时间：2023-09-12 17:01:34
绪论：在寻找写作灵感吗？爱发表网为您精选了8篇艺术的基本概念，愿这些内容能够启迪您的思维，激发您的创作热情，欢迎您的阅读与分享！
以西方艺术为基本模式的当代艺术已经全球化，过去十年世界各地的著名美术馆及重要的大型国际年度展，如威尼斯双年展、卡塞尔文献展以及亚洲的光州三年展、横滨三年展，正在普遍出现一种“高级的平庸”的当代艺术。二十年前，能够达到这种创作水平的艺术家还不是太多，现在每个洲、哪怕是在非洲，都能找出这样一大批艺术家：他们都非常熟悉观念艺术、波普艺术、新媒体艺术、贫穷艺术、新表现主义、抽象艺术的各种语言。近二十年大部分当代艺术的形式都是这些艺术形式的元素组合，看不出有任何创新之处。
当代艺术的产生，其出发点是对前代艺术的价值观和语言形式进行批判。现在大部分当代艺术的批判性已经消失，只剩F越来越“私人化”的自我表达，对社会、政治和公共性的批判越来越少，至多是一种中产阶级的无关痛瘁的讽刺。某种程度上，当代艺术成了一种有“前卫教养”的艺术，但是很难再找到梵高这样有宗教激情的艺术家，波伊斯这样具批判性的知识分子艺术家，或者培根这样有“肮脏”美学的艺术家。现在“肮脏”的美学也成了一种“新唯美主义”。当代艺术近二十年处于停滞状态和“平庸化”，其原因还是在于人类的社会模式及关于人的看法没有根本突破。
社会主义和资本主义的冲突已经告一段落。全球大部分国家采用了在资本主义经济模式上吸收社会主义的福利制度。关于社会模式近二十年没有提出新的观念，其核心是让“资本控制国家”，还是“国家控制资本”。中国也走到了这样一个十字路口，即如何使用资本主义又能控制资本主义，中产阶级社会变成人类的一个理想模式，但中产阶级文化没有变革的活力。
艺术的本质是关于人的基本概念，但人的基本概念在启蒙主义之后没有大的变化。西方社会近二十年对人的“概念”理解主要是在大众文化领域，如好莱坞半人半机器的“生化机械人”、半人半妖的“人魔”，它们并未像从启蒙主义到那样对“人”的解放有新的定义。马修・巴尼的“人魔”，还有《黑客帝国》，都不是社会解放意义上“人”的定义，而是集中在高科技以及人体基因等关于人的技术观念的一些变异特征。
在亚洲，“人”的概念正在走向一种极端虚无主义的、大都市社会的“私人”，如村上春树的小说、荒木经惟的摄影。这种“私文学”、“私摄影”，已经彻底抛弃了启蒙主义以来赋予“个人”的一切特征，比如历史意识、观念、社会责任、他人、知识分子的批判性、乌托邦及其创造性，人们只关心、表现自己亲身经历的事情，注重跟自己亲近过的一切事情。一切抽象的、乌托邦的、社会性的乃至间接的经验都不再被关心。
一、“留白”艺术的原则
1.求实原则。即具体概念或具体原理的讲授与复习，留不留“空白”，留下的“空白”是需要学生“悟”还是“记”，教师应从实际出发，具体问题具体分析，要摒弃生搬硬套的形式主义。
2.适度原则。提倡“留白”，讲究“留白”艺术，是为了更好地发挥学生的主体作用，提高课堂教学效率。“留白”艺术的运用，教师要遵循适度原则。如果一味“留白”，面对新知旧知，教师什么都不讲，什么都不说，甚至将整节课都交给学生“自由”支配，那是放任自流，违背了教与学的基本规律，并不是真正意义上的“留白”，更谈不上什么“留白”艺术。教师绝不可放弃自己的主导地位，该讲则讲，该空则空，讲空结合，这才是“留白”艺术的要义。
3.科学性原则。“留白”是一种教学方法，是一种教学手段。它还需在科学性原则指导下不断发展。教师在教学中应勇于探索、勇于创新：一方面要不断丰富“留白”的内容，提高“留白”的水平；另一方面还要拓宽自己的视野，探求更新、更好、更适应现代教育的教学方式。这样，“留白”艺术才能在思想政治课的教学中真正焕发出“此时无声胜有声”的魅力。
二、“留白”艺术的运用
1.在“留白”中“悟”。“悟”是领会，是理解，是温故知新，是由感知到思辨的升华。思想政治课内容理论性强，一些概念、原理十分抽象，单凭教师分析讲解显然不够，至于希望通过“讲得多、讲得细、讲得深”达到让学生透彻理解更是缘木求鱼。子曰：“学而不思则罔。”这个“思”，就是“悟”。如在新授概念时，教师应在点化学生之后让他们自己去“悟”。
2.在“留白”中“做”。学生“悟”的结果是知道，但知道的仅仅是理论，理论还要与实践相结合。这就要求学生去实践，去“做”。练习是检查学生理解广度和深度的重要手段，是比较重要的“做”。只“悟”不“做”，则学生对知识的掌握难以深化和巩固。教师应该精心设计一定量的选择题、思考题，让学生在练习中通过比较、辨别，加深对基本概念和基本原理的理解。有时还需要把课堂上的“留白”延伸到课后，要求学生走出校门，到农村、到工厂去调查研究，把理论运用于实践，在实践中检验理论。“做”是学习的根本，学生只有“做”得出色才算是真正领会，也才能把书本知识转化为能力。
3.在“留白”中“记”。“记”包括对旧知识的回忆和对新知识的记忆，它是学生巩固原有知识、提高对新知识理解能力的重要手段。理解了并不一定能够记住，但记住了却能进一步加深理解。诚然，死记硬背是学习思想品德课的大忌，但切不可因噎废食。重复是记忆的重要形式，然而教师的重复绝对不是学生的记忆。教师在每新授完一个基本概念或基本原理后，应给学生留出较短的时间，要求学生即时强化记忆，并当场抽查。有理解作为基础，再加上时间的限制，紧张气氛带来的压力，往往能使学生集中注意力，充分发挥其记忆能力。复习旧课时，教师应坚持“提问——记忆——回答”的原则，让学生或回忆概念，或归纳原理，或分析关系。在这个过程中，“记”是目的，其他是手段。课堂教学中，教师要尽可能地利用“留白”让学生记忆那些该记的内容，不要把“记”留到课后，这不仅仅是为了减轻学生的负担，更重要的是遵循教学规律，趁热打铁。
关键词：油画；具象；抽象；创作
油画，英文为“Anoilpainting；或Apaintinginoils”，发源于西方国家，前身是15世纪以前欧洲绘画中的“蛋彩画”，后经尼德兰画家扬•凡•艾克（JanVanEyck）改良起，直至清末以后，许多青年学子先后赴英、法、日等国学习西洋油画，归国后带来了西方及日本先进的教学方法及理念1，如林风眠、徐悲鸿、刘海粟等引进油画艺术画种，在中国大地上生根发芽，直到当下的茁壮成长。
一、油画的具象与抽象基本概念分析
具象，关于“具象”的解释，“具”是具体的、用具、量词、具有等。“具象”在《新华字典》解释为“具体，1.明确，不抽象，不笼统；2.特定的。”2《中华字典》解释为“具象‘具’多指抽象事物”。3《当代汉语词典》未作出详细的解释4，但能够领略到“具象”的具体意思。“具象”在英文翻译为“Concretization”，也作“具体化”的意思。抽象，关于“抽象”的解释，在《新华字典》解释为“1.从各种事物中抽取共同的本质特点成为概念；2.笼统，不具体”。5《中华字典》解释为“从事物中提取一部分”6其它未作出相应解释，与《新华字典》有同样的意思。《当代汉语词典》同样未作出专门解释，只有“语汇”单独列出7。“抽象”在英文翻译为“Abstract”，意为抽象的，理论上的，难解的，抽象派的，茫然的，抽象概念，抽象派艺术作品。因此，具象与抽象之间的是具有哲学美学的层面，具有极强的思辨性，起到辩证唯物主义的形而上学的高度。具象和抽象又是如何辩证的？我的理解是现实主义与抽象表现主义的博弈，本文详做论述。
二、油画具象与抽象之美
一般讲中西绘画艺术的核心就是中国是写意的，西方是科学的，也就是写实的。原因很复杂，简单从字面上理解，由于中西方文化底蕴的不同，思维思想的语境不同，导致在画种上有着深层的差异。如，中国传统书写、作画都是以毛笔为主，毛笔书写又是竖写，从上至下，从右至左的书写顺序，读书也是同样，几千年来一直占据着中国文化的核心部位；中国水墨艺术和中国文化都是写意的、写心的，抒发自我的艺术感受。再如，霍去病墓前的西汉雕塑，圆润恢弘的气势影响着美的思考和美术学的意义，影响着无数文人墨客的创作理念，同样感染者西方学者和西方的雕塑家。罗丹讲：“最好的雕塑是从山上滚到山下没有任何磕碰痕迹，那便是最好的雕塑。”8也许罗丹汲取了霍去病墓前雕塑的影响。在笔者看来，西方绘画则是科学的、逻辑性推理性极强的、有根据的，按照科学的精神进行的，如文艺复兴时期的油画艺术，都是按照科学的精神创作的，每幅画都是按照标准的构图法则进行的，如达芬奇的《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》和米开朗琪罗的《大卫》雕塑、西斯庭教堂壁画《创世纪》、拉斐尔的《圣母像》等等，中国的则不同。中国画构图是散点透视，西方油画则是焦点透视。这点在学术界是公认的。油画艺术具象与抽象之美，二者主要表现在具象与抽象之间。具象，一般是指现实主义；抽象，一般是指抽象表现主义。笔者以为抽象与具象是相对的，同理现实主义与抽象表现主义是相对的。其实二者有本质的不同。油画艺术的具象性也就是具有写实性的绘画艺术语言。如法国学院派古典主义著名画家安格尔（Ingres），他的作品可以称得上是古典主义最后一名伟大画家，具有超强的写实性，他的作品《泉》就是典型的案例。代表作品《泉》是安格尔追求古典美、纯洁美和理想美于一身的艺术体现，是安格尔将理想之美与现实之美浑然一体的产物。安格尔在艺术上重素描轻色彩的倾向，他认为素描应该是画面中的主题和灵魂。赋予作品精神，而色彩只是装饰和辅助。安格尔的素描注重素描整体效应，并不单纯拘泥于细致的局部描绘。在其《越吐秀夫人像》和《小孩和羊羔》中将细腻的笔触有致地刻画了出来，显得惟妙惟肖。9他的造型艺术之美和丰富的作品表现给后世留下丰富的文化遗产，影响着西方美术史的发展，具有重要的学术意义。第二次世界大战后，抽象表现主义逐渐展露手脚，在所有的艺术领域抽象表现主义风格占据了主要的艺术地位。他的产生使纽约逐渐取代巴黎成为世界艺术中心。至此，美国的艺术时代到来了。战争的爆发使纽约俽起超现实主义热潮。主要画家有马松、恩斯特、达利、安德烈•布雷东、马东等。在欧洲的超现实主义和由超现实主义变化而来的新一代美国画派之间搭起了桥梁。最早得到个性和特征性意象的抽象表象主义画家的是克利夫特•斯蒂尔。抽象表现主义者非常重视绘画的道德功底，这个时期的代表画家有哥特里伯、巴吉奥特、罗斯科、班纳特•纽曼等。他们的作品有很强的时代气息和艺术哲学思想，反映出艺术家创作的思潮与时代性倾向。抽象表现主义在某种意义上来说是一次强有效的艺术爆炸，这一点从汉斯•霍夫曼晚年的作品中看出来。10阿德•莱因哈特在《作为艺术的艺术》一文认为：“艺术的精湛、悟觉、和完善只有经过长期的努力、精心的准备和策划才能得到。”11深知艺术创造的艰辛与不易，油画艺术家以自身的油彩艺术为导向和自身的艺术实践为核心的创作理念，表达自己的内心艺术感悟在画面上表现的淋漓尽致，一切需要说的，需要表达的都在画中。因此，我以为艺术创作的表达是发至内心的，通过画笔、纸张、画布、油彩等之间的关系组合而成的一个综合体。油画艺术创作的思维与时代的大环境有着直接的关系，在时代的发展和政治之间的有着密切的关联。西方为主导的油画艺术创作在发展发生的过程中经历了一系列的“主义”，如样式主义、巴洛克主义、古典主义、浪漫主义、印象主义、新印象主义、象征主义、野兽派、表现主义、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义、构成主义、风格派、巴比松画派、学院派、波普艺术、偶发艺术、环境艺术、概念艺术等等。艺术的发展都有共同性，抽象——具象——抽象的变化过程，画家在创作的过程中基本是遵循这个规律。在西方美术史研究中，基本上绕不开这个规律。西方至有油彩开始，在木板上、油布上为作画的材料，画笔为画家作画的武器，画家是中央司令部，起到指导和发挥的作用。由写生到写意是一个发展的必然过程。这个规律在笔者的艺术实践中有很深的亲身体会，具有典型的艺术之美。
三、油画的具象与抽象在中国的语言转化
油画的具象与抽象在中国同时得到了发展，主要集中在画院和高等艺术院校，以及一些画家村中间。油画属于西画科，是舶来品，由徐悲鸿、林风眠等人引进，其实最早有传教士利玛窦、郎世宁等人在清代就引进，一开始在皇家宫殿进行画像，也有风景画的创作。徐悲鸿、林风眠将西画科的素描造型设置为学习绘画艺术的基本科目，一直延续至今。西方艺术造型是科学的，讲究构成关系，讲究色度的对比和几何关系，而中国画则是写意的、写心的，是抒发自身的内心世界的。其实二者也有自身的共同性，到了抽象表现主义时期的油画艺术则就是写意的也是写心的艺术，总之一切都没有离开的具体的“形”。“形”是绘画的基础，不管怎么变形都是以此来展开的。西方油画艺术传入中国，得到了中国画家特有的改良，但基本遵循西方绘画样式来创作的。其骨子里还是特有的中国心。那么怎么来转化内心的艺术创作之间的材料转换呢！需要我们深入思考。笔在在教学与艺术创作实践中都会考虑到“民族性”的问题，结合自身的油画创作实践中得到艺术感悟与读书所得的信息来论证油画艺术的抽象与具象的问题，值得我们思考。抽象与具象不是简单的学术概念，更是哲学美学的文化艺术范畴。西方油画艺术语言的中国化是必然的过程。笔者有深刻的体会，艺术院校的油画专业教学中基本都是中国化的油画教学，基本按照素描、色彩（水粉画）、速写来进行的初级阶段进教学，初级阶段完成后转入油画静物写生和人物写生，再到风景等画科，逐步形成一个综合体，自后要求画家形成自身的艺术风格，有自身的艺术感觉来寻找自身创作方向。中国油画就是这样的基本教学与创作过程。西方油画传入中国，再由中国画家来绘制就必然是中国画与中国化的形成过程，中国人骨子里就有一股写意的精神，因传统文化的深远影响而影响的。油画艺术具象与抽象也是相互转化的，相互影响的。
四、结语
综上所述，通过油画艺术的具象到抽象的基本概念的了解到论证，基本将抽象与具象得以区分，论证了油画艺术的具有与抽象的之美的基本过程，结合西方美术史料的引述论证油画艺术的中国化转变过程，油画艺术语言的表达是画家自身的艺术语言的构造和精心的艺术设计的过程。抽象与具象是对立的，是相互转化的过程，具象中有抽象，抽象中有具象，二者是辩证关系。因此笔者认为，具象与抽象是对立统一的哲学关系，放在当下也看，西画在中国生根发芽并得到了茁壮成长，是与大的美好环境是分不开的，说明艺术界需要油画，有需要就要接受的受众。给抽象油画与具象油画在市场环境下生存有了一席之地，受到藏家的重视。
注释：
1.一家之言，待商榷。据1911年西洋归国的周湘创办了中国第一所美术学校；1912年刘海粟创办上海图画学术院，并第一次起用人体模特写生，开创了人体写生课程的先例，国内产生很大的影响；1919年任教育总长的先生倡导开办了第一所国立美术学校——北京美术学校（校长林风眠）；1927年，中央大学开设艺术科（徐悲鸿任主任）；1928年杭州创办了第一所大学制的国立艺术院校——杭州艺专，即中央美术学院华东分院，后改为浙江美术学院，今天的中国美术学院（林风眠任院长）等。
2.商务印书馆编：《新华字典》，北京：商务印书馆出版，1998年版，第253页。
3.教育部语言文字应用研究所、中华书局编：《中华字典》，北京：中华书局出版，1999年版，第253页。
4.参见莫衡等主编：《当代汉语词典》，上海：上海辞书出版社，2000年10月版，第254页。
5.商务印书馆编：《新华字典》，北京：商务印书馆出版，1998年版，第63页。
6.教育部语言文字应用研究所、中华书局编：《中华字典》，北京：中华书局出版，1999年版，第63页。
7.参见莫衡等主编：《当代汉语词典》，上海：上海辞书出版社，2000年10月版，第136页。
8.奥古斯特•罗丹著：《罗丹艺术论》，葛赛尔编、沈宝基译，桂林：广西师范大学出版社，2002年版。
9.许洪彬：《安格尔绘画艺术有何成就？》，载陈郎主编《世界艺术三百题》，上海：上海古籍出版社，2000年版，第129页。
10.蔺海莹：《什么是抽象表现主义？》，载陈郎主编《世界艺术三百题》，上海：上海古籍出版社，2000年版，第49页。
关键词：感受 雕塑创作 语言特性 情感
任何一种艺术形式，只有融入了情感，才能具有震撼人心的力量。雕塑艺术是一个古老的艺术门类，发展至今，已经经历了漫长的岁月，几多春秋。本文从雕塑艺术实践者的角度出发，来谈艺术家创作雕塑艺术的根本——雕塑语言及感受。
一 雕塑的语言
何谓雕塑语言？雕塑语言是一种视觉艺术语言，是雕塑家长期的艺术实践形成的，虽因人而异，又有着明显的共性。由于雕塑艺术是三维空间里的造型艺术，其基本概念是“雕，刻，塑三种制作方法的总称，以各种可塑的（如粘土、油腻、面粉）或可雕刻的（如各种石料、木料等）材料，制作出各种具有实在体积的形象”。在雕塑这个艺术领域里，雕塑语言自古以来都要强调空间和体积的概念。雕塑家创作雕塑的过程就是选择某一种或多种雕塑材料，制造出占据一定空间的形体，并加以艺术的感受和表现，以达到所想得到的艺术效果。在雕塑家不断的创作实践中，对雕塑材料的性质越来越熟悉，选择雕塑所擅长表现的物象进行表现，所采用的手法和技巧一代代地相传下来，由此形成了一整套、一系列的雕塑家所特有的“习惯性动作”。这其中包涵了观察方法、表现形式、表现手法等等。比如，雕塑家观察物象时总要争取能够兼顾几个面，进行多角度的观察；为了增强其作品的体量感，强调其造型的整体性，在雕刻作品时大刀阔斧；在塑造形体时让轮廓尽可能变得清晰，在空间中借助形体来勾勒出概括凝练的线条，使得雕塑作品的各个块面的关系肯定而有张力，在各个角度观看都可以让雕塑作品的空间得到最大程度的伸展；将雕塑的材质和肌理充分的表现，让雕塑变得更有触感……这些“习惯性动作”都是基于雕塑艺术自身的性质形成的，从属于雕塑艺术的基本概念，是最原本的雕塑语言。
二 雕塑语言及感受对雕塑创作的重要性
雕塑语言及感受对于雕塑创作来说是最原始、最根本的。一件雕塑、一件艺术作品，外在形式固然很重要，但能打动人的是它的精神内涵。也就是说，如何在内在的精神的层面进行更深的理解是摆在每一位雕塑家面前的重要课题。在大学期间的泥塑写生中，我们不可回避的一个重要问题就是——雕塑语言。雕塑作为一门特殊的艺术形式，通过材质、肌理、颜色以及造型、塑造手法等因素，在三维空间中以形象表现情感，以有限表现无限。在对形体的认识过程中，对“形体”的感受为前提，赋予形体含义和想象为过程，才能在雕塑作品里得以继续延伸。“艺术来源于生活”，即是说艺术创作是在艺术家们认识自然、感受自然的基础上，将个人情感，思想感受通过一定的形式和内容给予流露。因此，准确地说，艺术是“来源于艺术家对生活的认识和理解”。“感受”是艺术的生命所在，用情感的感受去唤起审美主题的思想共鸣，使人心灵激荡，从中获得审美感受。
[关键词]大学生 艺术素养 理论研究
[作者简介]薛莉（1977- ），女，河南南阳人，华东交通大学艺术学院，副教授，研究方向为艺术教育理论与实践研究。（江西 南昌 330013）
[课题项目]本文系2007年度江西省教育科学十一五规划课题“理工科院校学生艺术素养培养体系的研究”的研究成果之一。（项目编号：07YB082）
[中图分类号]G642 [文献标识码]A [文章编号]1004-3985（2013）11-0183-03
现阶段，我国教育正在由精英高等教育向大众化高等教育过渡。在我国构建和谐社会和教育大众化的背景下，培养人全面和谐的发展是高等教育改革的方向。德智体美四种基本素质是人全面发展的基本基础。在人的四个基本素质中，艺术素养是人类生活的调和剂。人们追求愉快幸福的生活，仅有物质财富是不够的，还需要发现美、认识美、欣赏美的能力和素质，只有提高审美素质才能提升主观幸福感，提高生活层次。一个人在生活中，艺术素质不健全，不懂得艺术享受，不善于感受美好的自然世界、人文景观，就不会获得真正的幸福。马克思曾说过，人类社会的所有进步都是追求美的结果。因此，加强大学生艺术素养培养有着重要的教育意义。然而长期以来，关于艺术素养基本理论问题的认识仍存在很多争议，对艺术素养概念、分类的理解和表述过于泛化和模糊，使得教学实践中对学生艺术素养培养目标的制定及培养效果的评价变得模糊不清。本文对艺术素养与科学素养之间的关系、艺术素养的基本概念和构成要素等一些基本的理论问题进行了研究。
一、艺术素养和科学素养的关系
艺术与科学是人类文明发展的两翼。在人类的社会发展史中，许多科学发明都从艺术的灵感和想象中受益，历代艺术从当时的科技发明和生产力发展中得到支持和启发。艺术的感受、想象、创造等能力已成为现代社会需要的综合型人才所不可缺少的素质，成为人才培养中不可分割的组成部分。艺术素养极大地丰富了人们的想象力、创造能力和审美能力，对学生的科学素养带来有益的补充。科学和艺术的结合是提高大学生尤其是理工科院校学生人才培养质量，促进人才可持续发展的重要因素。
我国著名科学家钱学森曾对科学与艺术相结合的思维过程进行过具体而精彩的分析：“从思维角度看，科学工作总是从一个个猜想开始的，然后才是科学的论证，换句话说，科学工作源于形象思维，终于逻辑思维，形象思维源于艺术，所以科学工作者是先艺术而后才是科学。”德国古典美学家席勒认为：“通过美把感性的人引向形式和思维，通过美使精神的人回到素材和感性的世界。”艺术素养与科学素养的结合使人处于感性与理性、物质与精神相统一的自由境界中，使人成为协调发展的自由个体。
二、艺术素养概念的界定
艺术素养作为文化素养的重要组成，是探讨大学生艺术素养培养问题的逻辑起点。关于艺术素养基本理论问题的认识仍存在很多争议，对艺术素养概念、分类的理解和表述过于泛化和模糊，使得教学实践中对学生艺术素养培养目标的制定及培养效果的评价变得模糊不清。本课题运用逻辑学中下定义的基本理论，结合艺术教育的特点，对艺术素养的内涵和构成要素进行了分析和讨论。
传统逻辑认为定义是揭示概念所反映的事物本质的较为简短而明确的命题，“概念=概念所归的属+种差”。所谓种差是属下面一个种不同于其他种的特征。传统逻辑认为，属加上种差，构成事物的特有属性（本质属性或固有属性）。艺术素养概念中，素养是概念的属，艺术的本质是种差。因此，要想了解艺术素养的本质，既要了解艺术素养这一概念所归的属，又要对概念的种差及艺术教育的本质进行挖掘。长期以来，人们在使用素质和素养两个概念时经常相互替代，交叉使用。从词源学角度看，在整体意义上，人的素质包含着素养，素养只是素质的一部分，二者之间的主要不同就在于“素质”侧重于结果的表达，“素养”侧重于过程的表述。
纵观关于素质概念的研究，有的学者把人的素质看作是人在自身发展过程中所形成的本质属性，认为“素质”就是指“人或事物在某些方面的本来特点和固有基础”；有的认为人的素质是能力发展的必要的物质基础，“所谓素质可以概括地表述为：个体得自遗传的智能和气质乃是素质得以形成的出发点，从外界输入的直接体验与间接经验是素质发展不可或缺的诱因和材料。在主体对外部材料进行加工的过程中逐渐确立认知结构，情感结构和行为模式，最终内化为以能力与价值观为核心的个体素质，它与个体的人格特性融成一个统一体。人体对特定事物所持的态度和处理特定问题时对知识和技能的运用，便是素质的外化形式”；有的认为素质是人的自然属性和社会属性的统一，“以人的先天生理特点为基础，在后天环境和教育影响下形成并发展起来的生理和心理方面稳定而巩固的属性”；有的从素质的形成途径对素质的概念进行了界定，“人的素质是指以人的先天的生理和心理的自然物质为基础，通过社会环境影响，教育学习，以及社会实践而形成的巩固的属性”。通过已有的研究成果可以看出，大部分学者都认为先天遗传条件是素质形成的基础，个体接受的教育和社会化是素质形成的途径，稳定性是素质的特点。我们认为，素养是指个体先天所具备的各种潜质，通过社会环境和教育在社会实践中所表现出来的较为稳定的人格特征。
“艺术”是一个集合性的概念，是对所有具体艺术门类或所有的艺术作品的一种抽象，其内涵始终具有不确定性。美学家W.肯尼克曾自我解嘲般地说：“当没有人问艺术是什么时，我倒清楚艺术是什么，只是当别人问我艺术是什么时，我则答不出来。”美学大师朱光潜先生提到艺术提到美的概念时，说了众所周知的名言“慢慢走，欣赏啊”。本课题在考察艺术概念的形成的历史后，根据研究需要，认为艺术素养是指个体先天所具备的艺术天赋，通过社会环境和美的艺术教育在社会实践中所表现出来的较为稳定的欣赏美、创造美的特征。
三、大学生艺术素养的构成
明确艺术素养的构成要素及其结构关系，深入理解和把握艺术素养结构各要素之间的层次性和依存性，对制定艺术素养培养目标，建构艺术素养培养体系有着重要的价值。艺术家的创作是把对社会生活的审美感受和自我的审美理想融注于艺术形象中，然后物化成艺术作品的过程。人们通过对艺术作品的感知、欣赏、领悟，来满足自己的审美需求，积累审美经验，并在自己的社会实践中实现审美价值。因此，艺术教育的根本目的在于普及艺术的基本知识，健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力，培养美好、和谐的情感心灵，从而实现完美人格的建构。基于此，笔者认为艺术素养应包括艺术知识技能素养、艺术审美能力素养、艺术审美情感素养、艺术审美创造素养、艺术审美道德素养等。
1.艺术知识技能素养。艺术知识技能素养是指个体对艺术的基本知识和基本技能的了解和掌握，包括对艺术起源与发展的历史、艺术的分类方法、东西方艺术的流派等基本理论知识的了解，以及对艺术基本的表现要素与基本技能的掌握。对艺术知识技能的学习，可以增强学生对艺术的宏观认识，帮助他们在种类繁多的艺术形式面前进行认识比较，明确个体的爱好与艺术风格的取向。
2.艺术审美能力素养。艺术审美能力素养是指对艺术作品进行感知、分析、批判、评价解读中所展现的综合素质。艺术审美能力素养的培养不仅要依托艺术知识技能的学习，更要在具体的艺术欣赏过程中不断锤炼提升。
3.艺术审美情感素养。艺术审美情感素养侧重主体在审美过程中的情感体验，是个体面对审美对象时的情绪表达。艺术并非纯粹的物质存在，而是承载了丰富情感精神产品。欣赏者在欣赏过程中会感受到欢乐、悲伤、宁静、激昂、甜蜜、苦涩等不同的情绪和情感。艺术审美情感素养的培养，能使大学生对艺术作品展开想象，通过体验艺术作品中的情感表达，享受欣赏艺术作品所带来的乐趣，帮助大学生学习正确的表达自我的情感，以适当的方式释放自我情绪，健康快乐的成长和生活。
4.艺术审美创造素养。艺术审美创造素养是指能够运用已掌握的艺术知识，依据自身的鉴赏能力和审美经验，表现出具有一定美感的社会实践能力。艺术审美创造素养可以分为思维和实践两个层面。思维的层面，艺术可以使学生以更感性、更活跃的思维去思考问题，探索问题的无限可能性。爱斯坦曾深有感触地指出：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。严格地说，想象力是科学研究中的实在因素。”实践层面，艺术实践是学生艺术参与从艺术欣赏的旁观者到艺术实践的主动创造，有主动的优势。艺术实践活动本身是一种容易产生灵感火花的教育环节，学生在艺术活动参与中思维的激荡运转，往往会迸发出无限的创造性，并随之体现在实践活动中，完成艺术审美创造培养的过程。
5.艺术审美道德素养。艺术审美道德素养是指艺术审美在精神层面的升华与体现。艺术不仅表现美、同时也表现真与善，善往往被赋予美的形式，美又因有善的充斥而更富人性的光彩。这里所讲的艺术道德素养，并非强调艺术的“辅德”功能，把艺术当成德育的媒介和益智的手段，将其“非艺术化”和“德育化”，而是在强调艺术和道德在精神层面的融合，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位。艺术素养和道德素养都是为了塑造学生健全和完善的人格，在审美教育中净化心灵。
四、艺术素养培养实践探索
1.开设公共艺术课程，丰富艺术知识，提升艺术审美能力，培养艺术情感。公共艺术课程是高校进行艺术素养教育的主要形式，偏重于艺术素养基本理论和技能的系统学习。高校通常以公选课的形式，为学生提供多门公共艺术课程，如“美术鉴赏”“影视评论”“古典美学”“现代流行音乐理论与实践”等。学生通过观看绘画图片或聆听音乐录音等直观的形式，结合教师理论讲解，在较短的时间里掌握大量的艺术知识，提高审美能力，丰富艺术情感。
2.引高雅艺术进校园，使学生走近艺术大师，感受艺术经典，陶冶情操，提高艺术修养。2005年以来，我国实施高雅艺术进校园活动，组织国家级艺术院团和优秀地方艺术院团赴高校演出，这给大学生直接欣赏高水准艺术作品，参与高层次艺术活动提供了机会。大学生在欣赏艺术作品和节目的同时，开阔了眼界，加深了对艺术形式与内容的直观感受，体会了艺术之美的震撼，艺术素养的理论知识得以印证和体验。
3.组织大学生参加各种级别的艺术展演活动，为学生搭建艺术实践平台，提供艺术实践机会。全国大学生艺术展演是高校规模最大、级别最高、参与人数最多的艺术文化活动，每三年举办一届，展示了我国高等学校艺术教育的成果和大学生朝气蓬勃的青春风貌。为配合这一活动，各高校开展内容丰富、形式多样的艺术比赛，评选本校优秀艺术表演节目和艺术作品，艺术表演类包括声乐、器乐、舞蹈、戏剧；艺术作品类包括绘画、书法（篆刻）、摄影、工艺设计、DV作品。另外，每年省级文化厅与文联、美协、音协等主办的艺术活动，多以作品展览、表演比赛为形式，如江西省第×届青年素描展，江西省第×届数字动漫大赛等，比赛在参与者中非艺术专业的学生占有一部分比例，是大学生进行艺术实践的一个平台。
4.以校园文化建设为龙头，以校团委和学生社团为支柱，举办各种艺术文化活动。为加强校园文化建设，创建美好的校园人文环境，校团委及各院系纷纷举办多种多样的文化活动，艺术文化活动是文化活动的主要形式。校园艺术活动，贴近学生生活，激发他们对真、善、美艺术的追求。
以华东交通大学为例，每年举办一系列校园艺术文化活动，如校园歌手大奖赛、中国书画大赛、网页设计大赛、心理剧大赛等。其中有特色的艺术活动之一是外语学院的教师根据本专业的特点，组织本院学生举行的英文歌曲比赛，从2003年举办第一届开始已经有9年历程，经过多年的经验积累，不断进取，在2011年江西省高校校园文化建设优秀成果评选中获一等奖，这是对艺术与外语专业成功接合实验成果的肯定，验证了艺术让学习更快乐。
再如，每年一度的校园心理剧大赛，由校团委和校心理咨询中心主办，2011年11月举行的第九届校园心理剧大赛，全校有14个学院参与，前后历时一个多月，创作剧本近两百个，直接或间接上台表演人数近5000人，直接辐射和影响在校2万多名师生。活动中，无论剧本的构思创作，演员的选拔与角色安排，道具的设计制作，演员服饰与化妆的设计，还是剧情的设计与排练等都由学生自主解决，自主性和创造性最大限度地得到发挥。心理剧剧本的创作往往充斥着大学生的道德标准和道德评判，是他们对真、善、美的认知和评价，体现着他们的艺术审美道德素养；服装、道具和化妆的设计是学生对艺术知识技能素养的运用和艺术审美创造素养的有效释放，他们有着艺术创造的热情和丰富的想象力，艺术的魅力在他们心中播下的星星之火，激发他们的艺术创造力；从排练到正式的演出比赛，学生一次次体验着角色的心理历程，整个剧情的发展与冲突，表演过程展示出学生们的艺术审美能力素养和艺术审美情感素养。
关于艺术素养基本理论问题的探讨，是一个复杂的科研命题；大学生艺术素养的培养，更是一个庞大复杂的系统工程。本研究也是沧海一粟，希望更多的专家学者参与探讨艺术素养及其培养问题，携手并肩，共同丰富和完善艺术素养理论。
[参考文献]
[1]赵鑫珊.科学艺术哲学断想[M].上海：文汇出版社，2005.
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[4]洪宝书.教育本质与规律[M].成都：成都科技大学出版社，1992.
[5]张志海，李西云.人的素质论略[J].陕西教育学院学报，2000（1）.
插画艺术的概念探究
插画艺术的产生历史和发展历程悠久而复杂，因而插画的表现形态多种多样，种类繁
多。首先，笔者将首先浅要的说明插画的基本内涵和主要类别以及它的主要特性。
1.插画和插花艺术
通常意义上的插画是指以报刊或书籍为载体、以创作者的设计理念为核心、以文字的表达内容为依据、以版面的排列为引导的一种插入式图画。
随着应用范围和领域的扩大，插画的载体不再局限于书籍和报刊，还包括了餐饮用具、服装服饰、家居建材、广告杂志等，渗入到人们衣食住行的各个方面，成为了人们生产和生活不可或缺的一个元素。由此，插画从一种单一的视觉图案发展成一门具有商务导向的艺术形态。
2.插画艺术的类别探究
从插画艺术的形成时间来看，插画艺术可以划分为：古代插画艺术、近代插画艺术和现代插画艺术。本文所要谈到的是现代插画艺术。
从插画艺术的应用领域来看，插花艺术可以划分为：文学类插画艺术、影视类插画艺术、商务类插画艺术和公共类插画艺术。本文所要谈到的是商务类插画艺术。
3.插画艺术的性质探究
插画艺术作为一种意识形态，其来源是人们长久以来的生活活动和生产活动，因而插画艺术具有历史性、意识性和实践性。
插画艺术作为一种发展历史悠久、应用范围广阔的艺术形态，具有经验性、实用性、传播性、经验性、主观性、商业性和全球性。
平面设计的概念探究
同插画艺术一样，平面设计也是视觉传达艺术的一种，这也是两者的交织点，都是为
了构建出更完美的视觉传播效果而衍生的一门艺术形态。在用途上，平面设计主要用途由=有纸质媒介、互联网络、广告标识等，具有浓烈的商业色彩和商业导向。
综上所述，平面设计是以二维平面为主要载体，依据设计者的主管意识将包括插画在内的多种视觉表现元素整合在一起进行编排设计，吸引受众的关注，使受众最终产生购买欲望和行动的视觉艺术形态。
本文主要论述的内容是插画艺术在平面设计中的应用，故此不占用更多的篇幅来论述平面设计的相关概念。
在平面设计中应用插画艺术的问题探究
在当今的平面设计中，插画艺术的应用还存在着或多或少的问题，使得平面设计没能
达到应有的视觉效果，甚至还起到了相当严重的反作用。
其一，平面设计者所应用的插画过于老旧，与时代脱节，陈腐气息浓重，这很容易使得受众对整个广告文案丧失继续阅读的兴趣，甚至造成受众对平面设计所宣传的产品产生反感。这就要求平面设计者使用时鲜的、贴近当下人民生活的插画，使整个平面设计更接地气，更容易引发受众的兴趣。
其二，平面设计者所应用的插画过于抽象，或者与文字没有关联，使受众很难获得想要在广告设计中想要获得的信息，这就使得整个广告文案过于文字化，丧失了插画原有的辅助功能。
其三，平面设计者所应用的插画内容过于低俗，更有甚者存在黄色、暴力等元素，直接违背了国家的法律法规。无论是平面设计还是插画艺术，都具有传播功能和社会影响力，因而也承担的着重要的道德责任和法律责任。有些平面设计片面的追求流浪量，使用低俗的插画，这不仅会拉低了整个平面设计的档次，影响所宣传的产品形象，更在社会上引起不良的思想影响，同时也践越了国家的法律法规，需要承担严重的法律责任。这就要求平面设计者在应用插画的过程中始终警醒自己，提高法律意识，坚决不使用任何违背法律规定和道德约束的插画。
其四，平面设计者所应用的插画存在着排版发面的的问题。有的平面设计，插画的位置过于隐蔽，使得插画丧失了存在的作用；也有的插画，被置于过于显要的位置，掩盖了文字的存在感，使得平面设计成为“大图贴”。这就要求平面设计者要合理的排版布局，注意整个设计美观的同时，处理好图文相辅相成的关系。
关键词 动画专业 课程设计 教育现状
1动画专业的来源的发展
在19世纪的时候，人们开始研究动画学术进行研究，在研究后发现，动画学术系统中融会了科学技术和不同的文化思想。动画的学术系统包括了理论系统和学科系统。动画理论系统在逐渐发展的过程中，成为了电影理论系统中的一部分，利用动画艺术的特色展示出电影的艺术。我国高校动画专业中研究的内容主要是针对动画学科系统，希望能够有所贡献。
动画专业是一门综合性非常强的艺术学科，包含了漫画、文学意识、音乐、摄影等等很多方面。动画的学科系统包含很多内容，比如：动画艺术专业、动画影视专业、动画美学专业等等。
在全球来看，动画行业发展的历史只有一百多年，非常短。最早动画教育是欧美的动画公司做的内部培训，随着社会的发展，动画行业得到了快速的发展，一些艺术院校将动画教育引入了学校，在学校开设动画专业。
2动画专业的课程设置
艺术院校开设动画专业最主要的目的就是培养动画专业的综合型人才。为了实现这一目标，我国高校针对动画专业的特点进行了深入的研究后，设置了动画专业的课程。我国对动画行业给予了大力的支持，对动画专业给予了高度的重视，促使了高校动画专业课程逐步完善。当前，我国高校动画专业课程主要分为以下几个方面：
2.1基础理论的课程
动画基础理论教育课程主要是培养学生的基本素质课程。在课程中，通过不断学习，开拓自己的视野，增加自己的知识背景，从而提高自身的文化修养。高校教育和职业教育有所不同，不能将高校教育简单的说是职业技能教育，高校教育更加注重文化素质和专业素质。因此，要想在动画行业有所发展，必须先注重动画基础理论课程。动画基础理论课程中涵盖了艺术的基本概念、传播学的基本概念、戏剧设计的基本概念、中西文化的历史、文学理论等等。在高校教育中，教师只是起到抛砖引玉的作用，给学生传授一些基本的课程，同时，向学生推荐各种书籍或者学习途径，让学生能够进行自我管理，提升自我的空间。
2.2专业理论的课程
动画专业理论教育课程是按照动画专业自身的特点设置的必修课程，引导学生走入这门学科的基本工具。专业理论课程涵盖了动画基本理论、中外动画历史和经典动画作品鉴赏。动画基本理论指的是动画专业的基本常识、动画行业的发展历程等等；中外动画历史指的是不同国家、不同风格的发展历史；经典动画作品鉴赏是将理论和实践相互结合的课程，展示出作者的艺术风格，帮助学生进行进行整体分析和解读，提高学生以后创作的实力。
2.3专业基础的课程
动画专业基础课程主要学习动画专业的基本技能。目前，我国高校动画专业教育课程主要包括设计素描、动画速写、影视剧作等等。这部分课程要以实践为主，教师帮助学生掌握基本的美术功底和动画专业能力。这些能力的训练是为选择动画专业未来从事的发现。针对设计素描和速写方面，学生不仅要掌握最基本的结构联系，也可以进行自我提升，尝试利用夸张的手法进行创意性练习。
2.4专业技能的课程
专业技能的课程主要涵盖了三个方面，分别为专业技能、设计原理和创造方法。专业技能主要指的是插画设计、绘画技巧等等；设计原理指的是针对动画图像进行的整体构造、原理的设计等等；创作方法指的是对剧本进行的设计。
一个好的动画作品呈现出来需要不同的人进行分工合作，动画作品的创作不是个人的产物，是团队齐心协力的产物。在教授的过程中，学生能够对自己专业有明确的认知，以及未来从事工作的方向。
3我国高校动画专业教育的现状
动画行业成为了21世纪的朝阳行业，受到了国家大力的扶持，高校动画教育也得到了大力的发展。虽然动画专业的发展趋势非常好，但是还存在着很多的问题。
3.1高校动画专业盲目开设和扩招
当前，我国动画专业非常的火爆，很多学校都在开设了动画专业，但是，很多高校不具备开展开设动画专业的能力。动画专业是一门综合能力非常强的专业，需要非常系统和正规的学习。高校这样盲目的开设动画专业，不仅没有培养专业的人才，还会造成很多动漫专业的毕业生无法找到工作，造成社会动荡的隐患。高校动画专业盲目的进行扩招，造成学校师资力量的浪费。因此，高校根据自身的师资情况，严格按照规定，招收学生，建立科学合理的教育体系，创建自身的品牌。
3.2高校动画专业学生的定位
高校动画专业应该是培养动画艺术家的摇篮，动画专业的学生是实用性人才。由于社会市场经济的快速发展，传统的教学模式存在着很多的弊端。很多院校误认为，高校就是做学术研究，但是动画专业恰恰相反，需要培养实用性人才，纸上谈兵的学生无法适应社会需求。动画专业是技术和艺术的结合，两者需要相辅相成。因此，我国高校应该与世界接轨，着重国家产业结构的发展，培养具有创新力、竞争力的综合型实用人才。
4结语
由于我国动画行业正在迅速崛起，高校越来越重视动画教育。学校可以鼓励教师和学生继续攻读更高的学位，可以去到国外留学深造，提升自我。有实力的高校可以和国内知名的动画企业进行合作，进行活动交流，借鉴一些成熟的经验，促进国内动画产业的发展。只要我国动画人保持着持续学习的心态，与时俱进，大胆创新，必将开创出新一代动画历史。
参考文献
一、“布白”的意义和作用
（一）充分发挥学生的主体作用。
“布白”艺术的主旨在于留给学生相当的时间，由学生自己对学习内容进行解析、消化，使学生由被动接受变为主动思考。这将激发每个学生分析问题和解决问题的热情，使之真正成为课堂的主人。
（二）逐步提高学生的学习能力和素质。
“布白”艺术要求教师放弃“满堂灌”“填鸭式”的传统教学方法，彻底克服教者“包办代替”、学者“生吞活剥”的现象。教师将由演员变成导演，学生则由台下的观众变成领衔主演。在“布白”中，学生在教师的指点下，按照自己的思路来解析概念、归纳原理，根据自己的特长来确定掌握内容的具体方式，从而培养学生的思考能力、应用能力和自学能力，提高学生学习的主动性和自觉性。
（三）调动学生学习的兴趣和积极性。
“布白”艺术的特点是：教师指导，学生操作。在“布白”中，学生既要动脑又要动手，或“悟”，或“做”，或“记”，灵活多样的学习方法必将诱发学生的学习灵感，不同思维特点的学生皆可找到用武之处，从而增强教学过程的趣味和学生学习的信心。
（四）大幅度提高课堂教学效率。
运用“布白”艺术，教师的主导作用和学生的主体作用都能得到比较充分的发挥。一方面，教师必须于课前对课堂教学作精心的研究和策划，科学地组织教学内容和教学过程，每道题、每句话都应充分准备。另一方面，学生必须积极参与，充分发挥主观能动性。在“布白”中，教与学得到有机统一，学生对学习内容的认知和掌握程度必然会有较大的提高，达到事半功倍的效果。
二、“布白”的运用和操作
（一）在“布白”中“悟”。
“悟”是领会，是理解，是温故知新，是由感知到思辨的升华。思想政治课的内容理论性强，一些概念、原理十分抽象，单凭教师分析讲解显然不够，至于希望通过“讲得多、讲得细、讲得深”达到学生的透彻把握更是缘木求鱼。孔子说，“学而不思则罔”。这个“思”，就是“悟”。
在新授概念时，教师应在点化之后让学生自己去“悟”。譬如物质概念中的“客观实在”，教师应该告诉学生，所谓“客观实在”，就是“不依人的意识为转移”，所谓“不依人的意识为转移”，就是“无论你看得见看不见，摸得着摸不着，相信不相信，承认不承认，它都实实在在地存在着”，然后就留足学生思考的时间。
教师要指导学生由论据“悟”论点，由论点“悟”论据；由理论“悟”实践，由实践“悟”理论；由世界观“悟”方法论，由方法论“悟”世界观。只有这样，才能弄清原理的来龙去脉，把握它的深刻内涵。“悟”是抽象思维的过程，要求开动脑筋，展开思考，由此及彼，由表及里。在这里没有任何捷径可走，教师的越俎代庖只会使学生徘徊于思维的迷宫而达不到真理的顶峰。
（二）在“布白”中“做”。
“悟”的结果是懂，但懂的仅仅是理论。理论还要与实践相结合，这就要求学生去实践，去“做”。常言道，听一百次不如做一次，“做”能出真知。理论联系实际是思想政治课最基本的学习方法，“做”也就理应成为学生学习的主要手段。
讲授新知识前，教师应该指导学生预习，让学生初步了解新内容，特别是要让学生发现自己理解的“难点”。这样，学生带着问题听课，有备而来，目的和重点自然明确。
课堂内容的总结和原理的归纳，也应让学生自己进行。教师的责任只在引导学生得出全面而准确的结论，不应把现成的结论强加给学生让他去死记硬背。
练习是检查理解广度和深度的工具，是比较重要的“做”。只“悟”不“练”，对知识的掌握难以全面、深化和巩固。教师应该精心设计一定量的选择题、思考题，让学生于练习中发现知识点的误区，通过比较、辨别，加深对基本概念和基本原理的理解。
有时还需要把课堂上的“布白”延伸到课后，要求学生走出校门，到农村、到工厂去调查研究，把理论用于实践，在实践中检验理论。“做”是学习的根本，是学习的捷径，只有“做”得出色才算是真正领会，才能把书本内容变为自己的知识。 转贴于
（三）在“布白”中“记”。
“悟”了、“做”了好“记”，“记”了更好“悟”，也更好“做”。“记”是对旧知的回忆和对新知的记忆，既是巩固又是提高。理解了并不一定能够记住，记住了才能进一步加深理解。与学生交谈常常会有这样的对话：这个原理你懂了吗？懂了。这个原理的内容是什么？记不得了。既然记不得，又怎能说是懂了呢！诚然，死记硬背是学习思想政治课的大忌，但切不可因噎废食。
重复是记忆的重要形式，然而教师的重复绝对不是学生的记忆。每新授完一个基本概念或基本原理，应要求学生即时强化记忆。给定较短的时间，明确具体的内容，当场抽查。有理解作基础，加上时间的限制、气氛的压力，往往能集中学生的注意力，充分发挥其记忆能力。
复习旧课时，教师更应坚持“提问——记忆——回答”的原则，或回忆概念，或归纳原理，或比较关系，都要让学生先作准备、先“记”。在这个过程中，“记”是目的，其他是手段。
课堂教学要尽可能地利用空白让学生记忆那些该记的内容，不要把“记”留到课后，这不仅仅是为了减轻学生的负担，更重要的是遵循教学规律，趁热打铁。
三、“布白”应坚持的原则
（一）求实原则。
具体概念或具体原理的新授与复习，留不留“空白”，留下的“空白”是“悟”，是“做”，还是“记”，没有固定的模式，应从实际出发，具体问题具体分析，反对生搬硬套的形式主义。
（二）适度原则。
提倡“布白”，讲究“布白”艺术，是为了更好地发挥学生的主体作用，提高课堂效率，适应素质教育的需要。“布白”艺术依赖于教师的指导，没有导演的高屋建瓴，就不可能有演员的精彩表演。如果一味“布白”，面对新知旧知，教师什么都不讲，什么都不说，甚至将整节课都交给学生“自由”支配，则是放任自流，违背教与学的基本规律。那不是真正意义上的“布白”，更谈不上什么“布白艺术”。教师绝不可放弃自己的主导地位，该讲则讲，该布则布，讲布结合，这才是“布白”艺术的要义。
（三）科学性原则。
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