时间：2023-08-28 09:22:27
绪论：在寻找写作灵感吗？爱发表网为您精选了8篇艺术作品的审美特征，愿这些内容能够启迪您的思维，激发您的创作热情，欢迎您的阅读与分享！
（一）数字媒体艺术的审美体验更加大众化
在传统艺术创作中，创作者主要是具有一定艺术水准的专业人士，这些文化水平较高的创作者给普通民众带来一种神秘感和距离感，传统艺术作品不够贴近普通民众的生活，给普通民众传达了一种只有欣赏水平高的人才能欣赏艺术作品的审美体验。随着科技的进步和数字化技术的不断发展，数字媒体艺术为普通大众提供了更多欣赏艺术作品的机会，简单易操作的数字媒体技术为普通民众进行艺术创作提供了强有力的支持，大众化的创作模式和大众化的审美特点使得数字媒体艺术更加贴近人们生活，更加大众化，促进了艺术作品发展的多样化，丰富了大众的审美体验。
（二）数字媒体艺术具有开放性的美感
数字媒体艺术的创作过程与传统艺术相比具有非常大的开放性，在传统艺术中创作者所创作的作品具有完整性，创作的终结也意味着作品的完成，而数字媒体艺术可以进行复制和删改，除创作者之外的观赏者可以根据自己的喜好对艺术作品进行重新修改和再创作。数字媒体艺术作品可以根据不同作者的不同创作思路进行修改，数字媒体艺术会随着科技的发展而不断发展，不断丰富自身的艺术意蕴，满足人们更高层次的审美体验和审美需求，推动现代艺术的发展。
（三）数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征
不同于传统艺术的逻辑性审美特征，数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征，数字媒体艺术的发展改变了人们的审美逻辑。创作者可以尽情构思使用非逻辑性思维进行天马行空的创作，在创作中运用了较多倒叙、跳接、反转等技术，因此人们欣赏数字媒体艺术作品时，不能仅凭借惯有的逻辑思维进行赏析，而是应该从现代人的思维和创作者的创作意图角度进行艺术赏析，从而获得更丰富的审美体验。
（四）数字媒体艺术具有超现实的审美体验
数字媒体艺术的发展依托于数字化技术，传统艺术创作是以现实中的事物为原型进行再加工和创作，因科学技术水平有限，传统艺术创作灵感来源于现实生活，数字媒体艺术与传统艺术相比，具有超现实的审美体验。数字媒体艺术中展现的恐龙、生化危机、外星人等题材具有超现实性，数字媒体艺术可以运用多种现代技术进行声音和图像的模拟，能给观赏者带来极强的感官冲击和震撼的视听效果，丰富了人们的审美体验。
二、总结
【关键词】舞蹈艺术；审美特征
中图分类号：J701 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）11-0142-01
舞蹈表演结合了肢体语言、音乐节奏的变化以及丰富的情感因素，因此使得舞蹈艺术的展现丰富多样，也使得舞蹈艺术得以广泛传播。舞蹈艺术的审美特征体现了舞蹈作品的艺术高低，而为了更好展现舞蹈艺术的审美特征，就要增强对艺术创作的创新力，无论是题材主题的选取，还是情感因素的融入，都需要标新立异，给予舞蹈艺术绝佳阐释。
一、舞蹈艺术的独创性
独创性是舞蹈艺术的一个重要审美特征，同时独创性也赋予整个舞蹈作品独立空间，要求舞蹈艺术的题材以及主题都必须能够展现出与众不同，能够体现出舞蹈艺术的新意。这就要求作者在舞蹈艺术创作构思环节必须要重视创新，改变原有死板硬套的方法，突破固定的舞蹈艺术创作模式，只有创新才是舞蹈艺术得以永存的条件，并让舞蹈艺术获得更多人的欣赏，使得欣赏者获得良好的审美感受。
另外，独创性还赋予舞蹈作品极强的延伸力。站在舞蹈艺术本质的角度对美感进行分析，主要体现在舞蹈艺术新作品必须要在意料之外和情理之中，这样才能够让广大观众对这一新作品产生良好的审美感受。在一个舞蹈作品当中，主题思想是十分关键的，而在舞蹈创作手法的切入之下也更加真实而感人。广大舞蹈工作者必须要秉承舞蹈艺术的创新精神，无论是在创作还是演绎方面都要体现出舞蹈艺术审美特征当中的独创性，让舞蹈的魅力真正绽放。
二、舞蹈艺术的抒情性
抒情性是舞蹈艺术审美特征的一个关键点，也是拓宽舞蹈艺术范围的有效手段，无论是舞蹈的创作还是表演都要融入抒情性特征，这样才能够使得舞蹈艺术形式更加生动和独特。舞蹈艺术的支撑是人体的动作，但同时也会对舞蹈情感的表现产生一定束缚，因为舞蹈和语言及表演是大不相同的。人体动作需要跟着音乐节奏的变化进行规律性的变化，在这一过程当中必须要融入真实动人的情感，运用肢体动作来表现内心感情，并将舞蹈艺术作品当中的情感用动作的形式传递给观众，这样观众才能够获得美的享受。肢体语言是舞蹈艺术表演特征的绝佳体现，而音乐节奏以及韵律又能让舞蹈艺术能够连贯表达，不断美化肢体动作才能够促使情感的融入。舞蹈艺术的表演形式主要是通过音乐节奏来营造，并通过设置的相应场景为舞蹈提供自由发挥的舞台，为了避免台词缺失对舞蹈情感的束缚，要求舞蹈工作者需要对舞蹈作品进行多层次的揣摩和反复演绎，用肢体语言为观众带来舞蹈艺术的审美魅力。
三、舞蹈艺术的技艺性
舞蹈艺术主要是通过肢体语言进行阐述的，而且目前舞蹈题材以及主题数量都大大增加，这就要求舞蹈艺术能够全面提高，从而更好地满足观众的审美需求，而舞蹈艺术的技艺性就是实现舞蹈艺术蜕变的关键因素。舞蹈作品的内容往往是日常生活以及神话传说，而舞蹈主题的突出和表现就需要高难度的舞蹈技艺对其进行升华。舞蹈的技艺性需要通过表演者完成，这就要求表演者掌握高超的舞蹈技巧，尤其是在表现高难度动作时更要体现其技艺性。同时，舞蹈动作的设计以及场景的布置也要体现出舞蹈艺术的技艺性，细致全面地展示舞蹈艺术结构，突出人物的主要特征，从而有效地塑造艺术形象，不断提高舞蹈艺术的美感。随着舞蹈作品技艺性的提高，给观众带来的震撼效果也会增加。
四、舞蹈艺术的综合性
舞蹈艺术不是一门独立的艺术形式，并不能脱离其他艺术而存在，舞蹈艺术的发展已经逐步演变成综合性的艺术门类。舞蹈艺术的审美特征突出和强调了综合性，主要原因在于舞蹈艺术源于生活，而它的美也体现于生活中各式各样的事物。在体现舞蹈艺术的综合性时，不单单要结合不同的艺术形式，更主要的是要将音乐元素、文学元素等变成舞蹈艺术不可或缺的内容，在舞蹈本身结构的基础之上，通过多种艺术形式的融合使得舞蹈艺术获得质的飞跃。舞蹈作品的内容、人物等都会影响到舞蹈艺术风格，而且形成的综合性也会有高有低，只有全面了解舞蹈作品艺术构成，才能真正展现出舞蹈艺术的综合审美特征。
舞蹈艺术之所以能够得到广泛传播，究其原因，在于舞蹈艺术具有极强的审美特征和极佳的艺术表现形式，舞蹈艺术能够充分满足人们的审美需求，同时也能给人的心灵带来震撼。舞蹈艺术的审美特征是决定其是否成功的主要因素，这就要求舞蹈创作者和表演者需要牢牢把握住作品的审美特征，让舞蹈艺术完美绽放。
参考文献：
关键词 现代环境艺术设计 审美特征
中图分类号：J505 文献标识码：A
经济的发展推动艺术的革新。物质生活不断得到满足的同时，人们更加注重文化和艺术的精神需求。现代环境艺术设计是一个较为贴近百姓生活的领域，它不仅能使人们的生活方式更加快捷、方便、舒适，更能丰富人们的精神世界，提高了文化修养和艺术修养，当代社会究竟对现代环境艺术的审美特征有怎样的要求。本文针对现代环境艺术设计的审美特征分析具有一定的理论意义和现实意义。
1现代环境艺术设计审美特征革新的时代背景
当代社会，信息化、全球化的浪潮汹涌澎湃，已影响到社会生活的方方面面。在这一浪潮的冲击下，人们的审美观念也发生了急剧的改变。所谓审美观念是指在一定时期、社会群体和地区环境中所形成的对美的基本认识和看法，以及由此指导下的审美意识、审美趣味、审美心理特征等。审美观念和社会的其它观念形态一样，受到社会生产发展水平的影响，同时它又对社会的整体意识形态产生作用。
在后现代哲学思潮的影响下，当代设计理念发生了很大的变化。后现代设计的强调艺术性和审美内涵的同时，更注重和生活的关系，传统艺术的概念在这里也被颠覆和打破了。如艺术的形式和内容的问题，在后现代艺术家看来，艺术的内容和形式本来就没有任何区分，形式本身就是内容，内容也就在形式之中。所以，要探讨和研究现代设计的艺术审美特征，就必须对现代审美观念要有一个宏观的认识和把握，更需要对现代环境艺术设计审美特征革新的时代背景有准确的把握。
2现代环境艺术设计的基本特征
2.1实用性与审美性的统一
现代环境艺术需要满足人们的生理需要，即环境艺术设计完成后，需要达到使人们的物质生活更加完备或者更加便利的目的，这是现代环境艺术设计实用性的体现。但是现代环境艺术设计与人们生活中的其他生活系统设施的不同点在于，环境艺术设计需要满足人们的审美需求，即环境艺术设计的审美性是建立在实用性的基础上，同时也是对适应性的延伸，它需要通过构造意境或者氛围来给予人们更好的审美体验。
2.2人文性与自然性的统一
现代环境艺术设计是一种实用性的艺术，它本身具备服务性的功能，所以在现代环境艺术设计中完成一个作品的过程是一个必须要尊重人的根本利益的过程，应该具有的人文性，主要体现在方便人、爱护人、关心人。而环境艺术设计的审美创作只有做到具有人文性，才能够满足人们追求良好的生活环境的目的。同时环境艺术设计离不开对自然的依赖，环境艺术设计本身需要对自然中的物质进行合理充分的利用，认识到自然对环境艺术设计的重要性并尊重自然才能够使环境艺术作品体现出应有的审美性。
2.3多样性与整体性的统一
环境艺术设计是一门交叉学科，涉及的学科主要有：建筑学、城市设计、园林设计、城市规划、建筑室内外设计、美术以及工程结构技术。正是因为多学科的交叉与融合，才构成了环境艺术的广泛外延和丰富内涵。
在对象与人群的局限性下，现代环境艺术设计需要满足不同对象或者人群的需要，环境艺术设计作品以及设计思路和设计风格会呈现出多样性的特点。同时现代环境艺术设计又具有整体性，即在面对各类人群或者应用不同的材料，环境艺术尤其自身的设计魅丽并且需要具有统一的、科学合理的设计理念。
2.4积极性与无害性的统一
现代环境艺术设计的积极性是指现代环境艺术作品需要表现出正面的、肯定的以及歌颂的主体，所以现代环境艺术设计在积极性的要求下需要突出自然环境的纯洁与和谐，同时在设计中挖掘更深层次的含义来满足人们精神上对美好的向往，在这个过程中，现代环境艺术设计必须要体现出来的是抵制低俗与丑陋，体现高尚与纯净。现代环境艺术设计的无害性主要体现为环境艺术设计应当是一种科学的规划以及对审美的创造，它能够实现自然环境与人类之间的和谐，无论对自然还是对人类都是有利无害的。
3现代环境艺术设计的审美特征
3.1实用性之美
环境设计必须首先满足人们的基本使用功能，既功能要求。用一定的物质实现构成特定的环境。在使用上有着便利、安全、舒适、美观、经济的要求。比如卧室设计，需要良好的日照和通风，色彩也需柔和，这样才方便人休息；而城市广场则需根据其使用性质确定硬质景观的材质与面积、植物配置和造景。设计对象不同，设计要求和方法也不同。体现出来的实用性也截然不同。
3.2多样性之美
环境设计要满足人们创造优美舒适的感官要求，包括视觉、嗅觉和触觉等关系环境感觉等要素。人体视觉最为敏锐，接受信息量最大。所以在设计中应首先强调物体造型和点、线、面关系及色彩搭配，其次必须注重整体环境的风格情调，同时考虑观赏者距离与角度。要视设计风格的不同与业主的要求而选择相应的装饰材料。当人身临其境，置身于环境中，常有一种超乎各种感觉的体验，即对于环境的直接综合体验，这种体验因人而异，取决于个人的学识和修养。
3.3动态之美
现代环境艺术的社会服务性要求环境艺术设计作品体现出特定人群的生活特性，环境艺术是静止的状态，但是这种静止是相对的，因为环境艺术存在于人类生活的环境中，所以它并不是孤立静止的，比如在一个环境艺术作品创作的过程中，随着时间和空间变化，环境艺术作品美感会产生变化。而即使是在同一时间、同一地点和同一空间下，不同的人欣赏同样一个环境艺术作品会具有不同的效果，而同一个人通过不同角度来看同一件环境艺术作品也能够看到不同的效果，所以现代环境艺术设计具有动态美，但是受到不同审美能力以及审美角度的局限。
参考文献
[1] 赵书健.对环境艺术设计与色彩的研究[J].农家科技，2011（4）.
通过摄影机镜头形成的光学图像，最初产生的动因并非是平面设计的要求，然而随着科学技术的进步和社会的发展，它与平面设计的关系越来越紧密，并最终与图形融合，形成了一种重构的审美形式，对平面设计的进步起到了推波助澜的作用。
摄影的诞生对平面设计也产生了一定程度的冲击，两者之间逐渐实现了越来越紧密的融合。这种融合似乎是一种必然的趋势，毋庸置疑，这种融合也是需要一个过程的。
早期的摄影器材虽然简陋，却已然具备了较好的瞬间捕获场景和事物的功能，大量真实的社会生活图片及优秀的摄影作品与摄影术诞生之前的平面设计图形相比，更加真实、生动和准确。而这些特征也正是近代杂志、报纸、书籍插图设计所需要的。于是，摄影和平面设计在以上这些领域开始了必然的结合。这些结合多数是具有实用性目的的，即使其艺术性还不尽如人意。真正使摄影和平面设计在艺术层面上的结合，应该是20 世纪 20 年代在前苏联与德国享誉一时的“至上主义”和“构成主义”的设计师们。他们将现代绘画的造型和空间概念运用到平面设计之中，版面中综合运用照片叠印、拼贴等技法，结合几何图形的线条与强烈的对比色彩造成非常刚正有力的视觉冲击，因此作品就具有十分独特的艺术魅力（见图 1）。
20 世纪 50 年代，美国的平面设计进入发展，摄影技术在平面设计中越来越广泛地得以应用。五六十年代期间，美国涌现出新一代设计师，他们更注重个体观念的形象表达，注重平面设计的感性效果，并大量运用了摄影和插图结合的设计手法（见图 2），自此，摄影与平面设计的结合得以全面推广[1]。通过历史事实的梳理可以看出，摄影与图形的结合是一个自然而然、循序渐进的过程，是由两种艺术语言自身自觉的艺术诉求决定的，这种结合是一种历史的必然。在将来平面设计的发展进程中也必将继续得到广泛的应用与合理的发展。
二、 摄影与图形的审美特性比较
作为两种不同的艺术语言，摄影与图形各具审美特性。这两者的审美特性既有共通之处，也有一些差别。正因如此，才使得这两种艺术语言的重构成为可能。在研究这两者以何种形式重构之前，我们有必要首先认识一下它们的审美共性和审美差别。
1．摄影与图形的审美共性摄影与图形虽各具特点，但其审美特性却具有一定的共通性。这一点是两者重构的前提条件。摄影与图形的共通性主要体现在以下几个方面：
第一，摄影与图形都具有捕捉事物基本特征的审美特性。阿恩海姆在《艺术与视知觉》一书中讲到：“所谓‘观看’，就意味着捕捉眼前事物的某几个最突出的特征。”[2]而“形状，是被眼睛把握到的物体的基本特征之一”[2]56。摄影和图形都属于平面造型的艺术语言，它们都能够以自己独特的方式准确地把握物体的形状，也即事物的基本特征。
第二，摄影与图形都具有较强的审美表现能力。作为平面造型的艺术语言，摄影和图形都能够以自己的方式在二维空间中实现三维空间的再现或模仿。
第三，从审美功能上讲，摄影与图形都具有大众传播的特性。摄影和平面图形设计自诞生之日起，没有一天离开过书籍、杂志、报纸等大众传媒方式，即使是被用在纯艺术创作之中，这些艺术作品无论如何也都逃脱不了大众的审美与评判。因此，不论是摄影还是图形，二者都是集信息传达与艺术性于一体的，并且只有当信息传达的任务被充分完成的时候，它们自身的审美价值才能够真正地得到确立。
2．摄影与图形的审美差别
作为两种不同的艺术语言，摄影与图形还是具有比较明显的审美差别的。
首先，虽然两者都具有在二维空间再现或模仿三维空间的能力，但是，其模仿的程度显然是存在着差别的。图形的设计是构成空间的设计，它对于三维空间的模仿具有一定的抽象性或不准确性，而摄影则是三维空间的直接反映与再现，这种模仿的准确性比较高，是图形语言无法实现的。
其次，摄影与图形虽然都融汇着艺术家们的审美理想、审美创意及审美情感，但是这些审美观念在两种艺术语言中融汇的自由度是不相同的。图形语言的运用比较自由，因为图形的设计可以源于某个概念、某种认知抑或某个形象。设计师可以自由地发挥着自己的想象力，不受限制于约束。然而摄影的创作却没有那么自由，它一般要以三维空间作为创作依据，要靠摄影师独立的思考与操作将这个三维空间提炼或转换成二维空间，在瞬间把握事物的本质特征。因此，其创作的自由度明显低于图形的设计。
三、 摄影与图形重构后的审美构成形式
摄影与图形的审美特性各有千秋，因此，这两种艺术语言重构在一起时，如能做到取长补短，，那就必将带来卓越的审美效果。许多设计师在如何将两者重构这一问题上都进行了孜孜不倦地艺术探索，其所探索出的两者重建的审美构成形式也是多种多样的，如李西斯基大量地使用摄影蒙太奇手法，将摄影与图形重构在一起，造成视觉的冲击力；再如罗德琴科在为马雅可夫的诗集创作插图时 ( 见图 3)，运用摄影蒙太奇的手法将各种不同的照片素材统一在一个图形空间之中，使它们产生相互碰撞的可能性，从而制造出新的视觉及心理含义的画面空间等。
在各种重构方式中，意大利平面设计师和插画家阿尔贝托 塞韦索的创意颇具特色。他在作品中大量运用了计算机技术，通过图形设计将原本的数码摄影进行解构，并再组合，所以一些作品颇具立体主义的风范（见图 4）。
这种解构与重组打破了摄影的原有模式，造成摄影与图形间的一种视觉矛盾，成功地挑战了传统的视觉方式。形成解构的图形设计无论从线条上还是色彩上都极具现代感与装饰感，与解构之后的摄影恰如其分地重构之后，形成了兼具现代特色与装饰效果的艺术作品。阿尔贝托 塞韦索的作品多以暗色调为主，许多作品常常以配以大面积的黑色作为背景（见图 5）。这种暗色调与大面积的黑色背景恰恰使得画面不会因为图形设计的装饰感过强而显得繁乱喧闹，反而让背景与前景的解构和装饰效果形成了强烈的对比，带来更为震撼的视觉冲击。
在当代的平面设计中，致力于摄影与图形重构形式探索的设计师不乏其人，此处不再一一赘述。而需要明确的是，艺术是一条永无止境的道路，摄影与图形的重构也不会止于当今的各种重构形式。设计师们将会不断地探索，找出更多的重构构成形式，创作出更多优秀的设计作品。
四、 摄影与图形重构的审美意义及其价值
对于任何一件艺术作品来说，审美属性在其众多属性中无疑是最为重要的。一件艺术品如果不具有审美价值，那我们就不得不质疑其存在的合理性和可能性。对于平面设计这一艺术门类而言也是如此。如果一件设计作品、一种设计形式不具备任何审美意义和审美价值，那么对于它的任何讨论和探索都将是徒劳无功的。根据设计美学理论的说法，设计美可分为材料美、结构美、形式美和功能美等构成要素，而针对摄影和图形这种重构形式，我们将从结构美与形式美两个方面来分析它的审美意义及审美价值。
1. 摄影与图形重构的结构审美意义及其价值
“所谓‘结构’，是指物质系统内部各组成要素之间相互联系、相互作用的方式。”[3]美学家 M 李普曼曾经说过，“结构是一切意思和意义的基础”，“没有结构，任何东西都不存在，都不可设想”。由此可见，结构美是一切审美，包括整个设计美的基础，而摄影与图形的重构则丰富了结构美的构成方式，对设计作品的结构审美具有重要的意义。它们以两种不同的艺术语言形式相组合，扩充了设计作品的结构组成，使得设计作品的结构更具层次感，画面也更加丰富。例如阿尔贝托 塞韦索的设计作品，如果只具有单一的摄影或图形，其作品结构就显得单调而乏味，但当设计师用艺术的手段将两者重构之后，作品的结构立即呈现出惊艳的效果，其结构美瞬间就能打动人心。
2. 摄影与图形重构的形式审美意义及其价值
对于艺术作品来说，形式美是具有相对独立性的审美对象，它指的是构成事物的物质材料的自然属性，如色彩、形状、线条和声音等，及其组合规律，如整齐一律、对称与均衡等，而所呈现出来的审美特性。其平面设计作品中的形式美则指各种设计素材按照一定规律组合起来的色彩、线条和形体等形式因素本身所具有的那种被高度概括化、抽象化了的美。歌德曾经说过：“题材与表现它的方式必须与明显的艺术规律有联系，那就是和谐、清晰、匀称与对比等，这样的艺术作品看上去就会觉得美丽。”因此，形式美是审美创造和审美接受的重要环节。毫无疑问，摄影与图形的重构对设计作品的形式美具有重要的审美意义与审美价值。
首先，从形式上讲，这种重构形式符合形式美的审美规律。形式美的审美规律是抽象的，这些抽象的规律是图形这种艺术语言本身就已经具备了的，当它与摄影重构之后，这些形式美不仅没有被削弱，反而被加强、被突出了。例如在阿尔贝托 塞韦索的作品中，其图形本身便具有强烈的形式美感，是一种富有节奏性、具有不对称特征及强烈对比性的形式美。当它与摄影重构之后，这种节奏感、不对称感及强烈对比就被放在更为突出的位置，它的形式美感被强化了。两者的重构既在审美形式上显得矛盾对立，又在最高审美层面上达到了和谐统一。这种形式美感是单独的摄影或图形都无法实现的[4]。
其次，这种重构形式在形式美的意义上实现了两种艺术语言审美特性的互补。摄影的审美特征是具体、详细而缺乏概括性、抽象性的，而图形的审美特征是抽象、概括却缺乏准确性的。将两者的艺术语言重构在一起则实现了两种审美特征的互补，使得设计作品的形式美既具有抽象美、概括美的简洁，又不乏具象美的细腻，从而达到了形式美的又一新的高度。
（一）人性化理念
传统的环境设计受到科学技术滞后以及落后观念的制约，人们难以真切享受艺术之美，而今随着人类进入到高科技的信息化时代中，互联网的枢纽日益显现，人们的环境意识与生活方式也随之经历了一次大范围的改革，对居住环境的重视也使得人们真正步入以人为本的时代之中。环境艺术设计中的人性化理念需要设计师在追求审美理想的同时更应尊重地方历史背景、文化风俗以及人文环境。因此，对于环境艺术设计理念的认识不应该只停留于传统的、纯粹单调的人机工程之中，而应引入人性化的设计理念，将人类本身的生理需求、社会需求及其与自然社会之间的共享关系置于重要的位置上。
（二）集思广益理念
作为一门跨学科的综合性社会活动，环境艺术设计需要依靠雕塑、建筑、环境设计以及规划等各相关行业人员的共同合作，因此，组织多学科的团结协作进行集思广益是环境艺术设计在实际操作之中的重点之一。环境艺术设计中集思广益理念的进步性在于能够有效地改变了以往传统设计师、规划师、建筑师以及环境设计师各行其是的想法与行为。在为环境设计集思广益的过程中，通过多方之间的合作与交流，可以有效地避免因差异较大而混乱不堪、鱼龙混杂的艺术设计作品，并且可以实现去糙取精、取长补短的目的，从而为环境艺术设计的发展注入新的血液。
（三）可持续发展理念
环境艺术设计的可持续发展理念是生态化、绿色化设计的表现之一，其内涵是对自然环境中资源的加以关注以及加强对环境环保问题的重视，它是新时代背景之下人与自然之间和谐共处的环境观。人文与自然环境以及人类生存质量水平的全面优化需要将环境设计的可持续发展观念作为主要的依托点，生态城市建设规划的五项原则分别是建立生态基础设施、制定生态保护战略、将自然融入城市、重建居民生活标准以及重视历史文化的保护。环境艺术中可持续发展理念的目标是改善人类的居住环境以及身体健康的质量水平，其要求科学合理地将阳光、气候、植物、动物、水体、土壤等自然材料与人工材料相互融合加工，并在此基础上依据自然界生物学的原理来设计创造出人与自然和谐发展的良好环境艺术设计作品。
二、环境艺术设计的审美特征
（一）风格美
不同的环境艺术设计作品之中都蕴含着设计师的审美思想与审美观念，因此每一个环境艺术设计作品都富有其自身独特的风格。环境艺术设计中风格个性化的审美特征要求设计师们重视人文与环境之间的相互融合，针对不同的环境背景设计出别具一格的环境艺术作品。例如，在城市化的环境艺术设计之中，北京、青岛、西安等城市是我国境内富有典型特色的城市代表，而巴黎、威尼斯、罗马、雅典等则是欧美城市之中具有独特风格的代表，其各自的风格都以浓厚的自然风情与人文内涵作为铺垫，从此可看出城市环境艺术设计的审美特征主要建立于人类历史背景、文化风俗的基础之上。
（二）动态美
由于环境艺术设计来源于人类日常的生活环境，因此环境艺术一直处于运动的状态之中，而并非孤立静止的，设计师则需要根据特定环境与人群的生活特征、审美心理来进行符合动态审美的艺术设计。由于受到审美角度与审美观念的制约，环境艺术设计动态美的审美特征在主观以及客观之中都会有着不同的表现：首先，随着空间与时间的逐渐变化，环境艺术设计作品会使人产生不同的审美看法；其次，即便处于相同的空间、时间与地点之中，不同的人对于相同的艺术作品也会有着一定程度上差异的审美观念；再者，同一个人若通过不同角度来观赏同一件艺术作品也会有着不同的审美效果。
（三）和谐美
新时代的背景之下，现代环境艺术的设计无法脱离整体的意识，设计素材之间的和谐关系是艺术设计表现力的重要保证之一。无论是一个大城市还是一个小型的艺术馆，其环境艺术的设计都需要建立在实现整体和谐美的基础之上，尽量避免混乱无章、差异冲突艺术设计作品的出现。例如，在广场的设计之中需要考虑到草坪、树木、座椅、花坛以及周围建筑等各个个体与广场整体之间相互的审美协调以及相得益彰，从而使得每个个体都能成为整体之中不可缺少的一个部分。通过环境艺术设计和谐美的审美特征，可以进一步地使人们体会到整体与个体之间的和谐美，从而赋予现代环境艺术作品更具审美特征的表现力。
三、结语
关键词：艺术作品；造型艺术；经典艺术；美学特征
中图分类号：J01？摇 文献标志码：A？摇 文章编号：1674-9324（2013）41-0162-02
在当今，人们在物质需求得到满足后，越来越多地开始重视精神层面的享受，而艺术作为精神层面的及大成者，必然会受到大众的重视，经典艺术的重要性尤为突出。古往今来，以有不少的人在这方面做研究。杜书瀛先生在他的《论艺术的特性》一书中曾写到：一个真正的艺术家，“在再现客观世界的同时，也表现自己的主观世界，对生活做出自己的评价；艺术家在对生活作理智认识的同时，还贯注进自己的感情”。黑格尔在他的《美学》一书中写到：“形成真正的美和艺术的中心和内容的是有关人类的东西”，“只有人的形象才能以感性方式把精神的东西表现出来”。正确认识经典艺术作品的美学特征对解决经典艺术作品之所以流传长久并受到关注有着重要的意义，对于艺术的整体发展和人们审美提高有着重要的作用。笔者对经典艺术内涵和判断标准进行研究，从案例中得出经典艺术作品所共有的美学特征。
一、经典艺术作品的内涵
1.经典的内涵。“经典”一词在中国自古有之，初被意为“纵向的纹路”。许慎在《说文》中记载：“经，织也”。“典”本义为标准、法则。在《四角号码词典》中“典”有“作为依据或准则的书籍等含义。将“经典”合并在一起解释与《辞海》和《现代汉语词典》的解释大体相同，即“传统的权威性著作”和“宗教教义的典籍，著作具有权威性”。在西方“经典”canon，译为“原则”、“准则”或“标准、真作、精品”。
2.经典艺术作品的内涵。所谓经典艺术，“是指具有超越时空的精神文化价值”的艺术作品。通俗的说就是在艺术这个门类中的经典艺术作品。艺术家们创作的作品属于艺术品，但是却不都是经典艺术作品。一幅真正经典的作品是能够反映出作品创作时期的审美文化，它体现了作品当时创作的理念、审美想象、价值取向、创作风格、流派特征。它们含有丰富的文化内涵，具有非常强大的社会影响力。经典的艺术作品能够有效地体现出创作者的本性。从时间上讲，它将人们生活的历史与文化通过作品展现，作品作为一种历史资料可以完好地保存；在地域上，它体现着该地区的民族文化观念，是民族特色的标志。可见，经典艺术不单单指一幅简单的艺术品，它拥有比一般艺术作品更深刻的内涵。
3.经典艺术作品的评价标准。经典艺术作品能成为经典，我认为第一点应取决于艺术创作者的创作目的与情感投人程度。杜书瀛先生在他的《论艺术的特性》一书中曾写到：一个真正的艺术家，“在再现客观世界的同时，也表现自己的主观世界，对生活作出自己的评价；艺术家在对生活作理智认识的同时，还贯注进自己的感情”。经典艺术作品在创作时应有思想、有情感，从自我的视角去关注大千世界、芸芸众生，其内涵才会深刻。荷兰作家凡·高在1888年创作的《向日葵》的画面中深刻地表达了画家内心强烈的情感，充满了对生命的爱。使每一位欣赏者同样可以从画中感受到画家对于生命的热爱。经典艺术作品能够成为经典，第二点应该取决于在作品中体现出的对于社会和人生深度与广度的描写。就拿文艺复兴时期的绘画作品来说，我们从绘画作品中可以深刻地观察出画家对于人性的关注和描绘，出现了大量的肖像画，让人们欣赏画作之余，也感觉到人文主义思想的光辉。所以，当我们每一次重新欣赏文艺复兴时期的绘画作品时，仍然可以感受到来自于当时社会的最强音。经典艺术作品可以让欣赏者从艺术作品中认识生活、认识社会，从而认识自我。经典艺术作品能成为经典，还因为经典艺术作品是具有延续性的作品。经典艺术作品是具有延续性的，一部伟大的作品之所以伟大，是它给后世留下了深远的影响。让每个人从作品中看到自己、认识自己、解剖自己，从而成为一个完美的人。
二、经典艺术作品的美学特征
经典艺术作品拥有艺术作品所共有的美学特征，同时还拥有自身独特的美学特征，即人性美、形式美及其使人产生共鸣，震撼和打动人的心灵。
1.经典艺术作品是具有人性美特征的。在黑格尔看来，“形成真正的美和艺术的中心和内容的是有关人类的东西”，“只有人的形象才能以感性方式把精神的东西表现出来”。《蒙娜·丽莎》，是意大利文艺复兴时期著名画家达·芬奇的肖像画代表作，它代表了达·芬奇的最高艺术成就，创作于1503—1506年。这幅肖像画的特点可以用“和谐”来概括，它体现了人外在和内在美的统一。因此，不应该仅仅把这幅作品看作是一个人的肖像画，它代表了整整一个时代，作品中闪耀着人文主义思想的光辉。画面上的蒙娜丽莎神态安详端庄，眼神宁静温柔，身体微侧，肩披轻纱。达·芬奇把蒙娜·丽莎这个人物的丰富的内心感情和漂亮的外形巧妙的结合起来，使观赏者仅仅通过人物面部的表情而去体验人性美。达·芬奇创作的《蒙娜·丽莎》之所以如此迷人，是因为她完美的表达了文艺复兴时期人文主义的理想。经历了中世纪长期的宗教束缚和封建压迫，在人性遭到长期压抑之后，创作者们都十分向往真实的活生生的人物形象，《蒙娜·丽莎》正是完美地表达了这种人性美的特征（见图1所示），在许多的经典建筑设计中也同时体现出人性美的特征。安东尼·高迪创作的米拉公寓，充分地体现出关注人性美的特征。高迪在设计米拉公寓时充分的运用到人体工程学的理论，根据人平时的行为习惯、心理因素、思维方式等等，在满足整个建筑功能的基础上，对建筑的设计风格进行艺术化处理，使人们居住和使用非常方便和舒适。“对米拉公寓整个建筑外立面、顶部都大量运用波浪形曲，到处可见蜿蜒起伏的曲线，这种曲线的运用使得整体设计中对人的心理生理需求和精神追求得到尊重和满足，是设计中的人文关怀，是对人性的充分尊重”。
2.经典艺术作品是具有形式美特征的。形式美的特征可以说体现在每幅艺术作品中，尤其凸显在经典艺术作品当中。不论经典的绘画作品或是建筑作品都可以从中体会到。从达·芬奇的《蒙娜·丽莎》到高迪的《米拉公寓》，可以从不同的艺术种类中显现。文艺复兴时期的著名建筑家帕拉迪奥在谈到建筑的形式美时，他认为“美产生于形式，产生于整体和各个部分之间的协调”。安东尼·高迪创作的《米拉公寓》，在建筑史上被称作最前卫、最疯狂，于1984年被评为“世界文化遗产”，它以其独有的曲线设计特点吸引了全世界观赏者的目光，被后世人所称赞！（见图2所示）。高迪极力塑造建筑的形式美特征，从米拉公寓建筑外立面可以看到高迪把点、线、面、体有机地结合在一起，整体建筑外立面沿线是弯曲的，但中间穿孔般的窗口却是规则的。体现出多样统一的组合规律，通过这种新型的组合吸引人们的眼球。整个建筑的内部空间设计同样独具匠心，每个房间的内部形状几乎是都是圆型的，包括顶面的天花板、立面的窗户、走廊，其中最有特色的设计部分就是米拉公寓在建筑立面的窗户上双面采光，光线是由中庭和外面街道照射进来。在色彩方面的运用同样奇特，外立面是浅色的，远看像海浪，但是在内部设计确大胆运用一些绿色或黄色，充满生机。可以说，米拉公寓是形式美特征的集中体现。
3.经典艺术作品使人产生共鸣，震撼和打动人的心灵的美学特征。凡是经典的艺术作品都可以使人产生共鸣，它能触动每个人心灵的善良，使欣赏者和创作者同声相应，同气相求。经典艺术作品从表达的内涵、画面到它的精神特质，都是和受众群体能产生共鸣的艺术，它会超越时间、空间，也会跨越国界、地区。《蒙娜·丽莎》之所以可以流传500多年还被人们品评和研究，《米拉公寓》之所以获得那么崇高的荣誉，都是因为它们震撼、触动每个人的心灵。人们从可以从他们作品的内涵、形式中找寻共鸣点，令自己在享受美感。同时这些作品也留给我们无尽的联想和猜测，激发我们达到欣赏的最高峰。
正确认识经典艺术作品及其美学特征对于我们艺术的整体发展和人们审美意识的提高有着重要的作用。经典艺术作品以其独特的人性美、形式美、共鸣感触动着人们的心灵，以其优越的审美形式体现我们的审美理想，同样它也是提高大众自身审美能力，实现人性自由，创造完美人格的重要途径。
参考文献：
[1]杜书瀛.论艺术的特性[M].北京：人民文学出版社，1983：44.
[2]黑格尔.美学（卷二）[M].朱光潜，译.北京：商务印书馆，1979：136，165.
[3]李树榕，葛丽颖.艺术概论[M].呼和浩特：内蒙古大学出版社，2005：191.
[4]王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：228-239.
具体而言，美术的审美特征，可以分为以下三大层面行解读。“美术”一词，又称为“造型艺术”，可见造型性是美术的最基本的审美特征。所谓“造型性”，是指艺术家运用一定的物质材料，塑造出欣赏者通过感官直接感受到的艺术形象。”例如绘画，就用线条、色彩等艺术语言，在二维空间（平面）里塑造形象：书法也是在二维空间（平面）运用笔墨、布白、结构、章法等艺术语言，塑造文字形象，表现神采、气韵;摄影也用影调、色调、构图等艺术语言，同样在二维（平面）空间塑造艺术形象;雕塑则用泥、石、木、金属等材料，在三维（立体）空间塑造形象。所有的造型艺术，无不通过具体形象的造型来塑造艺术形象的基本手段和基本审美特征。
美术的造型审美特征，要求美术家要注意观察生活，善于捕捉生动感人的人物或事物的外部特征，在此基础上，以表现人物或事物的外形为自己的特长，并做到“以形写神”、“形神兼备”。成功的典范：意大利画家达・芬奇的油画《蒙娜丽莎》。又如我国清末画家任颐，就有惊人的形象观察力、记忆力、表现力，在他年仅10岁时，一次他单独在家，适逢父亲的一个朋友来访，因见不到任颐父亲，便很快告辞，任颐就用纸笔把来客的模样画下来，他父亲归家看到画后，立刻认出了来访者是谁。造型性作为美术的审美特征，至关重要。
美术的另一大审美特征，是它的永固性。
美术必须采用物质材料与艺术语言，将事物发展变化的瞬间固定下来，可以供人们多次、永久性欣赏，甚至流传百年千年。这些美术品成为人类文化史上的瑰宝。例如西班牙、法国等西方国家旧石器时代的洞穴壁画。史前时代的雕塑品《奥林多夫的裸女》、《持兽角杯的妇女》等，距今有上万年的历史。我国内蒙阴山地区发现的岩画，距今也有上万年的历史。
当然，世间的万物都是一分为二、辩证统一的整体。美术的永固性审美特征，是与它的瞬间性密不可分的，也就是说，美术作品是选取人物或事物的瞬间形态而被固定下来的，这就要求美术家以静显动、以不变显万变，善于寻找恰当的表现方式，在动静的交叉点上，抓住客观事物发展变化的某种瞬间形象，然后再将其固定下来。例如古希腊阿格桑德罗斯、波利多罗斯、阿塔诺多罗斯联合创作的雕塑作品《拉奥孔》，取材于古希腊诗歌《荷马史诗》中的故事。雕塑《拉奥孔》选择的恰恰是拉奥孔父子三人濒临死亡痛苦挣扎的最后一瞬的形象，表现出入物激情的顶点，达到了“寓动于静”、“寓瞬间于永固”的至高境地。又如我国画家罗中立创作的《父亲》，也选取了勤奋、慈祥的父亲的瞬间形象，创造出震撼人心的永恒的艺术形象。可见，永固性作为美术的审美特征，既是重要的，又是辩证的。
美术的基本特征是再现空间（平面或立体）形象，因此再现性自然也是美术的重要审美特征之一。美术家都十分注重再现生活中的形象，并以写生、速写作为素材的积累，这无疑都是正确的。
许多成功的美术作品，也的确以再现性为基本审美特征。例如董希文的油画《开国大典》，就再现了开国大典时天安门城楼上庄严神圣的历史瞬间，成为史诗性作品。又如摄影作品中《二次大战时的邱吉尔》、《》等，更凸显出美术作品再现性的审美特征。
当然，这种再现性也是与表现性辩证统一的，即通过再现性体现表现性内涵一表现美术家主观的思想、情感、意愿。正如德国美学家黑格尔所说：“艺术作品比起任何未经心灵渗透的自然产品要高一层。例如一幅风景画是根据艺术家的情感和识见描绘出来的，因此，这样出自心灵的作品就是要高于本来的自然风景。”例如我国国画中的梅、兰、竹、菊“四君子”，就分别寄托了画家的情感、情操、志向、志趣，达到了客观与主观，再现与表现的完美结合。
伴随着当前科学技术的全面发展，可以说我们的艺术创作形式已经进入到了数字化的时代。艺术创作者们的艺术创作理念在向数字化的方向过渡，他们的艺术创作手段也开始渐渐具有了数字化的特征。这样一种新生代的艺术风格样式的出现，为我们提供了新的审美特征。
1关于数字媒体艺术
数字媒体艺术指的是传统艺术与计算机图形图像数字化技术的融合。新一代的数字媒体技术包括传统的影视、广播、电视媒体向数字视音频、数字电影方向的快速发展，也包括日益普及的虚拟现实技术、计算机动画技术等。简单来说，就是利用计算机对图形和图像进行的创作、设计和制作，从而产生能让人们感到无比真实的立体动画和场景。数字媒体艺术包含了听觉和视觉上的感受，它是一种动态的艺术。数字媒体艺术审美主体涉及到了三维虚拟场景、动态构图、角色形象、运动规律、音效、灯光照明等多个方面，这些审美主体所包含的内容比传统艺术要多很多。具体来说，数字媒体艺术包括着以下的领域：数字图像（数字图形图像艺术创作、数字二维绘画）；数字动画（数字影视后期艺术创作、数字三维动画）；数字音频艺术（电脑合成音乐、声波艺术、数字音乐创作等）；网络数字艺术作品的创作；虚拟现实艺术；电影、舞蹈、戏剧与数字技术相结合的综合数字媒体艺术。在数字媒体艺术看来，即使是同一件数字媒体艺术作品，如果不同的艺术家来赋予它不同的艺术审美特征，那么创作出来的作品风格也就迥然不同了。
2数字媒体艺术审美
在来谈数字媒体艺术审美之前，我们先来看看审美的概念。审美，指的是领悟和感受客观事物或者现象本身呈现出来的美，它是人在参与实践的过程中与客观事物或现象所构建起的一种特殊的表现性关系。审美成为了人类认识和掌握世界的一种特殊方式，它做到了主观与客观的具体统一，理智与情感的具体统一，从而能够追求发展，追求真理。具体到数字媒体艺术的审美，指的是人们通过观赏艺术家们根据数字媒体艺术理念和数字媒体艺术创作方式创造出来的数字媒体艺术作品，从而感受到和领悟到数字媒体所带来的一种别样的艺术之美。它的审美对象便是动态的或者静态的二、三维数字化图像作品。在高度的信息化社会里，以计算机为主要代表的数字媒体艺术，将会对当前的艺术审美产生革命性的、颠覆性的、深远的影响。在数字媒体艺术审美与一般审美的关系问题上，我们先要看到它们的差异性。由于审美对象的不同，一般审美是对现实美的感受，审美对象为现实的自然物和社会物，它们并不是专门为了审美而存在的。而数字媒体艺术审美对象为艺术作品，它们的存在则以审美价值为体现。不过数字媒体审美艺术和一般审美在实质上却是相同的，它们的审美都归根结底的指向了人类的审美精神，都归根结底的来源于现实。
3数字媒体艺术的美学特征
3.1数字媒体艺术表现着技术之美
技术的发展是数字媒体艺术的最大特点，技术与艺术作品融合，形成了特有的技能美。计算机软硬件技术的发展直接决定了数字媒体艺术的发展，技术环境为审美价值提供了很大的帮助。每一次新技术的采用，都造成了新的视觉上的冲击。因此，与传统艺术相比，数字媒体艺术审美价值更多表现为技术之美。如著名导演卡梅隆创作的热播影片《阿凡达》，从它惊人的票房业绩就可以看出此片高超的艺术与科技价值。在全新的3D数字特效的支撑下，人们在影院中享受到了漂浮在云中的山峦、旋转飞行的蜥蜴、夜间发光的森林、一落千丈的飞流瀑布，这些拍摄手法和特技效果在以往的影视作品中都是不可想象的。在这些真实而脱俗的美妙视觉的背后，有着众多数字媒体技术手段的支持，他们搭配着全新5.1声道AC—3音响环绕的声音效果，给电影增添了巨大的震撼力。另外，先进的动作捕捉设备、自主研发的数字拍摄系统和强大的CG制作团队都支撑了这一完美艺术作品的出现。
3.2数字媒体艺术表现着动态之美
数字媒体艺术体现着视觉元素在空间中的不断变化和运动，与传统艺术的静态画面相比，它不仅包含了光影、构图、色彩等要素，而且还具有空间、时间、运动等数字媒体所特有的艺术特点。它的艺术元素并不是固定某点，而是随着时间的变化不断的在移动，时而加速运动，时而减速运动，有着丰富的变速运动，这就构成了一种动态的秩序，表现着数字媒体艺术的动态之美。
3.3数字媒体艺术表现着互动之美
数字化的艺术作品，在作者和观众之间、创作者与受众之间是一种共同参与、沟通互动、角色换位、共同分享的艺术模式。在网络艺术的互动性数字平台上，不管你是任何人，处在何地，只要进入到数字网络系统中，就可以找到你感兴趣的艺术作品惊醒补充、修改和再创造，他们可以对这些“开放式”的作品进行多次的再创造，不断注入新的想法和内容，在这个互动过程中，原创者和艺术家们扮演者向导的服务角色，每一个参与者都品尝着艺术参与的和艺术家的荣耀，在此，每一个观众都能够找到与自己有着共同点的艺术作品，他们享有更大的修改权和选择权，形成了艺术家与非艺术家之间的互动，使艺术创作得到了换位思考和真诚的对话机会，因此，数字媒体艺术表现着互动之美，人们得到精神和情感上的陶冶和满足。
3.4数字媒体艺术表现着未完成之美
在传统意义上，一件艺术作品，如果在一定程度上达到了创作者的目的，作者就会对作品进行收笔，而数字媒体艺术正在改变着这一局限，开放式的作品结构使得作品在共同参与和互动中可以随时删改、剪切和复制，这样就无限延续了它的创作动机和创作期盼，在这种大众化的创作链接中，你很难看到终结，只要有人欣赏和接受，作品就会在互联网中无限创作，无限传播，永不会结束和停息，艺术家们永远在期待着意想不到的艺术奇观的产生。
4结语
在数字媒体时代，传统的艺术形式得到了无比广阔的延伸，传统的艺术审美理念也被重新定义和诠释着。只有力图把握住数字媒体艺术的美学特征，才能进行深入的探索，从而对现代艺术进行正确和科学的定位。
参考文献：
邱晓岩.试论数字媒体艺术的新美学特征.深圳信息职业技术学院学报，2004（2）：2022.
王伟毅.数字媒体艺术的多种可能性.天津美术学院学报， 2005.
马凌燕.论新媒体艺术与数字艺术的异同.湖北社会科学，2007.
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