时间:2023-03-16 15:50:06
绪论:在寻找写作灵感吗?爱发表网为您精选了8篇服装设计论文,愿这些内容能够启迪您的思维,激发您的创作热情,欢迎您的阅读与分享!
1非服材料与主题的关系
一件衣服的设计、制作、处理都是围绕着一个主题来进行的,可以说,主题就是衣服的灵魂。而在非服服装中,材料是为了服务主题而存在的,有了主题才能选择合适的材料,之后才可以着手于对材料的处理。因此,对主题的了解和把握是非常重要的。
2非服材料选择与应用材料的硬度软度是界定
材料的途径方法,从硬软程度来分,又可以分为硬类材料、中等材料和软类材料三种。首先是硬类材料,它们质地坚硬,不易塑形,不似其它强度的材料方便剪切,翻折。以木材而言,由于其独有的特性,在设计中常规的工艺技术几乎无法使用,需要通过切割、钻孔、连缀等专业手法来处理。英国设计师stefanienieuwenhuyse曾将工厂废旧木头加以纯手工打造,制作成华丽的服装,使废旧木材重新复活,再现精彩夺目的一面。其次是中等硬度的材料,它们在处理方法上较多样。以纸张为例,现在已有很多设计师选择纸作为材料用于服装制作,像瑞典设计师BeaSzenfeld的“高级定纸”,以白纸裁剪出最令人惊艳的时装。而这些服装的廓形与质感,是一般布料无法完成的。在工艺方面,纸的表现手法也十分的多样,不仅包括了一般服装的制作工艺,像裁剪、缝缝。还包括编织、粘贴等非常规制作工艺。不同类型的纸张通过不同的技法可以制作出截然不同的纹理和强烈的视觉效果。最后是软类材料,其处理手法可以选择较为简单的剪切,叠加,编织等。以气球为例来进行阐述,气球是充满空气或者别的气体的一种密封袋,由橡胶制成,可作为玩具或装饰物。由于气球怕尖利物体的碰触,所以一般服装制作工艺不适用于它,因此主要通过编结合扎系等工艺技法来完成。例如将不同色系的气球放在一起卷成一个卷,中间就会呈现出一个螺旋图案,将这些卷投入设计制作中,可以增加服装的趣味性,丰富服装的肌理。当然也可以将不同颜色的气球按常规方式编织处理,制成网格状,同样充满了奇特的视觉效果。
二对非服材料的二度创作
1非服材料的着色处理
在非服材料创意服装设计中,除了材质各异的材料外,色彩也是很重要的因素。对于非服材料而言,如何应用其固有色完善服装整体从而达到用色彩服务主题的目的是有一定难度的。当材料固有颜色符合主题需要时,材料可以直接进行投入制作应用。而在材料材质符合主题而色彩与主题不和的情况下,就需要对材料的固有色进行处理了。例如以透明的硅胶材料作为主材料,对其固有色处理时,要注意材料本身较软、容易弯曲的特点,选择合适的着色方式。一般会选择直接颜料上色,类似于传统的水粉,丙烯,油画颜料等。但对于硅胶这类材料,水粉风干后只要轻轻触碰就会裂开,而丙烯虽然附着性高于水粉,但同样面临相同困境。可油画颜料不同,附着性强,成分中含有干性植物油,干燥后的色彩与湿润时几乎没有区别,且实验表明,不管如何曲折硅胶,表面色彩都不会明显干裂,脱落,所以油画颜料是硅胶最佳的着色选择。
2非服材料在设计中与面料的统一性
非服材料的质地不同,软硬程度也不同。当硬度很强时,制作过程中就可能需要借助一些面料作为非服的辅助材料来解决技术上的问题。而在选择面料时,要先注意面料与主题的协调性,面料的挺括性、垂感、弹性等性能都可能影响着主题的表达,要使最后制作效果接近理想的设计理念,对主题和对面料性能要有一定理解。其次要注意面料与非服材料统一性的问题。在此主要是指面料与材料在工艺方面的结合。比如,选择奶嘴作为非服材料,由于其质地较软便于操作,因此处理奶嘴与面料时,既可以将奶嘴一个个单独缝制到面料,也可以先将奶嘴缝制在一起,成为一个整体后再缝制于面料上。在缝制处理过后,要尽量避免让人发现缝制的痕迹,故可以选择与面料相同色的底线,在材料上留下较小的针迹。这样完成后,无论远看或近看面料与材料都融为一体了,像个整体且不突兀了,那么面料与非服材料便统一了。
三总结
[关键词]服装设计构思技巧设计对象
服装设计的对象是人,它是美化、装饰人体、表现人的个性与气质的一种手段。因此,服装设计的第一目的是:适合功能,美化人体。同样,这也是服装设计构思要遵循的原则。
服装的存在和发展有着绵延数千年的历史,而作为设计正式出现在服装上只有数百年的时间。构思在设计出现以后变得尤为重要,世界服装设计大师们层出不穷的不凡构思使服装真正具有了前所未见的内容与形式,从而引导了服装市场一次又一次的穿着潮流。
构思,“指作者在写文章或创作文艺作品过程中所进行的一系列思维活动。包括确定主题、选择题材、研究布局结构和探索适当的表现形式等。”在艺术领域里,一般说,构思是意象物态化之前的心理活动,是“眼中自然”转化为“心中自然”的过程,是心中意象逐渐明朗化的过程。无论是在生活还是艺术领域里,都需要进行设计。谈到设计,就离不开人的一系列思维活动,就离不开构思。有些人在设计时常感到构思贫乏,不知如何下手,或是最终的作品与原来的构思差距很大,达不到预想的效果。因此,服装设计构思要依据服装设计原理从以下几方面思考:如穿着的对象、场合、时间及穿着的目的,还有加工条件、市场情况、人们消费心理及流行趋势的分析等诸多方面的问题。
一、T(Time)时间
时间(Time)简单地说不同的气候条件对服装的设计提出不同的要求,服装的造型、面料的选择、装饰手法甚至艺术气氛的塑造都要受到时间的影响和限制。同时,一些特别的时刻对服装设计提出了特别的要求,例如毕业典礼、结婚庆典等等。服装行业还是一个不断追求时尚和流行的行业,服装设计应具有超前的意识,把握流行的趋势,引导人们的消费倾向。
二、P(Place)场合、环境
场合、环境(Place)人在生活中要经常处于不同的环境和场合,均需要有相应的服装来适合这不同的环境。服装设计要考虑到不同场所中人们着装的需求与爱好以及一定场合中礼仪和习俗的要求。一件夜礼服与一件运动服的设计是迥然不同的。夜礼服适合于华丽的交际场所,它符合这种环境的礼仪要求,而运动服出现在运动场合,它的设计必然是轻巧合体而适合运动需求的。一项优秀的服装设计必然是服装与环境的完美结合,服装充分利用环境因素,在背景的衬托下更具魅力。
三、O(Object)主体
主体、着装者(Object)人是服装设计的中心,在进行设计前我们要对人的各种因素进行分析、归类,才能使人们的设计具有针对性和定位性。服装设计应对不同地区、不同性别和年龄层的人体形态特征进行数据统计分析,并对人体工程学方面的基础知识加以了解,以便设计出科学、合体的服装。从人的个体来说,不同的文化背景、教育程度、个性与修养、艺术品位以及经济能力等因素都影响到个体对服装的选择,设计中也应针对个体的特征确定设计的方案。
四、加工条件
服装工艺的功能性与装饰性要通过相应的加工条件才能体现出来,与服装款式、服装材料、服装工艺三者进行融会贯通。只有能实现的设计才是好的设计,好的设计要有好的构思。设计师在构思时要考虑加工制作的可实施性。比如:①人体平均尺寸、人体运动功能的放松度、当时的流行尺寸;②面料的质地、性能、辅料、配件的选用;③裁剪方法、工艺车缝还是手工艺制作。这样,才能使最后的成品服装既符合设计者的意图,又能保持服装制作的可行性。
五、市场情况
设计师在构思阶段要进行市场调研,把握当时当地的历史潮流和市场变化。资料信息市场:时装信息、流行趋势、设计师手稿资料;成衣市场:品牌、批发与零售;服饰市场:首饰、配饰、美容护肤等;生产一线市场:制作、洗水、制衣、整染、印花等。了解不同的档次要求和品质要求,对成本价格要核算。这样在设计构思时,才能广开思路,广泛借鉴。作为一种产品设计,服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的,而是由市场来检验的。因此,设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知就构思设计,那将非常危险,因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压,给企业带来巨大的经济损失,甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格构思,但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同,不能孤芳自赏,一定要时刻注意把握市场的新动向,在保持自己的设计风格的基础上,一定要站在消费者的立场上来构思服装,每个细部都经营到位,这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。
六、人们消费心理及流行趋势
设计的主体是人,好的设计构思要吻合人们的消费心理,满足人们的消费需求。服装流行意味着人们服饰审美心理和审美标准的变化,反映了在不同时代和环境条件下,人们的个性表现和社会规范之间的平衡和协调。服装设计师把握服装流行的脉搏,洞悉服装流行的趋势。构思设计时针对所要设计服装的消费层的消费对象的风格、喜好,以市场需求为设计定位。这样,才能使设计构思顺应潮流、趋向成熟、有所创造。
服装设计构思和一般的艺术创作活动,既有共性,又有个性。其共同点是它们来自生活,来自创作者的思想指导。不同之处在于艺术创作相对有更多的独立性和主观性,而服装设计必须通过生产环节与市场销售才能体现其价值,带有较多的依附性和客观性。由于服装设计的创作活动需要依赖人体,依靠纺织材料和加工生产相结合,所以在服装设计的构思中,必须兼顾到这些必要的因素。
参考文献:
自八十年代初,随着改革开放的进程,世界范围的经济、文化、科学、技术对我国的全面渗入,服装设计这一新兴的文化形式很快受到国人的瞩目和青睐。各类层次的服装设计专业教育如雨后春笋般在全国各地纷纷建立起来,服装专业毕业生也陆续走上了工作岗位。这无疑是为我国服装行业的发展奠定了可贵的基础。然而,随着毕业生社会信息反馈,服装专业教育方面存在的一些问题也开始显露出来。
这表现在:专业教育重艺术,轻技术,重纸面效果,忽视服装的内涵本质等。由于许多院校初期的服装教学是由搞绘画艺术的美术教师或搞染织的工艺美术教师担任,学生所接受的训练多是美术基本功和服装画的描绘技法,而服装设计所涵盖的艺术与技术的内在联系没被更多地意识到。造成了学生只会画,不会裁,也不会做(特别是对有变化的结构),无法使设计意图得到完整体现。进入九十年代,服装教学经过前一阶段的发展与反思,教学上有了较大改进,服装的制图、剪裁、工艺缝制的比重加大,对学生强调动手能力,学生的专业素质有了明显提高。
不过,对服装工艺技术的重视并不等于就是抓住了专业教学的本质,对于怎样能使服装设计中艺术与技术相互交融,仍然还是教学中所要探讨的一个主要问题。目前设计教学上,款式造型与结构设计相分离现象还较普遍。结构制图课教学仍然较多地注重在常规服装上,对于款式造型设计及所对应的结构变化分析缺少必要的教学环节。要确实做到艺术与技术的有机结合,笔者认为,应从以下几个方面去努力改进。
一、引导学生树立正确的设计观念
设计艺术与绘画艺术不同,设计艺术不仅具有绘画艺术形式的美学原理法则,更主要的它是以不同于绘画艺术的思维理念传达视觉形式并体现自身的实用价值。本世纪二十年代,德国现代建筑设计学校提出“艺术与工业技术相结合”,首创包豪斯体系,翻开现代设计领域新的一页[1]。由此,西方国家的设计艺术教育得到了迅速发展。在我国,设计艺术远比绘画艺术引进的晚,国内的设计艺术教育多年来一直受绘画艺术教育所左右,致使各类设计观念局限在绘画艺术的思维定式中。因而,在服装设计教学中如何处理好艺术与技术的关系,确立对服装设计本质的认识,将主导着教学的发展方向和思路。
时下,我国各类服装赛事频频,学生通过参与这些表演展示,自然是天阔了眼界,得到了锻炼。但由于这些赛事多数是注重体现创新的理念与艺术形式,具有先导性文化特征,与作为商品的服装尚有很大距离,故服装本身的内在品质性因素往往不被参赛学生所重视,以致时常出现学生参赛获奖,但却搞不好日常生活中的时尚服装,到企业也胜任不了设计工作,究其原因就是学生对服装设计的理解认识不够,对服装本身实质性的技术技能掌握不到位,因此这就要求教师对学生在专业认识上要给予正确引导。
一方面,提倡学生要有较强的创新精神和艺术修养,积极参与专业大赛,注重培养学生对形式美及前卫时尚的敏锐感受力,使其具有超前的设计意识、设计理念。另方面,要强调学生对服装本质的认识,立足于学习服装结构、工艺技术方面所表现出的美,做到用良好的美感形式体现服装的功能价值;以得体的穿着效果展示高品位的内涵,树立起正确的设计意识及理念。
二、改进绘画基础教学模式
服装设计作为设计艺术范畴,自然离不开绘画基础,绘画基础的训练不仅是为了画好服装画和设计图,还关系到对学生审美情趣和形式法则的培养。国内服装院校的绘画基础教学,以往沿袭的多是美术院校传统的绘画基础教学模式,由几何形体、静物到石膏像、头像,再到人体、半身像、全身像,由浅入深逐步进行的训练。
但服装设计的绘画并不需要如此缜密、严谨的基本功训练
一是时间不允许,因为服装绘画只是服装系统工程中的一小部分,大部分应该是对服装的造型及结构变化、裁制工艺等方面的研究。
二是服装绘画表现的是人与服装的关系,人是第一位。必要的人体结构知识,对物体结构、空间、质感等非光影效果的理性表现,以及大量的人体、着衣人物动势的速写等短期作业,则是绘画基础训练的主体内容。纵览国外大师、名家的服装绘画作品:洗练、简洁的线条运用;夸张、到位的结构刻画;概括并富于质感的衣料效果;常常给人留有深刻印象。
三、服装款式造型与结构的一体化教学
服装款式造型与结构的变化统一,在服装设计中是最关键的环节,也是服装设计教学中的主干内容。只会画纸面效果,不能依此产生合理的结构关系,设计是“纸上谈兵”,相反只学那些已定型的常规服装结构,而不能灵活变化应用,那么也不能算是学会设计。就象有许多老裁缝能把西服、中山装剪裁得很合体,但若按设计稿裁一些有特别变化的时装则感到困难。
服装设计教学的重点,就是要针对上述情况强化服装款式造型设计与结构对应变化的训练,掌握服装设计的主体核心。以此为目的的教学,从教师方面来讲,要求教师不仅要有较高的款式造型设计能力,还要有一定的服装工艺技术水平。这并不等于说设计教师必须要把服装做得如何如何精致,但对起码的缝制工艺要有所了解掌握,尤其是对服装结构的设计、分析,要有很强的能力。
不仅常规服装的结构、裁制要懂,还要能运用服装结构原理,随意变化出新的结构形式。做到能以绘画表现款式、造型,以款式造型来设计结构,再以结构验证款式造型的合理性。这样,在教学中教师就能有意识地培养学生款式造型与结构变化的能力。
日本著名服装设计师,君岛一郎先生来中国纺大讲学时,曾作过这样一个演示:他请身着基础衫连衣裙的模特小姐站到台上,拿起剪刀从连衣裙摆处分几个不同位置向上剪到臀位,然后让人同时把剪开的裙摆拉起展示给众人。君岛先生告诉大家,若把展开后的裙形用面料再重新缝制,就产生了一种新裙款式。以此原理,基础裙形可以变化出许多的裙装样式。
君岛先生用此实例说明:对服装款式造型的设计,也就是对其结构的设计。因此说,服装设计课教学必须是一种艺术与技术相交融的一体化模式,那种设计课是设计课,工艺技术课是工艺技术课,设计课不管工艺技术的事儿,工艺技术不能有效地体现款式造型的分离式教学,看似分工明确合理,实则是专业教学中的误区。因此,在教学中必须要有把二者统一起来的环节。
总之,服装设计教学经过近二十年的探索和实践,已有了可喜的成绩,这一新兴专业已为我国服装业输送了大批本论文由整理提供
设计骨干。但设计教学中存在的问题和观念上的错误倾向也是不容忽视的。特别是当今社会对毕业生的选择越来越挑剔,越来越注重其专业技能的熟练程度,因此,只有在教学中不断修正偏差,不断完善,让专业体系的内部环节密切相联,才能使服装设计教学有更高水平的发展和进步,才能为服装行业培养出更优秀的设计人才。
论服装设计教学中的几个问题
1.1丰富性
蒙古族地域辽阔,部落众多且风俗习惯较多,服饰的种类和数量也自然很多,这些都为其民族文化多元化的形成创造了条件。因此,蒙古族是民族服饰中较为丰富多彩的民族。
1.2华贵性
蒙古族是游牧民族,在长期的游牧生活中经常会搬家,他们为了携带财产方便,会将金银珠宝等贵重首饰佩带身上,这就为服饰增添了贵气,也使得服装变得雍容华贵。
1.3文化性
蒙古族袍子上绣制的图案是具有本民族特色且能展现其独特的地理风貌、民俗习惯的各式图腾,颜色鲜艳、做工精美,具有鲜明的民族文化特征。
1.4实用性
蒙古族的服饰具有较强的使用性能,袍子是蒙古族人们白天晚上常穿的服装,其在白天主要起遮体装饰作用,夜晚起着御寒作用。脚上穿的厚且结实的蒙古靴子可以避免蚊虫叮咬和被荆棘刺伤。束在袍子外面的腰带有束紧腰身、保暖御寒,保护内脏在长时间骑马颠簸中不致于受到损伤的作用。
2蒙古族服饰元素
蒙古族一个年代久远的民族,在不同历史阶段有着自己独具特色的生活习惯、生活方式,在历史的演变中逐渐形成了专属自己的服饰特性,丰富性、华贵性、文化性、实用性和艺术性,除此外,其在款式造型、面料、镶边和绣花艺术等设计方面也有着独具一格的特色。下面主要就蒙古族服饰中这些元素进行简要分析。
2.1款式造型元素
蒙古族服饰以袍为主,其种类主要有直身、连袖、大襟、短袍和有断腰结构袍服,以及不同种类的坎肩等,这些袍和坎肩的共同点是都是H型的。其中直身袍与中国传统服饰的平面结构类似,前后片在肩袖位置处连接,袖子结构肥大,受面料条幅的限制,前后中心线是拼接而成的。蒙古袍下摆有宽松和摆量较小的两种,下摆较小直身袍为便于活动会设置下叉,断腰结构的蒙古袍下摆较为宽松,腰间有密褶,活动起来也较为方便。蒙古袍总体造型特点宽松舒适,款式特点是简洁流畅且色彩艳丽。
2.2镶边和绣花元素
镶边是蒙古族服饰中较为传统的元素,主要用来装饰领、袖、大襟、垂襟、开衩和下摆等部位,镶边面料主要有大绒、绸缎、棉布和不同种类的毛皮。乌珠穆沁袍服的镶边工艺种类繁多且色彩艳丽,因年龄而异,一般的袍服采用的是三指宽的大绒或库锦边,年龄稍大人的袍服以素雅舒适为主,常镶嵌一指宽的黑大绒或青大绒。察哈尔袍服常会在大襟、领座、领边、袖口、下摆边缘镶嵌单边,且袍身与镶边的色彩相对应,尤其是年轻女性的袍服表现得较为明显。阿鲁科尔沁皮袍上一般会镶有青色的宽边或大绒宽边,绸缎袍服上会镶库锦边。蒙古族的绣花艺术也比较独特,主要有刺绣、贴花、盘绣等,特点是色彩鲜艳对比强烈且图案装饰性比较强,一般会绣在袍子的边缘、袖口、大襟、帽子边缘和靴口处。
2.3面料
现在的蒙古族服饰中运用最多的装饰材料为库锦,其是利用聚脂薄膜和不同金属图层仿制而成的化纤面料,与传统的锦缎、皮革和棉布面料相比色彩鲜艳、物美价廉,符合现代化服装设计标准,更能满足时展需求。
3蒙古族服饰元素在现代化服装设计中的应用
民族元素在现代化服装设计中运用的例子较多,但如何将独具一格的民族元素合理地运用到现代服装中并使其与之融为一体是当代服装设计师尤为关注的问题。需要服装设计师在运用民族服饰元素过程中,对选定民族的生活方式、风俗习惯、民族心理等方面内容进行详细的了解,将民族文化内涵和服饰元素与现代化服装设计需求融汇在一起进行服装设计。
3.1蒙古族服饰元素与现代服装融合的必要性
随着科学技术的不断发展和新材料的不断出现,世界服装界的设计理念如雨后春笋般层出不穷,民族设计师应该借助新的设计风,在吸收和利用传统服饰的精华和先进科技技术基础上,时刻掌握时尚信息,将民族服装设计进行拓展,使蒙古族服饰鲜明的服饰特色以时尚的形式展现在世界大众眼前。下面就蒙古族服饰元素在现代化服装设计中应用优势进行分析。在继承蒙古族传统服饰元素特色的基础上,要吸收世界流行服装的设计理念,大胆地对民族服饰局部或特色元素进行夸张设计,使设计出来的服装能将蒙古族服饰简洁、大方、舒适、大气、休闲和流行的特点展现出来。如,在以蒙古族女袍子下摆元素为基础的现代化服装设计中,可以提取其连衣裙和百褶裙元素,使新设计出来的服装上部更加修身,下部更加宽松张扬,以彰显年轻人的青春活力。服装的袖口处可以结合现代化服装流行趋势对原有的袖口进行改造,贴上毛边面料或蕾丝,或对其袖口进行夸张,以显示年轻人对自由和梦想的追求。在现代化坎肩的设计中,可以在蒙古族坎肩的基础上,吸收和借鉴牛仔上衣和露脐装的特点并对其肩部进行适当的夸张,以彰显年轻人自由、洒脱、潇洒的一面。
3.2蒙古族服饰元素在现代服装设计中的表现
蒙古族服饰元素在现代化服装设计中运用的例子相对较少,从运用效果来看,其大体可分为三方面:一是在蒙古族传统服饰款式的基础上进行加工制作,再融入现代化服饰款式设计元素进行造型,服装成型后人们能通过服装看出蒙古族的服饰元素;二是现代T台中夸张运用蒙古族服饰元素中艳丽的色彩,将蒙古族粗狂野性的魅力以服装的形式展现在服装中;三是将皮革服装和皮靴元素运用到服装中,使之与时尚的服饰面料混搭在一起,彰显现代服装风采。某国内服装品牌时装展示过程中,一墨绿色风衣选取的是蒙古族民族服饰有的腰带和盘扣元素,墨绿色丝光面料袖口、腰带和衣兜部位都绣有蒙古族特有的图腾,在彰显该款风衣端庄华丽同时,也能将蒙古族服饰的高贵典雅显露无疑。服装大师杰里米•斯科特一服装作品选取的是巴尔虎蒙古族的发饰元素作为服装设计要素,他先对原有的蒙古族发饰进行变形,然后大胆地运用蒙古族常用的红色和橙色并将其作为主色调来进行设计,使得游牧民族特有的野性得以展现的同时,也将现代化服装时尚信息展露出来。
4结束语
高中美术课第二单元产品设计中的第三课“你能让我满意吗”,有关于服装设计的一些讲解,教师可以此为基础对服装的发展概况、审美和穿着品味进行一定的简介。在有条件开设高中通用技术选修服装及其设计课的学校,教师可以在美术课的服装简介的基础上给学生以更广泛的讲述。同为服装设计专业的基础课,在高中阶段却根据表现形式的不同,划分在美术和通用技术两个学科中,并形成了美术学科的美术课和通用技术选修服装及其设计课,但两个课程部分内容又彼此交融,处于两个学科的中间地带,学生学习这部分内容时会陷入表现形式的片面性。可以通过“服装设计”这个模块内容,将高中美术与通用技术两个学科中涉及的内容进行整合,突出专业性,弱化学科性。这样即使有学科的分化也不会割舍知识的连贯性,更不会割裂学生的结合体验。将高中新课程美术课与通用技术服装及其设计模块教学相结合进行研究,形成学科整合,能够减少学习的时间成本,提高专业知识的渗透力,为学生接触材料、提高设计、增强动手能力和创造能力提供一些专业支持。
2学科整合,知识连贯
高等教育的服装专业是科学技术和艺术设计相结合的交叉学科,衍生出艺术学设计类的服装与服饰设计专业和工学纺织类的服装设计与工程两个学科。两个学科虽有不同的侧重,但相互交融都涉及到美学、文化学、心理学、材料学、工程学、市场学、色彩学等要素。可以说,服装设计就是“根据设计对象的要求进行构思,并绘制出效果图、平面图,再根据图纸进行制作,达到完成设计的全过程”。笔者认为,应在高中美术教育中加大关于服装的审美和品味教育,不仅可以使得学生对自己的兴趣点有一个初步的了解,避免高考后填报志愿时的盲目,进入大学后也有了一定的思想准备和知识储备,还可以树立青年正确的价值观。具体如下:首先,大多数的服装与服饰设计、服装设计与工程两个专业大一新生在入学时几乎对服装一无所知,这就使得大学的服装专业必须从基础的服装艺术教育开始,进而再进行服装技术(技能)教育。基础的服装艺术教育势必会挤压一部分技术(技能)教育的课时。由于到大学阶段(18岁后)已经过了培养审美的最佳时期了,这时再进行服装艺术教育可谓事倍功半。笔者认为,可以提早至高中实际进行初步的服装审美和拼配的熏陶,使学生进大学后有一定的基础,那么大学的服装教育从形式美的法则开始提高学生的艺术修养后,可快速地进入服装技术(技能)教育。将服装的基础知识下沉至高中完成,则大学教育可从一个较高的起点继续进行,节约了基础教育的时间,增加了技术(技能)教育的课时,从而更加从容地提高了职业教育品质。其次,现在我国青年的整体品味和审美不是很高。青年人中“颓废”“邋遢”“不修边幅”“个性(非主流)”的现象常常见于报端。究其原因,很重要的一点是在其青春期时段,我们的审美教育、文化素质教育并没有被重视。高中时期的学生正属于青春期,这一时期是学生的人生观、世界观和价值观形成的重要时期,在这一时期着力学生的审美培养,可以事半功倍地帮助学生树立高品位的审美。无论学生在大学选择何种专业以及毕业后选择什么工作,高品味的审美可以提高学生的整体气质和形象,也容易在社会中形成正确的主流价值观。
3注重实践,从做中学
现今无论高中教育还是大学教育都提倡实践教学,高中美术课或大学服装专业亦不能例外。
3.1高中时期:服装设计的艺术与技术之结合
以同一个主题、高中阶段的学生作品来做分析,总结归纳出学生的特点和接受能力,然后策划一组可行的活动方案,最后争取以动态服装秀来展示成果,形成专题化的教学模式:1)灵感源的寻找,帮助学生发现细微之处的美妙,城市排水管道中的闪烁物质都可以让设计师产生设计的灵感;2)款式设计,教授学生一些基本的服装款式类型,拓展轮廓的造型线;3)笔者设计,体验设计师的感觉,统筹兼顾,提高鉴赏和动手操作能力;4)市场反馈,让学生们形成一个选购团体,得票最多的就是最具有市场性的服饰,其初步设想,可以调整和改变。项目组结合专业特点,将高中新课程美术课与通用技术服装及其设计模块教学相结合的研究,不仅尝试了学科整合的研究,同时将各学科之间的优势突出并形成互补。曾做过“寻找设计灵感源”“服装外轮廓设计”“服装再造设计”区级观摩课、校创优课;在授课中进行一定的实践教学,让学生充分体验效果图的绘制、立体纸模的制作、服装再设计(改制设计)、主题的综合设计。例如,在《寻找设计灵感源》这部分内容中,前四节课让学生学会如何寻找灵感源,再结合所给设计元素完成一款服装的设计。这样,做出的服装可能会有些粗糙或不成熟,但是对于以了解和提高审美品味为主要目的的高中美术教育显然是可以接受的,且可以使得学生体验跨学科教学之互补、优势、专业技能等方面之美,降低因学科区分而带来的专业弱化之困。
3.2大学时期:服装设计的艺术与技术之结合
大学的服装专业教学,可以采取课堂理论教育与课外实践(实习)活动相结合的形式展开。课堂理论主要进行服装设计的艺术教育和一定的服装工艺制作技术教育,而由于服装专业的特点,课外各种实践(实习)活动对学生的专业提高有着至关重要的作用。笔者认为,对于大学阶段的学生来说,更重要的是让他们参与到教学中来,体验专业的魅力。因而,大学服装教育应该是课堂讲授艺术理论基础、实践教学提高技术的模式。一个专业会有若干个不同的就业方向,增加时间会对他们未来的就业选择有一些引导。让大学生“动”起来,参与到教学和学习活动中来,学习相关的专业知识与技能,以及进行专业实践;使学生能够恰当地使用设计或工艺的术语,从功能和审美的角度,以自己的观点评论和设计作品;灵活选用身边的材料,运用各种工具和加工方法,根据功能和审美要求,有创意地完成一件设计作品。这样,才是国家大力提倡的加快发展“现代职业教育”的精髓和实施方案。
4结语
(一)重视社会时政
1.关注新闻时事首先,设计者应时刻注意国内外新闻。新闻是现实社会生产生活的一个缩影,而服装则是时代和社会的镜子,同时也是时展和变化的晴雨表,能够极为敏感地反映出社会和经济生活的方方面面。只有知悉社会,洞察社会,准确掌握社会的变化动态,积极捕捉新闻中可利用的素材和信息,才能使服装及其设计成为一项信息性产业。比如,2008年北京奥运会和2010年上海世博会,设计者抓住奥运和世博会的主题设计了极具特色的T恤,印有福娃、北京欢迎您、上海世博吉祥物图案等,使设计的作品紧随时代脚步。其次,要关注国内外政治时事。政治时事对社会的生产生活具有重要影响,尤其是有重大性、质变性的历史事件、政治性事件是社会关系的突然变化,会在实际社会发展轨迹中,留下时代的印记。比如,我国中山装的设计,具有很深的历史和政治色彩。又如2004年乌克兰的“橙色革命”,所有参与游行的人员均身着统一颜色、统一风格的橙色服装。这些都充分反映了政治时事是服装设计中重要的灵感要
2.关注时代思想服装是社会文明的一个具体表征,是社会思想的一个具体形象,是一种物质化实体。从物质形态看,服装是和人紧密联系着的,能充分展现形和象的多彩多姿;从精神具象看,服装可以展现人的创意和思考,彰显人的内在精神和生活状态。设计者应积极把握时展和变化的趋势,洞悉社会生活信息,充分发挥自己的思考能力,探寻新的内容,通过服装语言将时代的特征和主题充分表现出来,以满足人们的物质需求。比如在上世纪,随着西方思想的影响,我国的传统旗袍得到改良,结构更为简洁,得体恰当地展现出了东方女性的曲线美。随后学生服的诞生,同样反映出了时代思想的变化对服装设计产生的影响极大。
(二)积极积累素材
服装设计是通过对生活思考而产生构思,集逻辑思维、感性思维、抽象思维于一体的艺术创作过程。该过程中展现出了引人深思的艺术哲理和深厚的文化底蕴。所以,探寻和挖掘这些内容的内在思想和魅力就非常重要。倘若缺乏此方面的能力和内容,就会使艺术创作的独特和新颖性不能充分展现出来。生活中不缺美的东西,而缺乏发现美的能力。这种能力对于服装设计师而言极为重要。这种能力即是灵感,它需要设计师长年累月的实践积累及受外界因素的激发时突然出现的创作契机,而这种契机具有偶发性。同时,它也是最直接、最能展示设计师天赋和专业素养的重要因素,但是灵感产生、悟性的采集和实际应用仅仅依靠这种天赋还是无法实现突破的,设计师还应具备深厚的生活经历和较高的艺术修养及特定社会生活环境体验和社会实践。由此来看,灵感获取脱离不了生活和社会活动,设计师应从生活中积累灵感素材。
(三)体验、感受自然
大自然本身就是一件完美的艺术品,它应用阳光、流水、春风等方式为人们塑造壮美山河。它的美感能够充分激发人们的创作灵感⑤。原因在于自然中的各种客观事物和景观都具有天然美态、色彩美及形态美,可使人们感受到最为直观、形象的创作灵感。对于服装设计师而言,他们通过直观、形象地观察自然物象获得感性认知,再通过抽象思维和艺术加工,融进服装造型和风格的设计中。设计师通过观察认识到生活和自然中的美丽色彩、形态,产生回归自然的愿望。比如,自然界中的花草树木的色彩和形态、天空云彩的绚丽、鸟兽的形态、山川河流的层叠等自然元素能可使人和自然形成协调,使设计的服装作品体现出独特的艺术思想。
(四)重视传统文化
民族的就是世界的。服装是一种物象的文化,能鲜明地展现出时代的特征和民族文化特色⑥,同时留下时展和变迁的印记,反映出一个民族的心理状态、信仰、伦理道德及审美价值。所以,当民族的心理思想和经济文化发生演变时,服装文化和主题思想也会随之变化,从而深刻鲜明地反映出最新的符合时代文化的表现。比如,2000年流行的唐装就深入利用优秀的传统民族文化,实现了传统和现代的统一结合。
(五)增强自身修养
服装设计师要想将服装设计作品的思想和内容充分表达出来,使服装设计和创作更具意义,更贴近社会生活和文化,就必须不断强化自身艺术内涵和文化修养,否则会导致自己设计的作品平庸、普通、淡味。在当下,生活节奏加快,各种事物以效率为先,服装设计师只有具备较高的艺术修养,才能掌握良好的灵感来源路径,进而设计出独特、新颖的服装作品。
(六)紧跟时代潮流
服装具有很强的流行性、阶段性和时效性。在市场经济的今天,它们不但在更新和改进,同时还不断受到社会、科技及新审美观的影响,体现出了特殊的个性和时代性。对于服装设计师而言,独特的创意、新颖的设计并非天马行空,而是紧跟时代步伐和潮流,或展现现代艺术和科技的创新造型,或彰显往日辉煌的经典风格,这些都是在表现新时期人们的思想和情感。今天是以纳米科技、信息科技等技术为主导的时代,各种新型纤维产品不断推出,调温纤维、保健纤维、绿色彩绵布等都为现代服装设计提供了材料。因此,新时期的服装设计灵感必然要通过这些科技性、时代性产品获得。
二、结语
我国有五十六个民族,每个民族都有自己独特的服装设计风格。随着历史的逐渐发展,我国不同民族几乎都经历了农耕时代、工业时代。在不同的经济背景下,人们通过不断地抽象,将生活中的文化元素升华,进而在自己的服装设计中表现出来。因此,我国每个民族的服装设计都有着十分深刻与不同的历史文化渊源,每种不同的服装风格背后都有着特定的文化寓意和时代背景。而在当今快节奏的生活时代,民族服装逐渐被现代流行服装所代替。在这种情况下,民族服装要得以继承和发展,必须另辟蹊径。这需要我们这一代人对于民族服装的文化性与审美性进行深刻的理解。只有这样,我们才能扬长避免,将我国的民族服装艺术发扬光大。
2民族服装设计的文化性与审美性表述
民族服装设计中文化性与审美性的表述需要借助一定的服装元素。一般而言,民族服装的表达元素分为视觉元素和精神元素两种。视觉元素是外在的事物,用来传递不同的民族习俗、价值观和生活理念。视觉元素具体指绣花、刺绣、图案、结构等。这些都是比较具体的民族特点标识。而精神元素则是比较抽象的文化意义,是人们对于自身所处社会环境的理解的表达。精神元素的表达依附于视觉元素的设计。二者相互交融共同呈现出丰富多彩的民族服饰风采。民族服装也可以被理解为一种独特的民族语言。不同民族的人民用独特的服装设计表达来讲述着自己内心的期望、美好。不同的民族服装通过独特的结构、款式等传达着自己对所处地理环境、生活习俗。服装便是不同民族同外界进行沟通的一种媒介。不同民族文化、风格、生活习俗与该民族所处的地理环境存在紧密的联系。这些因素交叉融合在一起,相互促进,使得不同的民族服装呈现出独特风格。
例如“虎头鞋”的造型、该种设计风格多见于我国的农村地区,具有浓厚的乡土风情。“虎头鞋”的造型活泼但又不失质朴,以老虎的性格特征为依据,在设计过程中采用夸张的手法,用以表现小孩的顽皮与天真可爱,表达着对孩子健康成长的期待,表现了农村母亲对于孩子无微不至的关爱。有些时候,为了小孩方便穿鞋,还会在老虎尾部加上虎尾巴,体现了服饰设计中功能与美观的统一。在我国北方地区,姑娘嫁妆的各种设计与装饰又表现了另一番民族风情。如鸳鸯戏水、连理枝、双鱼等的刺绣,都表达了人们对于女儿婚姻美满、幸福一生的祝福。这种将祝福通过一定的民族文化元素来具体表现的手法或形式反映了我国劳动人民纯洁、朴素的民俗婚宴观念。另外,在设计过程中,通过拟人、夸张等手法对于自然元素进行表达,赋予了服饰设计造型以鲜活的生命形象,使之传递着深刻的文化意义。淋漓尽致地表达了我国劳动人民的勤劳与智慧以及对于美好生活的执着追求和真诚期盼。色彩是民族服饰设计中视觉元素的表达方式。我国民族服装大多色彩鲜明,如傣族与藏族的服装,一件民族服饰,通常包括多个色系,不同的色系交相辉映,体现了该民族对于生活的热爱,同时也是生活绚烂多姿的一种深刻体现。色彩作为一种展示媒体,能够直观地被人们识别,从而接收到其代表的含义。不同的色彩传递和表达十分不同的情感。色彩的变化可以直观地体现冷热、强弱以及刚柔情调。如蒙古族的服饰多冷色调,表示了蒙古民族的刚强、冷静。另外,色彩的变化还可以呈现神圣、热情、高贵、优雅等情感效应,如古代皇族服饰多用黄色系,色彩浓重,表达了皇家的气派、威严与尊贵。
我国西北地区的民族服装则惯用白色,呈现一定的特色,男性服饰中还会在头上系一块毛巾,体现了西北汉子的粗犷与豪爽。我国民族服饰在表现情感的过程中借助了具体的自然事物,如花鸟草虫,但其经过独特的手法渲染以后,又超出了自然界中原有事物的表现能力。真真正正体现了“艺术源于生活,但高于生活”。在服饰设计过程中,我国劳动人民用自己的智慧借助服饰这一媒介表达着自己对于生活的情感态度,其艺术表达淳朴、优雅,毫无矫揉造作之态,是劳动人民最真实情感的表达。经过几千年的发展,我国民族服装已经发展成比较丰富的体系。这些服饰设计都是我国珍贵的文化遗产,具有十分重要的文化艺术珍藏价值。作为当代人,我们应该十分珍视。
3结语
取决于人的审美及民族特性等方面。不同国家的服饰文化各有差异,随着社会的发展,我国的服装从“西方化”到如今的国外著名服装设计师在设计时运用中国民族文化元素,在设计中把中国民族文化元素与西式服装进行融合,运用后现代的解构的设计手法,将中国的经典纹样、民族色彩、建筑形态、生活器皿等当作一种语言符号,进行解构重组,民间手工与现代技术相结合,形成古今融合、中西合璧的新型美,体现民族文化价值。中国民族文化在发展过程中,有很多都是手艺人祖传或口述教授的,不带有任何伪造模仿的痕迹。例如许多少数民族服饰已形成系列,在保持本民族特色的基础上进行款式变化,适合不同类型的人穿着,所有的图案及工艺制作都经过了精心设计,这些具有民族特质文化的服装都是独具风格的艺术珍品。现代服装设计在运用民族文化元素时常常会结合民族审美、民族风格、民俗等方面,在服装造型设计及服装图案设计中呈现出来,使其具有现代美,设计中具有民族传统文化意蕴。在西方,民族服饰文化和艺术的载体功能比较突出,成为世界上独一无二的承载着丰富文化信息的载体。服装设计师们积极从世界各民族传统文化中汲取元素,并使之转化为时尚艺术。中国风格的高级时装在这个奢华当道、缤纷热闹的世界里独树一帜,西方设计师在设计中将这些民族文化运用得极其灵活,丝毫没有生搬硬套的痕迹。如英国的著名服装设计师 Hussein•Chalayan就曾在其会上运用中国苗族服装的配色效果,以黑色为主调,再搭配不同比例的对比色、互补色等鲜艳色,从而形成鲜明的视觉效果。
二、民族元素在时尚服饰中的运用
我国的民族文化与艺术为服装设计领域提供了极其丰富的表现形式和设计素材,如唐三彩、中国水墨画、青花瓷、园林景观、民间手工艺、少数民族服饰品及工艺品都可以激发设计师的灵感。例如“东北虎”打造的就是中国奢侈品牌服装,在设计中常常运用旗袍、唐装、汉服、折扇、书法、刺绣等民族文化元素,每次会都蕴含中国民族文化;“天意•粱子”的作品中,很多都是采用中国传统桑蚕丝面料,借鉴中国书法艺术、刺绣等设计元素体现本民族的形式美和神韵美;“玫瑰坊”郭培的设计常常借鉴中国宫廷服饰造型、青花瓷、吉祥图案、刺绣等民族文化元素,设计师在运用刺绣时强调色彩的配色、过渡、分割与合成等方面;而吉祥图案元素可以较自由地运用解构、移位、变形等方法,再将图案进行设计重组,形成新的独特效果。例如香港服装设计师张天爱曾运用鲜艳的晚清时期龙纹苏绣,在设计过程中龙纹仅仅是龙纹,不具有任何的象征意义,只是作为一种服装图案。因此,在运用民族文化元素时,必须从整体出发,考虑服装的款式、材料、色彩及服饰配件,包括化妆都要形成统一。从现代的审美情趣出发,把民族文化与时尚相融合,对这些设计作品的元素符号进行视觉设计的表达,展示东方式的生活美学。
三、结语