时间：2023-03-23 15:12:24
绪论：在寻找写作灵感吗？爱发表网为您精选了8篇工艺美术毕业论文，愿这些内容能够启迪您的思维，激发您的创作热情，欢迎您的阅读与分享！
关键词：中国传统工艺美术 现代工业设计 融入潜力 重要组成 必要性
正文 我们应该担当起怎样的责任，我们又被时代赋予了怎样的责任，我们应该怎样去做才能不辱使命。怎样将中国传统工艺美术融入现代产品设计中，这是所有未来工业设计师所应该思考的问题。面对我国正在蓬勃发展的设计事业，我们在学习世界设计的同时应当开辟出一片有着中国特色的工业产品设计领域，将我们中华文化融入现代工业产品的设计之中。
中国传统工艺美术蕴含现代工业设计理念 lwkoo.cn 毕业论文
中国传统工艺美术历经时代的沧桑，在无数先辈努力下，经过数千年实践的锤炼，才有了今天涉及我们生活方方面面，及政治.经济.文化等各个领域的中国传统工艺美术。中国传统工艺美术自古以来通过对自然万物的尊重、承认和包容，通过沟通、协调而达到和谐统一的风格。直至今日，随着科技的进步，生产力的发达，自然的平衡却已经打破，此时人们才意识到人与自然和谐相处的重要性，提倡环保、绿色设计、人性化设计等等。
中国传统工艺美术的这一深厚底蕴深刻的揭示了人与自然的关系以及现代工业设计的发展方向，如何将先人千年来总结的中国传统工艺美术的规律与成果运用到今天的现代产品设计，将是一个值得我们研究和深思的话题。
中国传统工艺美术是世界工艺美术的重要组成。
中国人口之众，中国文化早已向世界各地传播，影响深广，其市场潜力是不可估量的。中华文化对世界的影响之大，以及其在世界文化中所占比重之最也就决定了将中华文化融入现代产品设计的价值前景是无限的，潜力是无穷的。
如《众神聚宴》，是文艺复兴早期意大利威尼斯派最杰出的画家之一的乔凡尼·贝利尼 (Giovanni Bellini，1430-1516年)所作，是文艺复兴时期人们向往的理想世界的写照。画中值得一提的是，诸神所用的器皿均是中国宋代烧制的青花瓷，可见当时中国传统工艺美术的名声远播以及那个时代的西方人对中华文明的崇拜和神往。
中国传统工艺美术中的设计元素中充满生命活力之美。纹饰里面的动物纹主要是继承和发展了原始的图腾。如所反映的夔龙纹、夔凤纹等等，都是根据中华民族所崇拜的吉祥神圣之物的龙、凤等演变而来的，风格怪异，并且具有明显的原始社会图腾崇拜的标记。
龙纹是中华民族最吉祥、最神圣的纹饰，它的形象不是在青铜器上才出现的，远在新石器时代就已有龙的萌芽。在青铜时代，龙的真正形象出现了。它是多种动物形象的综合体，是一种经古代人民创造性想象而产生的怪异而神秘的动物形象。它最初的原形主要是以蛇为主，因为在中国古代有龙蛇互化之说：“龙或时似蛇，蛇或时似龙”等说法。而龙的形象在商周青铜器中并不少见，它把表现的每一个部分都抽象化了，并且还有选择性的进行了强化。
凤最初的形象是玄鸟（玄鸟是中国上古东夷族的图腾），和龙一样，它也是上古人民想象出来的一种动物，也是一个综合了多种动物的形象而创造出来的神鸟。它的羽毛是吸收了孔雀的形象特征，它尖锐的爪子是取自愈凶猛的鹰。《韩诗外传》里就有关于凤的描述，“夫凤之象，鸿前而鳞后，蛇颈而鱼尾，龙纹而龟身，燕颔而鸡啄。”它也是吸收和融合了别的氏族的文化。但是这里的凤纹变化极多，可与夔龙纹相媲美，也给人一种神秘感。 中国五千年文明的发展，无论是宫廷美术还是民间美术，无论是文人画还是宗教画，经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践，积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜，从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石，从唐宋的绘画到明清的瓷器 ，以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等，充分体现了或恢弘灵巧，或简约或精致，或工整或粗放或热烈或娟秀，或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案；无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画，这一切无不为现在工业设计提供着丰富的表现形式和图式装饰语言。在我国历史上，农业社会留下过丰富的历史遗产，今天我们游览和保护的许多历史遗迹，在当年都是社会生产不可或缺的工具或建筑。要走出一条“民族个性”的道路，就必须根植于民族文化土壤中，向传统工艺美术学习，并进行具有创造性的转化，使中华传统设计元素用在当代工业设计中既具有“民族个性”又有“时代性”，这样，我们工业设计才能真正走“国际化”。 lwkoo.cn 毕业论文
中华传统艺术在经过漫长的历史凝炼后，逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像，以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物，一些约定俗成的事物及组合。这些乡土味浓郁的图像元素是民族工艺美术的重要组成部分，如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代工业设计中，无疑会给单调枯燥的现代工业设计风格带来一股清新的空气。
中国传统工艺美术融入现代工艺设计的必要性
信仰则是文化的重要组成部分，更是对传统工艺美术的继承和发展，没有文化的根基信仰也将荡然无存。现代工业设计要中国传统工艺美术的抛弃，整天跟着西方的屁股跑，也是没有出路的。而且，随着国外的设计兴国的战略而来的不单单是市场上出售的设计产品还有他们民族的文化内涵，这些文化正通过我们对他们产品的使用而深深的影响着我们的生活，甚至正在冲淡我们中国传统工艺美术文明传承。这难道不足以让我们在先人的灵位前感到羞愧吗？
因此将中国传统工艺美术文明融入现代设计，创造出我们自己的工业设计文化以推动和延续中华文化是十分必要的。否则，中华民族将失去引以为傲的五千年文化，届时我们又将凭借什么立于世界之林？又有何面目自陈我们是炎黄子孙、龙的传人？
因此，作为设计师必须善于抓住可以用于现代工业设计的精髓，融会贯通。而要想抓住传统元素的精髓，则需要不断的学习和在生活中的体会了。这一点，我觉得我们国家的教育方式以及应试教育的本质对于下一代关于传统设计元素的学习和引导很不利。
将中华传统设计元素融入现代产品设计并不是简单的在产品表面绘制有中国传统特色的图案就可以了事的，文化在产品中的融入应该是一种精神文明和文化情感的融入，并且以产品本身为载体自然而然的表现出来，传达出产品所承载的文化内涵，这也正是产品在经济价值、审美价值之上的第三种价值——精神价值的体现。
结论
将中国传统工艺美术中的设计元素融入到现代产品的设计中不单单是提升产品价值促进中国产品走向世界的催化剂，更是继承和发扬中华文化的必经之路。倘若，我们没能重视起我们的博大精深的中国传统工艺美术中的设计元素，在设计上始终处于对西方的模仿甚至照搬上，那么我们的工业设计事业将永远落后于世界，我们的文化也很有可能在世界文化的冲击下所消逝，到那时，我们留给后人的只能是五千年的忧伤。
参考文献
1 杭间/何洁/靳埭强 主编 岁寒三友：中国传统图形与现代视觉设计[M] 山东画报出版社2005
2 林毓生 著 中国传统的创造性转化 [M] 三联书社 1997
室内设计毕业论文致谢一：
本论文的顺利完成，也离不开其他各位老师、同学和朋友的关心和帮助。刘文金老师、唐立华老师、孙德林老师、张响三老师、夏岚老师、李赐生老师、李克忠老师、李敏秀老师、刘文海老师、郝景新老师、肖德荣老师、黄亚楠老师等等老师都对论文的修改都给予了许多宝贵的建议，在日常生活各个方面给予无私的关心与帮助，在此表示由衷的感谢。
感谢益阳小郁研究所、湖南工艺美术职业学院的老师以及领导的亲切关怀，特别感谢益阳小郁竹艺法定传承人危禄绵先生与工艺美术大师刘宗凡老先生对论文提供的指导意见以及研宄场所与实验器材，同时感谢熊志明先生在我学习制作小郁竹家具时的谆谆教导，感谢黄耀辉老师提供的摄影帮助。
感谢同窗好友金燕红、姚文亮、刘科、陶振平、杜洪泰、彭娟、谭任等同学的帮助和支持。
感谢同室好友郝睿敏、王薇在生活中的关心和帮助。
感谢胡斌在论文着述期间给予的极大精神鼓励，感谢你生活中的照顾与关心，感谢你一路的陪伴。
特别感谢我的父母、姐姐给予的莫大鼓励和支持，在求学道路上无论遇到坎坷还是波折，都是家人的关爱给了我战胜困难的勇气，他们的理解和支持才让我站在今天的人生舞台上。为此，向我的父母家人表示诚挚的感谢。
最后，特别感谢我的父母对我的关怀与支持，你们为我分担了许多后顾之忧，在默默地奉献之余给我最大的支持和鼓励。
室内设计毕业论文致谢二：
时光飞逝，硕士研究生的学习即将接近尾声，在这三年中，经历了，也成长了。回首这三年，我得到很多人的关心和帮助，谢谢你们三年的陪伴，这份情谊我将永留心里。
首先，要衷心感谢我的导师刘文金教授和唐立华教授。本论文从选题到论文思路的确定以及最终撰写与定稿，得到了两位老师的悉心指导和严格要求，倾注了两位老师大量的心血。在我读研期间，深深受益于刘老师和唐老师的关心、爱护和淳淳教导。两位老师诲人不倦的师表作风、孜孜不倦的治学、敬业态度以及对专业、行业深入且独到的见解使我受益匪浅，也将终身受益。
同时，要感谢邵阳“翻簧竹刻”老艺人杨屹楼先生和黄山市某竹工艺品加工厂的领导及工人师傅们对于本论文的大力支持与帮助，还要感谢孙德林教授、李克忠教授、戴向东教授、张响三副教授、李敏秀副教授、李赐生教授、张仲凤副教授等，他们的教导使我受益非浅，在此一并表达我的谢意。
感谢与我一起并肩走过的201x级硕士4班的全体同学，也感谢同门师兄弟姐妹三年来的陪伴与支持。
三年来，身边的人来来往往，然而友谊一直没变。感谢大师兄周雪冰以及嫂子郭燕学妹，感谢二师兄陈新义，从我入学之前到现在即将毕业以来，一直给予的帮助与支持。感谢家具与室内设计工程专业的十个同学，杜洪泰、张瑶、陶正平、刘科、郝睿敏、王薇、谭任、彭娟和姚文亮，三年来我们一起学习、一起进步。感谢我的室友刘欢以及邻居柳思坤。感谢大家一直以来的关心与支持。
室内设计毕业论文致谢三：
人生有很多东西无法留住，我们希望能永远陪伴，然而时光荏苒，岁月不会为我们而停留，但我们应该为爱的人停下脚步，比起那些回不去的日子，更值得珍视的是能和他们在一起的时光。三年的硕士研宄生时光即将结束，我会倍加珍惜每次在一起的机会，铭记这段旅程中伴随我成长那些人，感谢给了我指引和帮助的老师、朋友。
首先，我要衷心感谢导师孙德林教授。他为人谦和热情，治学严谨细心，论文的顺利完成与孙老师悉心指导和他的严格要求是分不开的。从论文的选题方向、论文框架等大的环节到论文的语法、措辞等细节始终都认真负责地给予我深刻而细致的指导，帮我拓宽思路，完善细节。在三年学习过程中，孙老师不仅传授了我大量关于研宄方法、学术思维等专业方面的知识，更是在平日言行中教会了许多为人的道理。这一切都都使我获益匪浅，并会终生受益。
其次，还要感谢郝景新老师、郝晓峰以及陈新义等老师在我论文完成过程给予专业方面的指导和帮助。感谢学院造型实验室吕老师，给予我试件制作方面的指导。感谢实验室杨万全师傅、叶太强师傅对我试件制作的帮助。
同时，我还要感谢王薇、曾蔚霞、谭任、金燕红、刘科、杜洪泰等同学在我学习和工作中的帮助与支持，感谢张瑶、郝睿敏等同学为我熬粥、做菜、洗衣服，给与了我生活上莫大的帮助与关心；另外，还要感谢陈勇、蒋成、王佩琳、刘明辉等师弟师妹在我研究生期间的陪伴，这份情谊我将永远铭记。
最后，我要感谢我的父母对我读研期间的关怀，有你们的支持与鼓励我将更有信心来面对未来。
室内设计毕业论文致谢一：
本论文的顺利完成，也离不开其他各位老师、同学和朋友的关心和帮助。刘文金老师、唐立华老师、孙德林老师、张响三老师、夏岚老师、李赐生老师、李克忠老师、李敏秀老师、刘文海老师、郝景新老师、肖德荣老师、黄亚楠老师等等老师都对论文的修改都给予了许多宝贵的建议，在日常生活各个方面给予无私的关心与帮助，在此表示由衷的感谢。
感谢益阳小郁研究所、湖南工艺美术职业学院的老师以及领导的亲切关怀，特别感谢益阳小郁竹艺法定传承人危禄绵先生与工艺美术大师刘宗凡老先生对论文提供的指导意见以及研宄场所与实验器材，同时感谢熊志明先生在我学习制作小郁竹家具时的谆谆教导，感谢黄耀辉老师提供的摄影帮助。
感谢同窗好友金燕红、姚文亮、刘科、陶振平、杜洪泰、彭娟、谭任等同学的帮助和支持。
感谢同室好友郝睿敏、王薇在生活中的关心和帮助。
感谢胡斌在论文着述期间给予的极大精神鼓励，感谢你生活中的照顾与关心，感谢你一路的陪伴。
特别感谢我的父母、姐姐给予的莫大鼓励和支持，在求学道路上无论遇到坎坷还是波折，都是家人的关爱给了我战胜困难的勇气，他们的理解和支持才让我站在今天的人生舞台上。为此，向我的父母家人表示诚挚的感谢。
最后，特别感谢我的父母对我的关怀与支持，你们为我分担了许多后顾之忧，在默默地奉献之余给我最大的支持和鼓励。
室内设计毕业论文致谢二：
时光飞逝，硕士研究生的学习即将接近尾声，在这三年中，经历了，也成长了。回首这三年，我得到很多人的关心和帮助，谢谢你们三年的陪伴，这份情谊我将永留心里。
首先，要衷心感谢我的导师刘文金教授和唐立华教授。本论文从选题到论文思路的确定以及最终撰写与定稿，得到了两位老师的悉心指导和严格要求，倾注了两位老师大量的心血。在我读研期间，深深受益于刘老师和唐老师的关心、爱护和淳淳教导。两位老师诲人不倦的师表作风、孜孜不倦的治学、敬业态度以及对专业、行业深入且独到的见解使我受益匪浅，也将终身受益。
同时，要感谢邵阳“翻簧竹刻”老艺人杨屹楼先生和黄山市某竹工艺品加工厂的领导及工人师傅们对于本论文的大力支持与帮助，还要感谢孙德林教授、李克忠教授、戴向东教授、张响三副教授、李敏秀副教授、李赐生教授、张仲凤副教授等，他们的教导使我受益非浅，在此一并表达我的谢意。
感谢与我一起并肩走过的201x级硕士4班的全体同学，也感谢同门师兄弟姐妹三年来的陪伴与支持。
三年来，身边的人来来往往，然而友谊一直没变。感谢大师兄周雪冰以及嫂子郭燕学妹，感谢二师兄陈新义，从我入学之前到现在即将毕业以来，一直给予的帮助与支持。感谢家具与室内设计工程专业的十个同学，杜洪泰、张瑶、陶正平、刘科、郝睿敏、王薇、谭任、彭娟和姚文亮，三年来我们一起学习、一起进步。感谢我的室友刘欢以及邻居柳思坤。感谢大家一直以来的关心与支持。
室内设计毕业论文致谢三：
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首先，我要衷心感谢导师孙德林教授。他为人谦和热情，治学严谨细心，论文的顺利完成与孙老师悉心指导和他的严格要求是分不开的。从论文的选题方向、论文框架等大的环节到论文的语法、措辞等细节始终都认真负责地给予我深刻而细致的指导，帮我拓宽思路，完善细节。在三年学习过程中，孙老师不仅传授了我大量关于研宄方法、学术思维等专业方面的知识，更是在平日言行中教会了许多为人的道理。这一切都都使我获益匪浅，并会终生受益。
其次，还要感谢郝景新老师、郝晓峰以及陈新义等老师在我论文完成过程给予专业方面的指导和帮助。感谢学院造型实验室吕老师，给予我试件制作方面的指导。感谢实验室杨万全师傅、叶太强师傅对我试件制作的帮助。
同时，我还要感谢王薇、曾蔚霞、谭任、金燕红、刘科、杜洪泰等同学在我学习和工作中的帮助与支持，感谢张瑶、郝睿敏等同学为我熬粥、做菜、洗衣服，给与了我生活上莫大的帮助与关心；另外，还要感谢陈勇、蒋成、王佩琳、刘明辉等师弟师妹在我研究生期间的陪伴，这份情谊我将永远铭记。
最后，我要感谢我的父母对我读研期间的关怀，有你们的支持与鼓励我将更有信心来面对未来。
当前，一些高校正在开展关于艺术课程构建的相关研究，发展和完善少数民族地区高校的艺术教育，已经成为其中一项重要任务。在众多高校师生创作的艺术作品中，少数民族艺术研究成果或展示也逐渐占据一席之位。高校艺术教育开发利用本土民族艺术资源如何使教学和传承民族文化方面获益，让少数民族艺术获得更好的传承和创新？为此，记者采访了在高校长期从事少数民族艺术教育的专家和学者。
少数民族艺术走进课堂面临的困难
文化艺术是民族的重要特征，少数民族文化是中华文化的重要组成部分。在长期的历史发展中，祖国内地的文化传播到边疆，边疆的民族文化也传播到内地，在互相影响、互相渗透、互相交融中促进了中华文化的繁荣与发展。
教育部《普通高等学校本科专业目录（2012年）》颁布实施以来，美术学类下设美术学、绘画、雕塑、摄影；设计学类下设、艺术设计学、视觉传达设计、环境设计、产品设计、服装与服饰设计、公共艺术、工艺美术、数字媒体艺术等。通过对专业目录及专业核心课、专业主干课的解读，贵州工程应用技术学院艺术学院教授杨洪文没有发现有关于少数民族美术的相关表述。少数民族艺术作为一个专业课程系统或者是一个专业方向，安排或挂靠在相应的哪一个专业中都没有相关依据。在课程设置中，30%多的公共课程是不能删减的，30%的专业基础课及专业主干课、25%左右的实践课程是硬性规定的，一学期的专业实习是必须进行的，能自由支配的时间和空间就所剩无几了。
少数民族艺术在本科段美术学类、艺术设计类专业中缺乏最基本的生存空间。近年来，民间美术文化和民间美术工艺传承断代的情况不断恶化，政府和民间的挖掘发展力度也在加强。针对以上问题，作为地方综合高校，应在专业拓展课或专业选修课中安排相应的民间美术课程。一方面是对课程体系的补充，另一方面也是对地方民间美术的传承与发展做一些力所能及的事，这也是地方高校的历史使命。杨洪文认为，民间美术课程性质不仅仅是一种技能训练，应该是在大美术背景下的素质教育、人文教育和情感教育。在民间美术课程建设方面，紧扣应用型、技术技能型人才培养目标，进行分阶段、分层次教学设计，在艺术实践的基础上适量加入一些田野调查教学活动。突出地域性与民族性特点的教学理念，致力于培养全方位精通民俗文化，对民间美术能鉴赏、能进行新的民间艺术作品创作，同时具有一定理论研究水平应用型美术人才。
作为从事新疆文化艺术史研究及自治区重点学科美术学，新疆民族民间美术等课程教学和研究的带头人，新疆艺术学院教授左红卫对少数民族艺术的学科建设有深刻的认识和理解。当前，国家十分重视少数民族文化艺术发展和繁荣，各高校都加强了艺术类学科建设，新疆艺术学院、新疆师范大学等高校都开设有少数民族艺术课程，如新疆艺术学院音乐学院开设了新疆少数民族音乐研究、木卡姆与麦西来甫研究、新疆少数民族音乐教育、新疆当代音乐创作研究；舞蹈学开设了新疆舞蹈史研究、新疆民族民间舞蹈教学与文化研究、新疆民族民间舞蹈编创研究；美术学开设了新疆石窟艺术研究、新疆民族民间美术研究、新疆当代美术研究等，对传承和保护少数民族优秀文化艺术发挥了重要作用。然而，目前少数民族艺术的课程建设还存在一些问题，形不成合力，发挥不了整体优势；学科带头人年龄老化，后继乏人，一些带头人各方面还不成熟，较难担此重任。表现为：1.高层次人才缺乏。缺少特色专业教师。新疆民族民间美术后备力量的师资及科研力量还有待进一步加强。初步拟定的科研攻关项目和建设的院级科研创新团队，还需要进一步加大建设力度。2.在国内外参加学术交流的机会较少，缺少相关的信息与交流，对于国内外工艺美术发展的整体情况缺少了解和考察。3.科研成果转化难。美术核心期刊较少，刊发文章难度较大，难以实现科研成果快速高质量的转化。
对少数民族艺术资源在课堂教学中开发利用得不够和师资力量的匮乏是困扰少数民族艺术课程建设的重要问题。哈尔滨师范大学音乐学院副教授刘永武长期从事对达斡尔、赫哲、鄂伦春等黑龙江少数民族艺术文化的研究，在日常的教学和田野采风过程中，他认为应加大对少数民族艺术的挖掘力度并形成课程资源，需要培养深谙少数民族艺术文化的师资力量并愿意为少数民族文化牺牲自己的宝贵时间和精力。
尝试新的教学方式和方法，寻找课程建设新模式
高校艺术教育在提高少数民族文化素质、推动民族文化创新、培养少数民族艺术人才方面具有不可替代的重要作用。左红卫教授说，第一是注重学科建设与人才培养相辅相成并重发展。要将少数民族民间美术、舞蹈等纳入到高校学科建设。虽然对民族艺术传承保护的成果表现在开设课程、数据库建设、教学实践、课题研究等多方面，但缺乏高校与社会、家庭、个人（传承人）之间立体的保护性互动体系。如新疆，要将新疆民间工艺纳入到艺术学科发展视野中，以民族非物质文化作为切入点来整合其他学科并建构有特色的学科发展体系，是当前新疆非物质文化遗产在高校的保护和传承的首要任务。以新疆艺术学院为例，2002年，新疆艺术学院民族民间美术研究所成立，这是新疆高校较早涉足非文化遗产研究与保护的教学、科研机构。随后，相继成立新疆土陶试验室、民间扎染工艺工作室、新疆民间图案创作室等，开设了玉石雕刻专业，将新疆各民族民间美术进行深入系统的理论分析与探研，推动了新疆民族民间美术的传承与发展。该所属新疆艺术学院美术系，是新疆非物质文化遗产保护重要的研究基地。研究工作包括两个方面：一是对新疆民族民间美术本体特征的理论性研究；二是对民间美术的开发及实践教学应用研究。将多种形式的民间美术融入到美术教学和校园文化建设中。在新疆民族民间美术研究领域取得了一批突破性成果。该研究所老一辈专家主持、参与设计了一批具有民族地域特色的新疆乌鲁木齐市二道桥国际大巴扎，新疆艺术学院教授李安宁任该整体建筑的艺术总监，副教授塔西・甫拉提参与新疆伊斯兰经学院的建筑装饰设计。多位从事民间工艺的专家参与新疆多项富于民族特色的地毯图案及刺绣图案设计、花布印染和扎染设计，为新疆民间工艺的传播与再生产做出了重要贡献。
第二是加强传承人的培养和保护。地方高校要把民间艺人的培养和抢救性保护作为主攻方向，建立生产性、工艺性数据库。民间艺人大多依靠祖传技艺，以自身的力量在生产和经营，产品研发方面缺少专业指导、缺少资金扶植、缺少市场预测和把握，缺少技术扶植。高校要以产品设计创意、创新、审美素养提高提供智力和技术支持为切入点，与民间艺人及地方政府和社会团体互动合作实现生产性保护。近年来，新疆艺术学院与新疆木垒县积极展开合作，举办的刺绣培训班，主要针对产品设计、版式创新进行集中培训。比如新疆妇女刺绣骨干培训班，把原来家庭作坊式的手工生产向规模化、品牌化、产业化迈进了一步。从新疆艺术学院对民间工艺美术人才培养可以看出，地方高校在举办定期或者不定期的民间美术培训班，可以充分利用大学的智力资源优势，加强民间工艺美术人才的培养。
第三是加强民间工艺美术文化传承人才基地建设。全国各地艺术院校以特色文化为依托，不断探索特色办学，而民间工艺美术便是重要内容之一，在这一办学理念下，培养了一批民间工艺美术传承人才。近年来，新疆艺术学院美术系根据地区文化资源优势，从开发和利用新疆地区的民间美术及文化资源入手，积极开展教学改革研究和教改实验。民族文化艺术的丰富内涵深化了高校的学科体系建设。新疆艺术学院将“新疆民族民间美术课程”，积极组织学生开展新疆地区民间美术实践考察活动。还开设“新疆土陶实践教学”“民族装饰”“新疆民间图案手绘”“纺织印染”“毕业论文与创作、设计”“民族土陶”“玉石雕刻”等实践教学，使得新疆民间工艺教学初步形成从理论研究、实践教学到校外实习的课程体系。
第四是加强再生产实验基地建设。高校拥有丰富的资源，地方高校最接近民间，也直接服务地方发展。特别是文化艺术类高校和艺术专业在各地都发挥着繁荣文化艺术的重要作用。校内独自设立研究机构、重点研究基地、实验室等，拥有丰富的智力资源和知识财富，具有强大的研究能力和人才优势，有良好的学术梯队，这为民间工艺美术再生产提供了重要的智力支持和实验基地。目前，必须加快民间工艺美术再生产实验基地建设，从工艺流程和制作等各个环节进行实验、研究和保护。如新疆艺术学院土陶实验室、民间印染实验室等对民间工艺品的生产和开发进行不断的实验和设计，推动民间工艺的传承保护和创新。
第五是加强艺术陈列室建设和数据库建设。如搜集了印染花布、土陶、民族小刀、帕拉孜编织、民间刺绣、民族花帽等多种民间工艺品。数据库建设。2005年前后，开展新疆民间美术研究的田野调查与资料收集工作，2011年开始建设重点学科课题《新疆民族民间美术数据库建设》，已经基本建成体系，力图运用文字、图片和影像资料对新疆各种民间手工艺进行工艺流程的记录、整理，以推动新疆民间工艺再生产保护的进程。
作为西南边陲少数民族艺术学科建设的学院派代表，目前，贵州工程应用技术学院艺术学院在美术学和艺术设计专业中主要开设了黔西北民间美术概论和黔西北民间美术等课程，黔西北民间美术概论属于理论课，也是学院使用的校本教材。教材内容紧扣黔西北民间美术研究，在对黔西北民间美术的研究中产生认识，形成理论。黔西北民间美术主要属于技能课，黔西北民间美术又是一个“框”，只要是黔西北优秀的民间美术样式，同时又具备开课的条件，都往黔西北民间美术这个“框”里装，使得这门课程具有一定的灵活性和主动性。目前开设的课程有大方漆器、漆艺、黔西北民族蜡染工艺、民间绘画、黔西北陶艺工艺、黔西北民族服饰等。师资来源主要是聘请当地的民间艺人、民间工艺美术大师、民间美术传承人等作为授课教师。一方面解决了师资问题，另一方面也为民间艺术家搭建施展技艺的平台。
哈尔滨师范大学音乐学院也注重请民间艺人走进课堂。少数民族艺术人才的培养实行“请进来，走出去”的教学模式，学生要深入当地采风，收集整理第一手资料；邀请老艺人或文化传承人进课堂，加强课堂的实际教学能力。对少数民族地区招收的学生要实行动态生成性的教学策略，要从文化课以及实际学习能力上给予照顾和充分考虑。
探索理想化的课程建设，促进少数民族艺术的保护与传承
少数民族艺术的课程建设目前还没有一个完整的系统化的教学体系，这对教学目标的设定和完成造成了一定的困难。少数民族艺术课程的建设应该达到什么高度才算是理想化的状态，如何达到这一高度？
近10年来，随着自己钟情于地方少数民族题材（乡土题材）创作的深入，杨洪文教授愈发感觉到自己的作品不管是在创作内容上，还是表现形式上都显得空洞与乏味，究其原因就是对地方民族文化缺乏比较深入的了解和感悟，没有能使所表现对象的民族文化、所创作的作品以及自己的情感达到一种有机契合，导致创作的作品仅仅是一种少数民族生活状态表面的呈现而缺乏一种民族文化内涵的支撑，无法直击民族文化的根脉，无法激荡观者的灵魂。因此，在不断调整创作状态和创作心绪的同时，逐渐涉入到承载民族文化的地方少数民族艺术的研究上来。少数民族艺术学科范畴内的民间美术，作为一种民族文化的视觉符号，具有丰富的文化内涵。它除了自身的艺术价值之外，还具有社会功能、文化功能、实用功能、审美功能和教育功能等，其中很多有价值的功用直到现在仍然适用，成为与现代文化并行不悖和可供溯源的精神资源。随着社会经济的不断发展，民间美术生存的空间越来越窄，大多处于边缘地带甚至逐渐消失。作为高校特别是地方高校，应担当起地方文化传承的使命，担负起救艺（民间美术技艺）、救人（民间美术传承人）、救学科的重任，加强与地方政府和文化产业的合作与攻关，搭建起人才培养、传承创新、市场互通立交桥，使民间美术在社会环境和大美术背景中形成自身的文化生态。
杨洪文教授所在学院的美术学和艺术设计专业毕业生大部分投身到贵州省社会经济文化建设中。有相当一部分毕业生充实到中小学美术师资队伍中。通过民间艺术家进校园传授民间美术技艺，再通过毕业生进行二次教育和传播，形成了民间、校园再到民间的传播形式，使民间美术在广度和深度上得到发展，从而达到拯救民间美术的目的。还有部分艺术设计专业的学生通过对民间美术的学习，毕业后也许还会以民间美术为业，开发民间艺术，使其转化为旅游商品，这样使民间艺术在一定程度上得到传承与创新。
院(系)名称: XXX学院 专 业: 工业设计(艺术类)
学生姓名: X X X
学 号: XXXXXXXXX
指导教师: XXXX
20xx年 X月 X日
《运用废旧材料制造的灯具产品设计》开题报告
报告日期 设计（论文）起止时间 20xx/X/X 20xx年X月x日至X月X日（共14周）
（一）课题背景、意义及实际应用方面的价值
灯具这一产品为人们的日常生活与工作提供了方便，没有哪个产品能像灯具一样与人们的日常生活如此的紧密联系，国内灯具的设计与发展，与经济和科技的发展有着一定的内在联系。在生活水平相对低下的时期，消费者对灯具关注点主要集中在灯具的照明功能上，随着生活水平的提高，物质生活越来越丰裕，消费者对灯具的需求已经从单纯的照明功能向深层次的精神文化层面发展。灯具除了为人类带来光明的同时，也丰富了人们的精神与文化生活。灯具的设计不光为人们提供一个很好的视觉光照环境，而且能够运用多种材料及不同的形态实现艺术化的效果。
绿色设计是工业设计概念中的重要设计理念，是指在产品及其寿命周期全过程的设计中，要充分考虑对资源和环境的影响，在充分考虑产品的功能、质量、开发周期和成本的同时，更要优化各种相关因素，使产品及其制造过程中对环境的总体负影响减到最小，使产品的各项指标符合绿色环保的要求。设计中的绿色设计的体现一方面就是对废旧材料的再利用，废旧材料是指每个家庭在日常生活中必要的或常用的可再生的安全又卫生的废品，诸如废旧的建筑装饰材料、废旧的塑料瓶、包装盒，大多数的情况下这些废旧材料会被当做垃圾处理掉，其实，每一种废旧材料对设计来说，都具有人们意想不到的价值。本次设计的主题就是运用废旧材料进行灯具产品的设计。本课题的研究将获得一些应用性的结论或许可以为灯具企业提供借鉴，有助于家庭和企业更有效地推出真正符合绿色设计要求的让用户满意的产品，提高产品在市场上的竞争力。同时也进而提高人们的生活质量，使灯具成为环境中烘托气氛的有力手段。
(二) 课题在国内外的设计现状
国外灯具的设计与发展，与经济和科技的发展有着一定的内在联系。消费者对富有情趣、个性、文化内涵灯具的需求呈现出上升趋势，伴随着现代照明技术和新材料、新工艺的发展，以及对各种照明原理及使用环境的深入研究，灯具的环境表现力和独特艺术魅力得到极大丰富。灯具设计在中国内近几年的发展中取得了较大的进步，现在市场上的灯具产品与过去比较在形态上变得更为丰富，不同风格、色彩、造型、材料的灯具大量涌现。可以看出当今社会对灯具产品的设计较为关注。但在设计中考虑废旧材料的应用，并以此为主题的灯具产品一直处在都是市场空白状态，本课题的研究正是在此基础上提出并展开的。
（三）课题设计的内容及拟采取的方法
设计出适合家居环境使用的灯具，进行一套完整的工业产品的设计过程，对废旧材料进行整理分类并从中选择适合进行灯具设计的材料，进行设计前的调研（方法有询问法、观察法、收集资料法、家访调查等），对调研内容进行分析总结，进行设计定位，围绕废旧材料进行灯具设计的功能、结构、形态、人机工程学、色彩、加工工艺等设计的诸多因素方面进行设计思考，提出创意设计方案，绘制草图，评估完善优化设计方案，定稿，确定尺寸，进行计算机效果图制作，制作展板和实物模型。设计作品应具有创意性和新颖性；符合现代审美趋势以及具备市场价值；符合绿色设计和环保设计要求；具有安全性和舒适性。
为了完成本次设计，将整个设计内容分为以下几个步骤：
1、设计准备和设计调研：首先了解废旧物品的涵义内容实质，掌握绿色设计的核心理论，对灯具设计相关理论知识进行搜集，对灯具市场进行调研
2、设计定位：在调研的基础上，选择适合的废旧物品材料，明确灯具的用途和使用环境，确定废旧物品灯具的设计方向
3、方案设计：从设计草图着手，设计内容主要包括：废旧物品材料的加工成型工艺，灯具的外观形态设计、色彩设计，确定灯具的设计主题，表现元素，绘制草图方案。
4、方案评价及深入设计：包括对方案的设计评价以及通过评价后，进行改进设计。
5、设计分析：对最终方案的结构、材质、色彩、工艺等方面进行深入分析。
6、设计实现：完成废旧物品灯具设计的效果图表现及模型的制作。
7、设计完成：最终完成毕业论文，并达到毕业设计的要求。
（四）课题设计的计划安排
时间阶段
第一周 第二周 第三周 第四周 第五周 第六周
计 划 完 成 内 容
拟定课题 进行开题准备 撰写开题报告及相关材料 毕业设计市场调研，查阅资料 毕业设计调研总结，进行设计定位 毕业设计产品构思，草图绘制
第七周 第八周 第九周 第十周 第十一周 第十二周 第十三周 第十四周
设计方案优化，进行计算机建模、渲染 设计效果图出图，制作展板，绘制尺寸图 毕业设计模型制作（成型） 毕业设计模型制作（表面处理、喷漆） 毕业设计论文（说明书）写作 毕业设计论文（说明书）写作 毕业设计论文（说明书）整理修改 毕业设计材料整理，准备答辩
（五）主要参考资料、文献
1．高丰、孙建君．中国灯具简史．北京：北京工艺美术出版社，2007
2．孙建君、高丰．古代灯具．济南：山东科学技术出版社，2001
3．Bentley Meeker, Light X Design: 20 Years of Lighting． Glitterati． English，2011
4．何人可． 工业设计史． 北京：北京理工大学出版社，1991
5．程能林．产品造型材料与工艺．北京：北京理工大学出版社，2001
6．王亦敏．灯饰设计．天津：天津大学出版社，2004
7．李福生、陈育明．住宅照明．上海：复旦大学出版社，2004
8．辛华泉．形态构成学．杭州：中国美术学院出版社，2009
【关键词】情感；艺术符号；形式意味
前 言
最近阅艺术设计专业学生写的有关装饰画的论文，其中涉及到装饰画的定义时很多学生写到：“装饰画是一种起源于战国时期的帛画艺术，并不强调很高的艺术性，但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。”我感到非常奇怪，询问学生这一定义从何而来，答曰：“百度词库。”上百度网查询，果真如此！说装饰画“不强调很高的艺术性”，这本来就是一个很荒唐的误会，却得到设计本科毕业生的肯定并引用至其毕业论文中，让我不得不反思当前我们的装饰画教学是否给了学生恰当的引导，学生是否真的理解什么是装饰画，装饰画的创作意义是什么。
装饰画是人类最古老的艺术表现形式之一，无论是阿尔塔米拉洞窟壁画，还是中国敦煌的佛教壁画，抑或是那文纳教堂的查里曼大帝镶嵌画——这些艺术作品在艺术史上都是不可替代的，具有划时代意义。可见，装饰画在一定的历史时期有着多么重要的社会功用。当然,今天装饰画的传达意义的功能已让位给了各种媒体，但是其“饰”的目的却有更多的延伸，也就是说装饰画不仅是用于“装饰”，更在于美的时代体现。
一、装饰画是视觉智慧的结晶
装饰,按《古代汉语词典》释为：装，藏也，饰，美化。装饰乃是按一定的目的而做的美化修饰。装饰画不过是用装饰语言将美的形式和情感呈现在平面上的一种绘画形式。装饰画相对于写实绘画而言有自己的独特的艺术语言，写实绘画多是拘泥一个特定的时空，用光影、色彩、透视等手段呈现一个幻象空间，而在装饰画是在多元的时空中以意象造型和抽象美的形式来表现世界，以多种材料技术相符合的表现手段来传达对美的感悟。
在语言交流和信息传播不发达的古代社会，装饰画因多用于教堂、寺观等公共场所的装饰中，因此它不只是起着美化修饰的作用，还承载着教化、宣讲的社会功用。装饰画的特殊性在于需兼顾一定的实用性，从而使其绘者的个性表现相对减弱，但是完全不妨碍装饰画在“饰”的同时表达绘者对世界的丰富感知：克里木特的装饰画用华丽的色彩,写实的造型和名贵的金属材料镶嵌技法来表达对死与生、尊严和堕落等严肃的人生问题的思考；马蒂斯为汶思教堂所做的彩色玻璃装饰画，使用了剪纸的洗练的造型，不仅达到纯粹的视觉愉悦和简括造型的回归，又是对传统描述性表达的全面反叛——可见装饰画的美不仅在于视觉愉悦，更重要的是创造时代美学的体现，这是需要很高的智慧去创造的艺术，决不是“并不强调很高的艺术性，只强调与装饰环境协调的艺术”。因此,我们在教学中不应片面强调装饰画的装饰作用，更应引导学生用装饰语言去表达观念和精神，去创造有视觉智慧的艺术作品。
二、当代装饰画教学的误区
1.装饰造型来源过于概念化和单一。
写生-变形\变色-归纳通常是学习装饰画造型的基础训练。这一方法是我国工艺美术教育家庞薰琹等前辈在20世纪40年代提出来的教学方法。总结出这样行之有效的装饰教学方法是源于先辈们在西方留学时，受到19世纪末20世纪初的工艺美术运动和新艺术运动中自然主义的影响：装饰造型的动机基本来源于自然形态，特别是动物和植物的形态，在装饰造型上突出表现曲线和有机形。所以装饰造型的训练往往从写生开始，经过归纳、整理自然形态，再到对物象的主观变形，来达到传达绘者美的体验过程。从当代艺术创作手法来说，这只是装饰画造型的手段之一。但是很遗憾，我们今天大部分的装饰画教材不仅照搬这一传统，甚至还从这一传统出法，延伸出极为死板的造型方法，比如平面化、拉长变形、添加图案法、剪形法等等，使丰富的装饰造型语言变的极为程式化和死板，这也让很多同学产生了认识上的误区：认为装饰画的具象表达必须是经过夸张、变形、平面化处理的自然形态，甚至将图案装饰和装饰画混为一谈。其实，装饰画的造型来源极为宽泛，不仅从自然写生变化而来，还可以从已成为艺术符号的图像、图形中来。实际上，当代装饰画创作的资源已由“自然”转换为“图像”资源。现代画家通过提炼、分解、重构等手段对图像符号的间接或直接的使用也是现代装饰画的创作重要手法。安迪.沃霍尔以超市里各种消费品的商品形象、明星照片为造型资源，以丝网的重复印制为手段创作一系列的波普艺术作品，极富有现代装饰性。美国艺术家基恩.哈林在纽约地铁创作的一系列壁画，采用涂鸦的方式，将具有非洲风格的图案符号和现代标识符号相结合，创作具有强烈风格化的装饰画。可见当代装饰画造型的来源，不只是局限于第一自然的。装饰画的造型来源更应该顺应变化，表现当代社会的生活状态和审美关照。
2.装饰画的表现形式等同于构成形式
当前装饰画教材编写的普遍模式是：造型来源从写生开始，造型手段强调平面化的造型方法，或是从传统图式中截取造型原素，再导入到现代的平面构成形式中。这种教学方法不能不说是一条创作装饰画的捷径，但却是弊端显见的方法，首先将极具艺术表达力的装饰形式简单化。虽然平面构成的学习，能让学生在单纯的构形基础上快速领悟形式的美感，但平面构成的形式规律是基于普遍视觉感受规律的总结，是抛弃了图形符号语义的纯形式感觉的研究，平面构成的形式规律是不能完代替装饰画的构成形式的。装饰画的形式不仅是需要形式的美感，更应是一种“有意味的形式”。很遗憾，目前很多的装饰画教材中一提到形式构成，就是完全移植平面构成的形式规律，导致学生作品形式雷同、单调，装饰语言和装饰形式之间缺少联系。其次，注重形式强化训练的结果是装饰画的符号语义被舍去，忽略了装饰画独有的精神表达和形式之间的紧密联系。我们很多学生的作品徒有形式构成，而无精神内涵。装饰画是人们对世界的一种再创造，既然是一种创造就应该表现出各自的对世界的认知和评判、选择与构建。其形式构成语言不仅是复杂的形式组合，而更应是注入了当代人的情感形式。实际上，我们的教学误区在于过分强调方法，而疏于装饰情感的表现培养。
结 语
正如设计教育的先驱约翰内斯.伊顿所说“在艺术表现方法的教学方面最根本的是唤起具有不同气质、才能的学生富于个性的反应。”真正意义的装饰画是拒绝单一、机械程式不变的概念化倾向，它强调的是艺术中的创造性，而非毫无个性的矫饰之风。我们装饰画教学应以美化修饰为基点，大力拓展学生对现代装饰语境的把握和对时代美学的表达。
【参考文献】
[1] 约翰内斯.伊顿 .设计与形态[M]. 上海:上海人民美术出版社, 1996.8.
[2]罗伯特.休斯著，刘萍君译.新艺术的震撼[M].上海:上海人民美术出版社, 1997.8.
关键词：高师美术教育培养目标教师教育教学过程
近年来，高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下，其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统，面向市场设置应用型艺术设计专业，形成一种办学模式多元化的强劲态势。
同时，在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下，教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。
一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔?桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
一般认为，美术是一种造型艺术或视觉艺术，它运用一定的物质材料如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉艺术形象。但是，随着信息技术的高度发展，人们关于美术作品的感知方式越来越技术化了。上世纪90年代后，数字化的印刷、摄影技术高度成熟，大幅广告、精美照片、时尚杂志、网络世界、数码影像等，凡是能够吸引眼球的功能都被商家广为采用，以致导致人们普遍的审美疲劳。而关于美术创作的经典手法，也被数字化时代颠覆了。以前，从设计到完成一幅作品需要花费很长时间，而且对手绘技术要求很高。现在，人们用电脑进行美术创作，摆脱了铅笔纸张、直尺圆规、颜料调色盒等绘画工具限制。即使是一个没有受过专业美术训练的人，只要使用Photshop等普通绘图软件，也可以制作出令人满意的图片来。不仅如此，数字时代还促生了以美术学为基础的创意产业，尤其是广播、电视、动漫、环境、设计、广告等新兴产业的迅速成长，对高校美术教育形成了强大的拉动。为适应这一需求，许多高师类院校都开设了基于信息技术的艺术设计专业。比较典型的有；动漫设计与制作专业，主要培养能在电影、电视等媒体的制作岗位上从事三维动画创意及制作等方面的专业技能型人才；图形图像制作专业，主要培养能在电影、电视、广告、新传媒等媒体的制作岗位上从事后期合成、电脑剪辑、特效制作以及影视作品技术处理的专业技能型人才；游戏动画设计专业，主要培养能够在游戏制作领域胜任原型设计、模型制作、纹理制作、动画调试等岗位的工作，并进行创作和理论研究的技能型人才，等等。这些人才的知识与技能结构与传统美术人才相比有很大的区别，他们所从事的美术活动很难以传统的美术概念来界定与归类，但往往又有着广阔的发展前景，因而也引领高师美术教育不断调整人才培养目标。新晨
关键词：高师美术教育培养目标教师教育教学过程
近年来，高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下，其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统，面向市场设置应用型艺术设计专业，形成一种办学模式多元化的强劲态势。同时，在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下，教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。
一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
一般认为，美术是一种造型艺术或视觉艺术，它运用一定的物质材料如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉艺术形象。但是，随着信息技术的高度发展，人们关于美术作品的感知方式越来越技术化了。上世纪90年代后，数字化的印刷、摄影技术高度成熟，大幅广告、精美照片、时尚杂志、网络世界、数码影像等，凡是能够吸引眼球的功能都被商家广为采用，以致导致人们普遍的审美疲劳。而关于美术创作的经典手法，也被数字化时代颠覆了。以前，从设计到完成一幅作品需要花费很长时间，而且对手绘技术要求很高。现在，人们用电脑进行美术创作，摆脱了铅笔纸张、直尺圆规、颜料调色盒等绘画工具限制。即使是一个没有受过专业美术训练的人，只要使用Photshop等普通绘图软件，也可以制作出令人满意的图片来。不仅如此，数字时代还促生了以美术学为基础的创意产业，尤其是广播、电视、动漫、环境、设计、广告等新兴产业的迅速成长，对高校美术教育形成了强大的拉动。为适应这一需求，许多高师类院校都开设了基于信息技术的艺术设计专业。比较典型的有；动漫设计与制作专业，主要培养能在电影、电视等媒体的制作岗位上从事三维动画创意及制作等方面的专业技能型人才；图形图像制作专业，主要培养能在电影、电视、广告、新传媒等媒体的制作岗位上从事后期合成、电脑剪辑、特效制作以及影视作品技术处理的专业技能型人才；游戏动画设计专业，主要培养能够在游戏制作领域胜任原型设计、模型制作、纹理制作、动画调试等岗位的工作，并进行创作和理论研究的技能型人才，等等。这些人才的知识与技能结构与传统美术人才相比有很大的区别，他们所从事的美术活动很难以传统的美术概念来界定与归类，但往往又有着广阔的发展前景，因而也引领高师美术教育不断调整人才培养目标。
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