纯艺术的“艺”，即为重意境的“阳春白雪”之作。历来社会的上层阶级重“艺”而不重“技”，那么工艺美术在美术领域中的不“纯”和地位不高就显而易见了。
在西方绘画史上，古希腊时期“摹仿论”就十分盛行了。如古希腊哲学家德谟克利特认为艺术的量就是摹仿。柏拉图认为艺术家再现的感性的东西，只是思想的反光，到了文艺复兴时期，仍然是“再现”“摹仿”“写实”的天下。达·芬奇说道：“假如你在用自己的艺术摹仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师，那么你就不能成为一个好画家。”在中国美术史上，绘画作品被限定为人物、山水、花鸟、大写意、小写意、工笔画等简单的门类，几千年来不论是工具材料，还是在艺术手法上的创新都不是很大，士大夫把其视为正宗的绘画称为“艺”，而把一些别的美术门类和工艺美术、民间雕塑、民族美术等称之为“技”。他们重“艺”而不重“技”的审美观念，把纯绘画提到了艺术领域中至高无上的地位。另外，我国建国初期的美术教育全盘引进前苏联的模式，这种模式对现代艺术和非纯绘画的排斥，使得我国在纯美术的学习成为上世纪五六十年代美术院校中最吸引人的专业。美术院校把优秀的学生安排学习纯绘画，这样更加人为地拔高了纯绘画在美术教育领域中的地位。
纯艺术的作品在美术史中占有相当重要的地位。绘画是人类最早表达思想的方式之一。它用于表达情感，传递信息，是一种最初级，但又是最重要的媒介形式。纯艺术作品在反映每个时代的政治、经济、军事事件中起到了形象真实、感人的作用，留下了难以数计的作品和史料，是人类艺术的瑰宝。二十世纪初的工业革命引发了社会和科学的巨大发展与变革，随着现代派画家出现，越来越多的人开始寻求新的创作表现形式。写实性纯美术的地位受到前所未有的挑战。
1919年，格罗佩斯等人创办了德国魏玛“鲍豪斯”学院。鲍豪斯的教学体系提倡艺术和技术的统一，开创了现代工业设计教育方式，提出要打破艺术家和工匠之间的壁垒。鲍豪斯宣称：“建筑师、雕塑家、画家，我们都必须回到手工艺！所谓纯粹的艺术是不存在的，艺术家和工艺师没有本质的区别，艺术家是高超的手工艺师。”格罗佩斯指出：“艺术必须和民众形成统一，艺术不再是少数人赏心乐事，它会成为大众的喜悦和生命。”鲍豪斯所开始的新的视觉语言乃是建立一个作为现代工业化社会的视觉表现的新文化的统一体系，以实现文化的再度结合的目标。
鲍豪斯紧跟进代的发展，吸引了一批具有前卫思想的艺术家从事设计艺术教育，以至二十世纪最有影响的三位现代艺术家，除毕加索外，康定斯基和克利都曾长期在鲍豪斯任教，实际上，在这一时期毕加索也摈弃了他以往纯艺术的创作手法，在进行绘画与时空、绘画与雕塑、绘画与材料之间的艰苦探索，成功地创立了立体画派。鲍豪斯创立的现代设计把艺术从高高的画架上拿下来，融入到每一个人的生活。有的人可以终生不进美术馆，可以终生拒绝欣赏绘画和雕塑作品，但人们不可能拒绝使用现代艺术设计产品。原因是艺术放弃了“纯粹”，同技术、科学相结合，科学的理论，艺术的符号将由技术为媒介转为人类生活中须臾不可缺少之物，同时为人类的物质世界和精神世界服务。
在中国美术馆曾举办美国著名艺术家劳申佰的“波普”(POP)艺术展。英文的(POP)是大众(Popular)的意思，亦有流行的意思。当时的波普艺术展在中国观众中引起强烈的反响。它同我们以往见到的艺术展的区别实在太大了，以致有人弄不清波普艺术作品究竟是艺术还是垃圾。在相当一段时间里，生活和艺术是界限分明的，科学与艺术结合也是非常少的。现代派艺术家无论怎样激烈地反传统，但仍把艺术和生活分开，在艺术的象牙塔中苦心经营，绘画与其他姊妹艺术也很少发生联系，艺术家追求的是纯而又纯的绘画。波普艺术、现代艺术、现代设计艺术的出现，打破了这种格局。
近百年来，纷至沓来的重大发明令人目不暇接。照像术、数码摄影、以芯片技术支持的先进的艺术形式已大量涌现。一种新的绘画形式——电脑绘画在信息和网络时代出现。这种绘画形式同以往的个体的低效的纯艺术创作方式相比，很明显地占有群体性创作、高效和覆盖力高、影响大的优势。
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历来艺术被包裹在一层圣洁的光圈中，高高凌驾于普通生活之上，以往的文艺理论所罗列出来的种种艺术准则，如距离感、陌生化、典型化、理想化等，也无非在加深艺术与生活的鸿沟。目前，高雅的“阳春白雪”被和者众多的、通俗的“下里巴人”所融合。现代工业设计使艺术和商品融为一体，使我们几乎每时每刻都能够享受它。波普艺术和行为艺术的产生，现代设计对今天我们生活的无时无刻的“入侵”，使艺术和生活的界限模糊起来，从而使艺术不再只是艺术家们面对少数人欣赏的创作行为。
我国书法艺术走过了几千年的历程却随着现代的激光和数码印刷技术而极具规范化、多样化、信息快速传递化。在现代中国人的生活中已较少见到高雅但却晦涩难辨的篆书、草书。而在街头，超级市场到处可以见到用麦克笔(marker)书写的，所谓硬笔书法的标签、广告。我国书法家舒同右手骨折后，用左手书写的舒体，同王羲之、怀素等大师的纯正的草书、行书相比可能欠潇洒，但正因为它方正、规格、饱满、易于辨认而成为目前印刷字体中，几乎唯一以个人名字命名的行书字体。
时装艺术、环境艺术、橱窗装潢、包装装潢、霓虹艺术、光雕塑、水体雕塑、广告艺术、多媒体艺术都很难用“艺术”或“非艺术”来确切界定。一些画家在架上油画作品上贴照片、贴布头，做成肌理效果等新方法的尝试，这样的作品也很难判定为“准纯艺术”或“亚纯艺术”。
我们正处在一个“资讯爆炸”的时代，我们正处在IT时代。一台电脑数天的绘画可能比一个职业画家一生所作的绘画还多。当一个室内效果图喷绘高手还在审视自己完成的作品时，那边的电脑打印机可能已把数张准确、细腻动人的效果图打印出来了……
在时代高速发展的态势面前，美术院校是培养画几十年素描、几十年油画、一年甚至几年才完成一张作品的纯艺术家，还是较多地培养与时代的发展、人们的生活息息相关的设计艺术家，显然，后者更为迫切和需要。实际上，我们从中央美术学院大量增加设计系科，而清华大学美术学院并没有增设纯美术学科而察觉到，纯艺术至高无上的地位和价值正在动摇。
美术院校当然要施以美术的基础教育，学生要进行大量的速写、素描、色彩写生和练习，掌握扎实的造型能力和基本功。因此，以往的纯美术在设计艺术专业或院校里，作为造型的基础课程而存在。在今天的设计艺术院校里，传统的绘画和作图工具正在逐步减少和消失，取而代之的是电脑、网络和高效快捷的IT设备。我们只需要少数人在纯艺术的领域里，探索纯而又纯的艺术语言以及创作技巧，而大多数的人只需要掌握一定程度的艺术造型能力，并以此为基础，全面提高艺术修养，汲取广泛的相关学科知识，并最终成为设计艺术师或设计艺术家。
社会对于那些画了画或束之高阁、或待价而沽的纯艺术家的需求会减少，而对有崭新的艺术设计思维、富有创新理念，又具有扎实的造型基本功、新颖的科学技术设计思想的通才的需求会增多。市场需要人才的价值即为当前此类人才教育的价值。这样，“纯艺术”和“不纯的艺术”没有贵贱之分，开始了一个艺术领域中的纯艺术、艺术设计多元共生的时代进程，并且随着科学技术的不断发展，设计艺术和设计艺术教育将会有更广阔的前景。
参考文献：
[1]李一著《走向何处——后现代主义与当代绘画》，中国社会出版社。
[2]王受之著《世界现代设计史》，新世纪出版社。
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