时间：2023-03-01 16:25:24
绪论：在寻找写作灵感吗？爱发表网为您精选了8篇舞蹈教学，愿这些内容能够启迪您的思维，激发您的创作热情，欢迎您的阅读与分享！
舞蹈是艺术的一种,它具有自己特殊的属性与本性。有人说:“舞蹈是动作的艺术。”指的是以人体为工具,以艺术化的动作为物质材料。也有人说:“舞蹈是情感的艺术。”指的是以人物的情感或演员的情感为动力。大多数人都说:“舞蹈是艺术之母。”指的是从远古时期最先产生的舞蹈即与音乐、诗歌三者融为一体起,知道当今舞蹈仍与音乐、诗歌密切相关。这些话显然都有道理。
正因为舞蹈艺术本身具有上述这些特殊性,所以便决定舞蹈教学也必须具有与众不同的特殊性。现就舞蹈教学的几个主要问题略抒浅见,以就教于同行。
一、综合素质的培养
舞蹈教学首先要高层建瓴,从宏观全局出发,着眼于学生综合素质的培养,切不可就舞教舞。
因为舞蹈的特殊性,所以要把学生综合素质的培养作为一项基础工程和一项复杂的系统工程来抓,要力避急功近利、舍本求末。常言说:“磨刀不误砍柴工。”说的就是“磨刀”的重要作用,也就是只有“厚积”才能“薄发”的道理。
那么,综合素质主要指何而言呢?笔者以为,应包括如下几方面内容――
其一是思想品德素质。“德艺双馨”、“学演艺,先学做人”,我国前辈艺术家们为我们留下了许多宝贵的从艺经验,值得我们学习继承。舞蹈是人的“形体艺术”,劳动量极大,所付出的辛苦与经历的艰苦也极多;舞蹈又是“青春艺术”,舞台生命极短,从某种程度上来说,是昙花一现。所有这一切,都要求立志学习舞蹈艺术的学生,必须树立正确的人生观、价值观、艺术观,要具有吃苦耐劳、甘于奉献的精神,真正具有“愿以汗水浇艺花,敢用身躯增欢乐”的舞蹈精神,并以此作为“舞魂”。
其二是心理情感素质。舞蹈是情感的艺术,每一个舞蹈语汇,都是情感的表达方式,缺少情感的舞蹈,就是“僵舞”乃至“死舞”,没有舞蹈的鲜活生命。因此要强化学生联想力、想象力、形象思维能力的培养,强化学生感情体验力与情感投入力的培养,还要强化学生意志力与心理承受力的培养。
其三是文化艺术素质。艺术的高低,艺术家的高低,最终都要体现在文化的较量上。缺少文化素养,学生就很难成为真正的舞蹈演员,其舞蹈作品也就很难成为真正的艺术作品。不要说所表演的作品的文化含量与文化品位,就是一般演出的舞蹈节目,也离不开对作品时代背景、主题意蕴、风格特色、人物情感的文学层面上的分析、理解、把握。不懂得舞剧《宝莲灯》是由戏曲《劈山救母》改编而来,不懂得这部舞剧是“线型戏剧式”结构又怎么能成功地扮演剧中的人物呢?当然,艺术素质也很重要,音乐、美术(包括绘画、雕塑等)、建筑、园林等知识,都应尽量掌握。同样,不知道舞蹈剧《丝路花雨》是“敦煌式”舞蹈,也就无法跳活“飞天神女”与“反弹琵琶”等独舞,根本不可能演绎出“复活了的敦煌壁画”。
二、基功技能的培养
如果说,综合素质是“软功夫”的话,那么基功技能就是“硬功夫”。综合素质决定制约着基功技能,反过来,基功技能又体现促进综合素质,二者是相辅相成、互为补充的辩证统一的关系。
因此,舞蹈教学理所当然地要把基功技能的培养作为“正业”、“主课”,绝不能不务正业、喧宾夺主。
基功包括腿功、腰功等;技巧包括连续(翻身类、转类等)、复合(平转接空翻、平转接掖腿或吸腿等)、高难技巧(个人技巧)等。对学生要求要全、圆、难、严。并努力使技能转化为技巧。
三、灵气悟性的培养
关键词：后背直立；幼儿舞蹈；幼儿基本功；幼儿身心发展；重要性
中图分类号：J722 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）09-0097-01
一、后背直立在幼儿舞蹈中的重要性
舞蹈是时间与空间的艺术，是用肢体和节奏来表现思想情感的。而幼儿舞蹈不同于其他舞蹈，它直观、形象、生动活泼，是通过幼儿表演来体现幼儿生活情趣，反应的也是幼儿的生活、思想、感情和状态。后背直立的训练能够让幼儿在特定的幼儿舞蹈动作中，更好的诠释幼儿率真的童心世界。
例如舞蹈《我可喜欢你》中，有一组跪立动作，准备动作要求后背直立，两手扩指张开于耳侧。动作时，身体笔直往上弹起两手随动。透过这个动作我们可以了解到幼儿拥有愉快的心情。我在教授这个动作中，首先会要求幼儿后背直立，并且运用幼儿语言形象描述后背直立。说：后背不能像乌龟一样弯着，像背着一个重重的龟壳子一样，更不能像蚯蚓一样歪歪扭扭的。通过形象的比喻，孩子们会记得更生动更形象。再进行下一步的手上动作的练习。只有在不泯灭幼儿天性的基础上规范幼儿的舞蹈动作，而舞蹈动作的规范从何而来，那就是规范幼儿的后背直立。所以，后背直立的训练在幼儿舞蹈中尤为重要，它能正确传达幼儿通过舞蹈动作所表达出来的思想情感，并带动幼儿舞蹈的积极性。
二、后背直立在幼儿基本功训练中的重要性
由于幼儿基本功训练属于舞蹈基本功训练最基础阶段，许多训练动作都将简化。在实践教学中，我会把站姿训练放在幼儿基本功训练之前。采用一边训练后背的同时一边调动幼儿训练基本功的积极性。在站姿的同时可以简单的要求一些手位或脚位，配上幼儿教学用语，充分利用幼儿的想象力，这样就有利于课堂教学。但是这系列动作仅仅只在后背直立的基础上，这样一来，整个基本功训练课堂就不再单一枯燥。
坐姿训练也是后背直立训练中的一种，只有在坐姿时训练好了后背直立的意识，那么才能够在把杆训练中得到更好的巩固与加强。例如：正部位立半角脚尖的训练。在做这个训练之前，若继续带进自然形态入训练中，在立半脚尖训练时，会出现撅臀、弯膝等不规范的动作，因此这个训练就不具有任何意义。所以，后背直立训练的好坏直接影响了下一步的训练，经过我不断在教学中的探索发现，幼儿专注一件事情的时间是有限的，能在这最有限的时间里，引导幼儿做一件最基础的训练是最有必要的，也是最重要的。
三、后背直立对幼儿身心健康发展的重要性
不管是有舞蹈基础的还是零基础的，都会把自己的自然形态带入舞蹈课堂。由此我发现，许多幼儿在身体渐渐成长的时候，由于骨骼肌肉较嫩又不刻意训练后背直立意识，渐渐养成了驼背和撅臀的陋习。而后背直立的训练正是在幼儿身体未发育时，经过不间断和反复的训练，能够让幼儿从小养成后背直立的良好习惯。这一良好习惯的养成，不仅仅只有利于幼儿舞蹈，在生活中，幼儿的后背直立习惯也使他们在发生潜移默化的改变。我曾教过的一名幼儿有着这样的经历，在她刚来舞蹈班的时候，后背直立的状态是最差的一位，后来我发现她有明显的改变。据那名幼儿的家长和幼儿园的老师说：“以前她是不管在家里还是在幼儿园里，吃饭的时候姿势最不正确的一个。身体东倒西歪不说，饭也不好好吃。现在慢慢的开始有些改变，甚至有时候后背立得直直的，食欲也比以前好多了。”这个鲜活的例子证明了，后背直立对幼儿的生活也有着重要的促进作用，同时，幼儿在写字或者画画时，也将不再抠背，这样也意于幼儿的视力健康。
[关键词] 舞蹈编导；舞蹈创作；编舞技法；创新教学
[中图分类号] G642.0 [文献标识码] A [文章编号] 1005-4634（2013）02-0056-04
舞蹈编导教学作为舞蹈教育的一个领域，是旨在培养和发展学生舞蹈创作精神和创造能力的一种舞蹈编导教育活动过程。培养的学生要面向现代社会和未来，他们应该具有想象力和独创性、不因循守旧等特点。这些都依赖于舞蹈编导教师教学水平的高低，教学方法是否得当，教学目的是否准确，教学思想是否端正等因素。多年来，舞蹈编导教学尤为突出的是“创造性教学”，培养学生的发散思维能力，联想、想象能力，直觉创造能力。学生学习舞蹈创作的过程中，教师要能够满足学生对于求知和创造的需求，扩展学生的文化视野与艺术想象力，开发个人情趣与审美倾向，引导学生真正走上与自身艺术素养和语言积累相接的创作道路。
1 编导教师要教授学生如何进行舞蹈创 作，并非教师本人的创作
1.1 学生的编舞作业雷同
常常看编导课考试，发现全班所表现的编导教学结果是一种动作风格、一种呼吸节奏、一样的表情、一样的思路、一样的结构特点、一样的选材。笔者认为，舞蹈编导教学应要“百花齐放、百家争鸣”，是个性的彰显，是创造性的闪光，更是每个学生作为独立个体在相对规则的教学目的和编舞技术技法的原则下，进行创新、创造、创意的结果。
1.2 到底是“谁”在创作
应该明确的是，编导教师是教授学生如何进行舞蹈创作，并非教师本人的创作。创作要表现对客观世界的认识必然是表现学生对客观世界的认识，而不能是表现教师对客观世界的认识。因为客观事物在头脑里的反映如果不由学生表现出来，教师无法感知，自然更无法表现。如果由学生表现出来，自然也不存在通过教师来表现的问题。也就是说，只有实际通过动作语言、造型符号、流动线条、动作色彩或舞蹈音乐等媒体表现了某种对客观世界的认识的学生本人，才进行了创作。许多的编导教师在实际授课的过程中，并非教授给学生创作的方法和规律，而是自己置身于创作当中，忽视了教学目的是教会学生创作，其结果可想而知。
那些仅仅停留在对客观世界的认识阶段或者仅仅将这种认识抽象地提供给学生去进行具体表现的编导教师，并没有进行实际创作。例如，教师告诉学生如何创作一部舞蹈作品的，教师不是这部舞蹈作品的创作者；向学生提供主题、讲解素材的使用、创作步骤和要领的也不是创作者。如果不仅是告诉学生如何创作，而且教师本人也动手来编舞，就可以视为在某种程度上参与了创作。
1.3 教师要做到“授之以法”
教学是教师的教和学生的学所组成的一种人类特有的人才培养活动。通过这种活动，教师有目的、有计划、有组织地引导学生积极自觉地学习和加速掌握编舞的基础知识和基本技能，促进学生多方面素质全面提高。舞蹈编导的教学是指以教师传授知识、技能和学生获得知识、技能为基础，教师的教和学生的学相互联系、相互作用的统一编创活动。简单说来，教学就是教师教、学生学。对学生来讲，知识是重要的，但是比知识更重要的是获得知识的方法。编导教师传授给学生的是一种关于“舞蹈创作”的技术和方法，这一点毫无疑问。舞蹈编导课堂教学中教师在教法上应“授之以法”，让学生用所学习的技术和方法去编自己的生活、理想、体验、感受等。如何增强学生的编舞能力，提高其水平，关键还需教师在编导课上的有效指导。
2 编导教师不能因为教“创作”就“迷头 认影”
2.1 考试课到底是考“老师”还是考“学生”
编导教师的辅导是一定不能少的，但教师的辅导永远不能把一个班变成一个模样的人，这样就很可怕，学生没有了个性，都成为一个个教师的“翻版”，就连走路、说话、爱好、行为举止、意识、追求等都惊人的类似，这不得不说是舞蹈编导教学的失败。教学的结果展示，成为老师的个人成果的大展台，教学班级成为了舞团，教师也霎时间被蒙上导演、总编导的光环。笔者不禁要问，考试课也好，毕业实习演出也好，剧目创作也好，到底是考“老师”还是考“学生”，到底是表现教师创作水平的高低，还是表现教师教学水平的优劣。
2.2 教师背着学生走路，能走多远
如果把学生喻为教师的孩子，孩子不会走路，家长不能代替他们走路，你可以背着孩子行走一程，你总不能背着他行走一生。看到编导教师在手把手的教学生“动作”，手把手的为学生“抠动作”，手把手的以身“试型”，模仿再模仿，修炼再修炼，动作整理一组又一组，结构调了一个又一个。教师很累、学生也很累，教师很辛苦，学生也痛苦，或许现在感觉不到痛苦，但总有一天他会成长，痛苦的或许更久。其实这是非常简单的一个道理，舞蹈编导是学习舞蹈创作为本体的教学，如果学生只是教师创作的“工具”，那不如成立创作工作室，可以随意的创作，变着花样的创作，大不必需要教务处安排既定的教学大纲、培养方案、教学目的、教学课程等一系列的教学计划。因此，舞蹈编导教学和舞蹈创作本身没有矛盾，也压根就是两码事，教师不能忘记本真的授业解惑的宗旨，更不能因为教“创作”就“迷头认影”。
2.3 要学生正视现代舞
人们一提到现代舞，总是会想到灰暗，想到那些所谓一般舞蹈作品不能表达的“阴暗面”。其实不然，身体语言只是一种媒介和载体，什么样的思想都可以通过肢体语言来表达，历史上的现代舞作品也有许多积极向上的作品，如林怀民的《薪传》、伊莎多拉邓肯的《马赛曲》、吴晓邦的《游击队之歌》、玛莎格莱姆的《神话寓言》等都是表现人类积极向上、追求未来的崇高精神的。教师的人生价值观念与教学观对学生的影响是极大的。因此说，现代舞的风格和创作不是一种，而是多种，不是随心所欲的“发泄”，更不是个体对社会家庭的不满表达，也不是另类的人生，或与众不同的哗众取宠。现代舞和民间舞、古典舞、芭蕾舞没有两样，都是人们喜怒哀乐的各类情绪的表达。
2.4 “使劲的编”能编出什么花样
教师为学生的课堂舞蹈创作提供一些可以借鉴的有思想、有追求、有深度的舞蹈佳作进行分析和讲解是必不可少的，这也是提高编舞水平不可缺少的前提条件。那种认为借鉴就是模仿，学好编舞就是在教室使劲的“编”，跳好舞蹈就是不断的“重复练习”，从音乐找灵感就是使劲的听的教育观念，笔者认为多少会有点“残悲”。
编导的学习是一个个性的、创造性的、创新性的、革命性的学习，没有文化底蕴，没有“头脑”的智慧，没有宽泛的艺术感知，“硬编”或者“使劲编”也编不出什么花样。编舞家的灵感获取从历史上能看到的、听到的已经很多，灵感的来源可以是一部文学作品、一幅画、一件小事、一次没有预谋的旅行等。学习编导要善于发挥创造性的想象和灵感的捕捉，“想象就是你在脑海中构思的一种想法，在内心里勾画的一幅图画，在情感上感受某种事物的能力”[1]。那么，为什么舞蹈编导教学中，学生每天都在编，都在很苦的用工，都在夜以继日的苦编，而图书馆、阅览室、自习室等见到读书的编导学生却为数不多呢？因此，笔者认为，学习舞蹈编导不仅要好好编，更重要的是好好想想，怎么编？为什么编？编什么？为谁编？谁编？编谁？多设想几个问题。心中把问题琢磨透了，想清楚了，行动自然就有目的了，闷头苦编，费力不讨好，动作表达雷同，选材结构雷同，呼吸雷同，造型雷同，就连走、跑、跳也雷同，没有个性，没有创意，没有了生活，这就是刻意的编的“成果”。
3 编导教师要把握好四个编舞教学的环节
舞蹈编导课上，看似平常的“小主题”编成舞蹈，也能让观者悟出生活的哲理。舞蹈不能叙述事情的经过，要抓住人物的语言、动作、心理、环境，才可使作品内容血肉丰满。而编舞要用动作写出编舞者自己的生活经历，抒发自己的思想感情。如何组合动作才能使观众明白自己的意图，这是至关重要的。那么如何上好编导课，笔者认为应抓好如下四个环节的编舞教学。
3.1 一定要学生把话说出来
这是舞蹈编导课堂教学的第一个环节，要想使学生大胆说出自己的观点，做到有话可说，教师就要认真设计好导语，较自然地引出话题，点燃学生思维的火花，启迪他们思考，促使他们积极参与到舞蹈编导课程话题的讨论中来。引导学生确立“编舞与技法使用”的观点，突破常规，触动学生新的思维，激起他们的编舞兴趣，使他们打开话匣，展开讨论，活跃课堂气氛。
3.2 一定要说出编舞的理由
通过上一个环节的教学，学生已明确提出了自己的观点，第二个环节就得要求他们阐述“为什么”。因此，教师要引导学生阐明编舞或创作的道理来支撑自己的观点。刚开始学生还不知从何说起，教师可以设计如下问题启发引导他们发言：你认为应怎样编？如果学生回答编排的方法和自己的设想，教师可再问：为什么这样编，缘由是什么？如何解释你的编创方法？这些问题的设置，就是一步步地引导学生掌握阐释道理的基本方法。
3.3 一定要找到编舞的技术支撑
学生阐明道理后，接下来的第三步就是引导他们为自己提出的观点找到相应的编舞技术支撑。这个环节教师要打破过去那种教师说学生听、记的传统做法，一定要让学生自己找寻支撑点，教师再给予补充说明。当然，学生所用的技术与形象之间不一定全都典型精当，教师一定要鼓励为主，尽可能调动他们编舞的积极性，激发他们的热情，引导他们主动地投入到编舞技术与内容语言、形象中来。
3.4 一定要学生参与评课
学生们编创了一段技术练习、舞句、舞段、造型、小品、一个完整的作品等，也阐述了许多编创理由和一些编舞技术手段，使用了一些丰富的舞蹈素材。存在的问题肯定是有的，教师应该对他们进行分析筛选，做出恰当的取舍点评。这个环节，笔者认为除了教师作出回课的评论分析外，还要组织学生给学生作评析。众人拾柴火焰高，学生自评，相互评课，都是舞蹈编导课授课过程别重要的部分。教师最好不要拿着个人观点说好坏，授课就是讲技术的使用恰当与否、是否准确、是否能够使技术运用的娴熟等。在创作上，因人而异，教师应该允许多种形式、多种方法、多种个性的存在，要鼓励别样的创意、别样的创新，纠正雷同的做法。
4 编导教师要及时处理作业回课时容易出 现的三个问题
4.1 忌把编舞技法绝对化
一部成功的舞蹈作品一定是独特之作，总是以新颖的视角、新奇的表达和新鲜的内容，让人耳目为之一新，精神为之一振。如果失去了新、奇、巧，自然也就失去了生命力。但新奇不是玩小聪明，不是一味地玩编舞技法，不能把编舞技法绝对化。编舞技法是实现作者舞蹈编导意图的重要条件，是构成舞蹈作品艺术性的内在因素，是通过不断的编导实践纯熟自如、富于创造性地运用于创作过程中。学习编舞，要习得规矩，又能出于规矩之外，变化不测，而亦不背规矩。识得技法，并能将技法运用“活”，是掌握舞蹈创作的重要标志。舞蹈作品的创作固然要运用各种编舞技术技法，但决定这些方法和技术能否充分发挥作用的是编导的基本功。
4.2 忌脱离现实生活的“技法化”
舞蹈作品是现实的触动，是生活的折射，是编导思想的天空中瞬息即逝的一颗流星，短暂而璀璨夺目。千姿百态的大自然虽会带来取之不尽用之不竭的创作灵感，但复杂多样的现实生活永远是最重要的创作源泉。日前，舞蹈编导课堂教学中学生的习作许多脱离现实，多为沾沾自喜的孤芳自赏。这种现象的发生，要么是学生对社会生活反应迟钝，要么是缺乏直面生活的胆识和勇气，要么就是在一种强烈的表现欲，一种所谓“多产”观支配下“工匠式、技法化”的制造，后者可能很严重。这一现象的产生与前边提到的一味地玩编舞技法耍小聪明密切相关。学习编舞要表达编导对于现实生活的真知灼见，表达编导对于社会真、善、美、假、丑、恶的感情，要能够更多地关注生活、关注现实。
4.3 忌表达及风格的“雷同化”
学生作业惊人的类似，总感觉好像在哪儿看过。这说明，一方面，创作中的雷同现象比较突出，带有明显的模仿或者变相模仿痕迹；另一方面，更为深刻的原因是许多学生自觉或者不自觉地陷入了“模式记忆”之中。许多学生的认识存在问题，认为现代舞、古典舞、芭蕾舞、民间舞都有一定的程式或模式。无论是表达方式，还是动作风格本身，甚至包括形象性语言，他们都在有意无意的模仿着所谓的“大师”级作品。这种惊人的模仿或相似不能不说是编导教学的误区。
5 编导教师要有效的做好五个教学引导
5.1 引导学生把掌握的知识综合运用到编舞中
现代创造理论表明，以创造思维为核心的创新技能不是靠传授而得到的，也不是手把手教出来的，它往往是创造者经过心理的“烘热期”和“脑风暴”后的顿悟。因而舞蹈编导课堂教学要培养学生创新技能必须依靠潜移默化的熏陶，教给学生创新思维的技巧。在编舞技法教学过程中，对于学生来说，他们所面对的都是些经过编导教师个人长期积淀和锤炼的间接经验，让学生快捷地懂得这些成果或者沿着一条简洁、顺畅的道路去编舞，无疑是一条高效提高学生知识水平的途径。在教学过程中编导教师应有意识地将某些要揭示的概念、规律揭示出来，培养学生的问题意识，引导学生不断地提出有价值的问题。鼓励学生大胆想象，激励启发学生改组、迁移，综合运用所掌握的知识，架设通向想象目标的桥梁。
5.2 引导学生对舞蹈创作进行大胆假设和想象
艺术家的每一部伟大的作品，都是以大胆的、有个性的想象为出发点的。大胆地想象是创新的起点，只怕想不到，不怕做不到。“舞蹈的想象不是凭空产生的，他来源于人们对客观事物的观察，对现实生活的体验及由客观现实激发起来的充沛激情，因此舞蹈家对客观事物入微的、敏锐的观察，是想象得以产生的先决条件。”[2]
在舞蹈编导课堂教学中，教师应引导学生对所编舞蹈大胆进行假设，寻找各种将想象化为现实的途径，从而增进编舞的创新技能。教师要摒弃狭隘的“单科”思想，确立各种知识相互贯通、渗透和融合的意识，为学生广泛联想、移植、改组所掌握的知识，产生新念头，提供丰富的信息，在此基础上让学生充分地尝试各种各样的创新思想，激发其创意思想的诞生。
5.3 引导学生正确运用编舞技法
编导教学应遵循创意、借鉴、创新的规律。编导是一种技术技能教育，从其形成的过程来说，必定是由生活到感悟，由感悟到创造的过程。首先，正确的编舞技术技法是学习舞蹈编导的开始。如从单一造型、动作的字、词、句的学习到的一组、一段动作的延伸，尔后到结构、语言、形象等创造性地表达自己的思想，形成一部作品。编舞技术技法是学习舞蹈编导的必由之路，学生学习编舞应以编排技巧、技能为重点，不是简单的模仿有关技术。教师应为学生提供切实可行的编舞技术练习，由技术练习过渡到艺术创新。让学生反复地练习单一造型、短句、舞句、舞段、小品的编排，逐渐形成自己的编舞技能，自然就能自如地表达自己的感受。因此，作为一种编创技能，学习舞蹈编导必须铭记创新为目的的规律，切忌“统一粮票式的”、“模仿性的”、“跟风性的”、“膜拜性的”没个性的编舞。
5.4 引导学生要去感受、去观察、去体验生活
舞蹈编导的教学目的之一是训练学生如何将生活感觉、体验等转化为舞蹈作品。培养学生在艺术上具有创造性能力的训练过程，也可以说是舞蹈编导人才培养的最终目的。在平时的训练中还要注意培养学生观察生活的习惯，使之能够将生活中有意义的原型整理转化成舞蹈形式，引导学生勤于舞蹈构思能力的训练，动作的呼吸流畅、流动线条的饱满完整、造型的准确生动、动态动律素材的巧用到位、空间与力量的把握等，都需要一点点的磨练。编舞的学习要有细腻的感悟力，要感受生活，去观察，真正体验生活，还要检验自己能否在最平常之中发现不平常，这是学习舞蹈编导的关键。
5.5 引导学生充分利用现代网络科技积极阅读
编导教学要避免片面强调技巧，缺乏思想性。编导就是用身体语言表达自己的思想观点，而正确的人生观、价值观也能指导编舞。高校在校生处于人生观、价值观形成的关键阶段，他们的思想必须由正确的理论为导向，典型的事例为楷模。作为教师，应引导学生学会阅读，博览群书，充分利用网络阅读，积累编创素材库，并用一种积极的生活态度，对待创作。舞蹈创作的基础就是生活，而生活就是发生在身边的事例，生活中充满着美、丑、真、假、乐、苦、喜、悲等，各种各样的人生感悟。
总之，舞蹈编导教师要善于创造性的传授知识，善于把复杂抽象的知识简单化、直观化。教师要创造性的教，学生要创造性的学，教师不但传授知识，还要教会学生怎样获取知识。编舞技法教材及教学法的完善建设迫在眉睫，编导教师个体创作经验化的教学论有待改善，教师应积极的探索有效的舞蹈编导教学规律，完善编舞技法的基础理论以及不断改善“编舞教学和舞蹈创作”混淆的教学状况，扮演好自身“教师”的职业角色。
参考文献
关键词：舞蹈教学引导自由
现代高校舞蹈教育的出发点和终极目标是培养学生创造性学力和发展性学力，这也是提高全民素质和振兴教育事业的必然方向。以培养学生创造性意识为主的舞蹈教学活动具有其他学科所不具备的特殊性，它在引导的基础上需要一定的自由，师生是在教育的愉悦状态中，共同实现教育目标的。
一、引导与自由在舞蹈教学活动中的重要性
艺术教育有目的、有规范，需要施教者的积极引导；艺术教育又是有自由的，施教者和受教育者双方以艺术品为中介，进行自由的情感交流。这是艺术教育的独特之处。[1]实施教育中离不开施教者对受教育者的引导。伊斯拉尔·舍佛勒说过：“在教学中，我们不是把自己的意志强加给学生，而是引导他们走进许许多多前人留给我们的大厦中。”[2]舞蹈教学过程既是传授舞蹈知识的过程，也是训练舞蹈技能的过程。作为一种舞蹈技能，它既是身体活动方式，也是一种心智活动方式，是身体与心理高度结合的过程。因此，在舞蹈教学的过程中，我们切不能采用强制和灌输的方式，教师重要的是引导学生如何去学，而不是被动地接受知识技能。在整个教学的过程中主要是调动学生积极性，作为学生发展的促进者和引导者，引导学生参与到和谐、民主的教学活动氛围中来，并为学生创设一个高度自由的想象与创造的空间，充分发挥学生主观能动性和集体智慧来完成这一创造性活动。
二、引导与自由在舞蹈教学活动中的实施
1.在引导与自由中掌握动作规范
在舞蹈动作学习过程中，教师首先要有完整、准确的示范动作，同时用生动简洁的语言讲解清楚动作、姿态的要领，使学生能捕捉动感、动态、动作的神和动作的整体形态。许多动作和技巧需要长时间的反复磨练，这需要学生具有吃苦耐劳和不厌其烦的精神。而这种非智力因素靠单个训练很难培养，只有学校的集体训练，才能使学生在竞争中，在同学的比较、启发、刺激中养成。[3]因此，在学生掌握正面的动作之后，不要急于纠正动作，可让他们自愿组成小组，鼓励学生克服羞怯心理，大胆自信地展示自己的动作，然后一同分析研究和练习体验，并将正面的动作迁移到反面去，最后大家共同来完善动作。在教学中引导和鼓励学生积极思考动作的难点与重点，了解组合动作的规律、动作之间的内在联系，同时将自己的情感经验渗入到动作中，从而使学生能主动地分析和掌握动作，获得学习的好方法，提高学习的效率。学生在友好竞争的活动过程中，互相比较，共同提高，在自由实践中从感性认识向理性认识飞跃，较快地掌握动作规范。
2.教学方式的自由多样化
在舞蹈教学中，尽力发挥教师创造性地教和学生创造性地学。在活动中教师的指导主要是提出一些原则性的活动要求，具体学习内容和活动过程则由师生在教学中自然生成。为适应这种变化，教师要善于捕捉契机，引导鼓励学生积极思考，运用灵活多变的教学形式，为学生提供发展个性的可能和空间，及时调整课堂教学策略，和学生一起去体验和享受这种教学自由。例如在双人舞的接触磨合练习中，一开始双方动作往往缺乏默契配合。于是我及时调整方案，播放柔和的音乐，提出活动的要求，开始两人练习圆的意识，从不接触逐步过渡到身体点的接触。在练习过程中，学生很快进入舞蹈状态，出现自然流畅优美的舞蹈动作。在观察到学生步伐缺乏流动时，我就让学生进行步伐模仿训练的游戏，并提出了腿的活动要求。学生兴趣很浓，在游戏中，步伐的流动性得到了提高；学生对于动作的时间与力量得到了开发。我还及时引导他们在此练习基础上注意空间的变化。如此双方在不断地体会主动与被动的角色变换中得到了自信和欢乐，在动作的变化发展中感受到舞蹈的无比乐趣。教学方式的多样化给学生提供了自由的活动平台，激活了课堂教学气氛，还使学生保持旺盛的学习热情和高度的注意力，提高了教学效果。
3.引导产生自由的情感体验
点到为止，不做、也不能做详尽的分析和指导，这是艺术教育的引导方法，其实质在于强调受教育者的感觉。舞蹈作为一门体验性的学科，只有学生主体参与和自主体验才能感受习舞的快乐。良好的舞蹈教学课堂应是学生个性解放、情感交融、想象与创造力驰骋的场所。应当把课堂重点定位在如何最大限度地调动学生参与舞蹈、体验舞蹈方面。因此，教师在教学中应采用各种方式，引导学生在参与舞蹈活动中产生自由的情感体验，以享受舞蹈的乐趣。在教学中，可以让学生在体验优美音乐的同时掌握组合动作；还可先让学生学习组合动作，课后找自己所喜爱的音乐进行练习，然后配合自己选择的音乐进行表演与交流；也可以鼓励学生通过舞蹈的形式表现自己的情感，引导学生利用所学的一些基本动作进行自由组合、自配音乐。由学生自编自导，不仅使课堂气氛活跃，而且调动了学生课后复习的积极性，同时锻炼和提高了学生的表达能力和团结协作的精神。他们在音乐的带动下自由伸展身体，充分表现着自我。人的身体蕴含着无限的潜能，从身体出发可以走向更宽广的心灵宇宙，让人寻回快乐的本能，产生美好的情感体验。
4.引导激发自由创作
我认为创新是在积累中不断超越的，没有创新就没有进步，创新是把充满智慧的想象付诸实践的结果，也是编导个人的心灵感悟在艺术实践中与学生碰撞出的火花。[4]教师应引导激发学生创作的兴趣，培养学生在舞蹈自由创作中充分展现自我，并在表现中得到满足，体验成功的快乐。通过动作的模仿重组法、加减法、改编法等让学生在短时间内初步掌握编排的基本原则和方法。初入创作的同学都感到舞蹈语汇的匮乏，因此在已有的组合上着手创编容易打消学生对于创编的恐惧心理。比如在学会了藏族踢踏舞基本的动作组合之后，启发学生运用所学的几种步伐进行模仿重组法创作。把学生分成几小组，由基础较好的同学负责，发挥集体的智慧，把课堂所学的动作进行重新组合。动作加减法在创作中显得尤为重要。学生在创作中常感觉动作缺乏的同时，在编排中又呈现出众多动作的堆积，并没有形成动机的有效发展变化。因此，要让学生学会分析动机的舞姿节奏与动力，继而通过改变方向、动作减化、动作叠加等方法使学生掌握动机的发展变化。在练习舞台调度的学习中可以采用改编法，让学生把课堂上学过的独舞表演性组合改编成群舞。运用集体的智慧和力量，使学生充分地考虑舞蹈队形的变化、空间构图的处理，更关注于独与群的关系及舞蹈织体的丰富变化。舞蹈的创作是多元化的，教学方法更要多样化，激发学生自由创作的激情是教学的关键。
引导与自由在舞蹈教学活动中的充分展开，培养了学生积极的学习态度，激励了学生战胜困难的勇气，激发了学生的创造性意识，也收到了良好的教学效果。学生参加学校及地区的各类文艺汇演中取得了优异的成绩。独舞《月夜情思》在省大学生汇演中获得专业组第三名。
在艺术教育中没有引导不成为教育，没有自由也不成为艺术教育。引导得过度可能遏制受教育者的艺术能力，引导得不足无法使教育者进入艺术的殿堂。同时缺乏自由会使艺术教育和智力教育、道德教育相混淆，自由的过分使用则远离教育的目标。因此，在舞蹈艺术教育中，教师要根据活动的具体情况掌握引导和自由的范围。如何正确把握尺度，需要我们每位教师在不断实践中探索更科学的教学方法，以取得理想的教学效果。
参考文献：
[1]贺志朴、姜敏，《艺术教育学》，人民出版社，2001年5月版
[2]拉尔夫·史密斯著，滕守尧译，《艺术感觉与美育》，四川人民出版社，2000年1月版
[关键词]幼儿舞蹈 课程创作 特点与方法
对于幼儿来说，一堂好的舞蹈课，应该是轻松而且愉悦的，既能够让孩子们感受舞蹈艺术之美的熏陶，又能够激发孩子们的学习兴趣，用舞蹈的方式来启迪和教育孩子们，培养孩子们的综合素质。那么发挥舞蹈教育作用的前提是创作丰富多彩的舞蹈教学课程，而创作的前提是，要了解幼儿舞蹈的特性，然后才能根据特性找到幼儿舞蹈教学课程的创作方法。
一、幼儿舞蹈的特性
（一）富有情趣
儿童的世界是充满童趣的，当我们带着一颗童心，用孩子的眼光去观察整个世界时会发现，孩子们内心的单纯、天真。他们的快乐来源于对世间万物的思考，而这种思考大多是毫无根据，同时也是最简单自然的。因此幼儿的舞蹈的动作、表情也大多是低技巧性、简单自然，并且富有童趣的，从而更好的体现孩子们的天性。
（二）直观模仿性
幼儿的舞蹈大多以模仿为主，一方面，简单直观的动作让幼儿更容易学习，另一方面，模仿的形式迎合了幼儿活泼好动的天性，能更好的提高孩子们的观察能力和表达能力，而模仿的对象以动物为主，更加具有吸引力。
（三）简洁明快
根据的幼儿自身整体情况，为了便于幼儿的理解，舞蹈动作都以简单、欢快为主，特别是在情绪和舞蹈情节方面，注重单一明了，围绕幼儿生活的环境和特点编排舞蹈，运用风格纯正的音乐，让舞蹈形象更加鲜明。
二、幼儿舞蹈课程创作要点
（一）舞蹈题材要富有童趣
幼儿舞蹈是由幼儿来演绎，同时，也多是表演给幼儿观看的，那么为了让孩子们乐于表演和观看，我们要使得整个舞蹈课程具有舞蹈性与趣味性。在选择教学题材的过程中，要注意选择与时代相符合的幼儿题材，最好是生动活泼且新潮简单的。那么，为了加强在题材选取方面的能力，舞蹈幼师要做到如下几点：
（1）留心观察幼儿的生活特点
幼儿舞蹈教师作为一名成年人，在面对幼儿群体时，必须学会用心观察他们生活的环境特点，用他们的眼光去洞察周围的事物，从而理解幼儿的思考方式，以便于创作出幼儿感兴趣且乐于接受的舞蹈课程。
（2）以幼儿生活中的题材为主
创作者要怀着一颗童心去寻找幼儿实际生活中的题材，要与幼儿的生理和心理状态想适应，这样才能使题材富有生活气息和儿童乐趣，情节生动、简单明了，一定深得孩子们的喜爱。更重要的是，只有孩子们的充分配合，才能构成一堂成功的舞蹈课。
（二）根据幼儿舞蹈特点选择音乐
（1）充分了解幼儿音乐的特点
在舞蹈教学中，我们要选择孩子们熟悉并喜爱的儿童歌曲，通过多种方式，将它们录制成完整的儿童舞蹈音乐。所选择的音乐最好有以下特点：旋律性强，易记好学；形象性强，有情有物；节奏性强，快慢适度，强弱分明；童趣性强，活泼轻快。
（2）音乐要体现童趣
幼儿音乐以模仿生活中的声音为主，歌词往往能够提示幼儿寻找音乐形象。音乐形象生动具体，便于幼儿理解；歌词通俗易懂，能激发幼儿的爱好。
（三）编排适合幼儿的舞蹈动作
幼儿正是生理发展时期，大脑发育迅速，平衡能力、控制能力、节奏感都比较差，相比之下幼儿的弹跳发展比较好。因此，儿童舞蹈的动作应形象、直观，低难度。幼儿年龄小，语言表达能力弱，在表达自己的意愿时，往往需要借助于自然的形体动作。
结论
幼儿舞蹈教学的创编是幼师舞蹈教学的一个重点，好的舞蹈课程编排，能充分体现童趣，通过简单的肢体律动让学生体会舞蹈的魅力，接受艺术的熏陶。幼儿舞蹈本身应具有简单明快、生动活泼的特点，这也是创作幼儿舞蹈教学课程中的重点。时代不停变化，舞蹈教学更要注意跟随时代的步伐，特别是在舞蹈课程创作方面，要不断创新，多编排创作幼儿们喜闻乐见的课程。
参考文献
摘要:随着人们对日益增长的物质、文化的需求不断提高,舞蹈这门人体艺术将被更多人认识、接受、认可,并喜欢。舞蹈作为一种人体语言,是通过人体动作过程来表现人类情感的艺术。舞蹈教育则是通过教授这门艺术,来反映人们的思想、情感以及社会生活,使幼儿对此产生浓厚的兴趣、爱好,培养孩子对舞蹈美的感受力、表现力和初步的鉴赏力、创造力,从而促进幼儿健康的体魄,健康人格和健康的个性,促进全面发展。
幼儿天性好动,喜欢模仿,喜爱看舞蹈节目,更渴望参与表演。初学舞蹈时,幼儿只知一味的模仿,几周一过就会感到枯燥无味。我们就要从多方面启发、开导,从新生第一天走进舞蹈室时,就要让幼儿知道这不仅是练功房,更是舞蹈宫殿。要在形体美上培养幼儿的自我审美能力,如芭蕾手位的延伸就是一种美,这就要求幼儿带有一种希望的追求的情感在做,感觉自己的眼前多么宽阔,就像包容了整个宇宙。耳朵里听着动人的音符,这多么富有诗意!这不就是以美带情,以情带舞吗?所以教师一定要培养幼儿的自我审美意识素质,使幼儿自身体现出一种对舞蹈的热爱,从而愉快的进行训练和舞蹈。将幼儿舞蹈形象化,在舞蹈教学中是一种非常有效的方法。通过形成有趣的故事或者舞蹈造型来启发幼儿的想象力,将舞蹈和启发教育相联系,使舞蹈具有一定的思想性。
在舞蹈教学中,教师通过舞蹈示范、舞蹈欣赏、边歌边舞、音乐反映、模仿与想象、组合与成品舞蹈编排等丰富、多样的教学形式,调动幼儿全身的多种器官,在提高兴趣、注意力的同时,更强调了大脑高度的集中去支配身躯,以表达各种动作和情感。而且一系列优美的动作,丰富的队形变化等也促进了幼儿舞蹈记忆力的提高。
幼儿舞蹈犹如春风化雨,潜移默化地陶冶儿童的心灵,我们要仔细洞察孩子美丽的童心世界,了解孩子的质朴情感。广泛收集、提炼他们天真、形象的动作,吸收为幼儿舞蹈的基本素材。只有这样,创作出的舞蹈才会被幼儿喜欢和接受,幼儿舞蹈教学才能推陈出新,不断完善。作为一名舞蹈教育工作者,将不断加强各方面的训练,提高理论与实践水平,进一步加强舞蹈教育的普及和推广。
【关键词】舞蹈教育；传承；民间舞蹈艺术
一、我国高校舞蹈教育的现状
（一）舞蹈课程内容的设置没有和创造性人才的培养相结合
随着教育体制改革的不断深入，舞蹈艺术已经逐渐的纳入高校专业，这样在一定程度上脱离了专业性的舞蹈教学。在高校教学环境中重视舞蹈的技术，轻视舞蹈专业研究，在这种教育体制下，我国高校舞蹈教学存在的弊端越来越快的显露出来，在高校教学中，舞蹈专业的学生的文化程度比较低，艺术综合能力相对来说比较薄弱，学生的思维方式比较简单。就目前来看，这种舞蹈教学现状已经到达瓶颈时期，对我国舞蹈教育产生了深入的影响，为了能够更好的设计高校舞蹈教学课程，需要对这种教学现状进行及时的改革，在我国高校舞蹈教学中存在的教学现状总体表现为高校舞蹈教学的课程设置相对来说比较单一，没有形成一个良好的艺术学习氛围，在专业技能课程上没有做到良好的研究，使得在舞蹈教学中不能很好的培养学生的创造性思维，培养出来的学生对舞蹈的知识了解甚少，不能真正的明白学习舞蹈的目的性和思维方式。
（二）舞蹈教育和其他人文社会科学教育脱节
舞蹈是一种非语言肢体艺术，在舞蹈教学中需要着重培养学生的舞蹈技能。但是在高校舞蹈教育中，教师不仅需要着重训练学生的舞蹈技能，还要在一定程度上加强学生的审美能力，对艺术的欣赏能力，使得学生能够深入的思考自身的舞蹈技能。舞蹈教育不是单纯的舞蹈技能，需要和社会上人文学科相联系，最大限度的将学生对人文情感融入到舞蹈表演中。但是在现如今的舞蹈教学中，舞蹈教学和其他人文学科教学相脱节，不能从多个教学角度进行分析，学生在舞蹈技能中不能显示出对舞蹈的理解和热情。
（三）高校优秀舞蹈教育人才欠缺
学科发展的重要性关键在于师资力量是否全面，教师的教学能力严重的影响到学生的发展和学科的先进性。作为高校舞蹈教育工作者，需要向舞蹈教育的未来看齐，应该看到在我国高校目前的舞蹈教学现状中所呈现的教学模式比较单一，教学思想严重僵化，在教学过程中不能通过正确的教育指导等特征，使得教师难以根据先进科学的教育目标展开教学，难以充分发挥教师的主观能动性来传承民间舞蹈艺术。
二、民间舞蹈艺术传承现状
（一）民间舞蹈存在环境的变化
随着新时代的到来，我国的经济科学技术迅猛的发展很难，也由原来的农业社会逐渐的转变为市场经济，我国的众多技术都和时代相关联，这就意味着我国的民间艺术逐渐的走向衰亡。民间舞蹈艺术具有其民族自身的特征性，我国是一个多民族国家，随着经济全球化以来，我国的民间艺术不能满足新时代的需求，逐渐的被人们忘记，只有在重大节日或者在政府参观的时候，民族舞蹈艺术被当成一种当地特色来招揽游客，成为了一种获取钱财的重要手段。在现代文明的冲击下，市场上已经逐渐被科学技术所取代，历史民族特色已经开始逐渐的消亡，民族舞蹈艺术被推向生存的边缘。
（二）民间舞蹈艺术保护机制的缺失
在社会新形势下，我国在发展传承优秀的民间舞蹈艺术方面比较缺乏机制制约，在实践的过程中往往不能尽如人意，由于民间舞蹈艺术保护机制的缺失，具体表现为以下几点。首先，我国在保护民间艺术的力度不够。我国中华文化博大精深，历史悠久，形成了我国这个多民族的大国，民间舞蹈艺术的种类可谓繁多，尤其是在科学技术迅猛发展的新时代，在民间舞蹈艺术进行无线繁荣的的背景下的压力很大，在政府相关部门进行保护我国优秀民间舞蹈艺术的过程中，所采取的相关措施往往只注重形式，不能为民间舞蹈艺术提供新的生存空间，也不能作为带头领导作用将民间舞蹈艺术推向市场，这样使得所作的措施只是形式上的，产生的效果不明显。其次，资金投入力度不够。就目前来看，我国的发展形式是依靠科学技术发展，政府的工作中心也放在了经济建设上，在进行经济建设的过程中，需要相关部门投入大量的资金，使得在民间舞蹈教育上的资金投入较少，各地资金投入不足的现象就说明我国对民间舞蹈艺术的保护机制不到位。
（三）民间舞蹈传承人逐渐丧失
在民间舞蹈传承中，最重要的是老艺术家，老艺术家对民间舞蹈艺术具有深入的感彩，是产生、发展和传承民间舞蹈艺术的关键因素。老艺术家本身对民间舞蹈艺术十分的了解，见证了民间舞蹈艺术的产生和发展，对古老的民间舞蹈艺术精髓有足够的掌握基础，并根据他们自身的精力努力的传承着，是非物质文化的宝库。但是随着时间的推移，这些老艺术家的离去，民间舞蹈艺术也随着消失，不能真正的将民间舞蹈艺术进行传承。民间舞蹈艺术在这样的发杂很难状态下很难持续发展。这就要求在民间舞蹈文化传承中，以人为本是关键。
三、高校舞蹈教育中传承民间舞蹈艺术的措施
（一）教师和学生应该树立起民族文化观念
中华文化历史悠久，民间舞蹈艺术是我国民族特色，在长期的历史文化长河中保存下来的文化遗产，在高校舞蹈教育中，教师和学生有义务将我国特色的民族舞蹈文化进行传承，需要教师和学生树立起民族文化观念，在学习民间舞蹈艺术的基础上不断的进行创新，这样生产出具有民族风格烙印的舞蹈，在高校舞蹈教育中，关注民间舞蹈艺术应该引起学校的足够重视，应该开设相关课程让学生对民间渠道艺术产生浓厚的学习兴趣，树立强烈的民族责任意识，使得学生在进行学习的过程中能够将自身的学习热情全部奉献，并能够将民间舞蹈艺术进行传承。
（二）建立合理的专业课程设置
随着教育改革的深入，我国的教学模式一直是按照教学大纲进行教学的，这种教学模式虽然在一定程度上能够保障高校教学不偏离轨道，保护课程的规则性，但是在专业学科的设置上也能够根据教育的现状和社会的发展进行改变的，这样能够保障课程设置不呆板，具有人性化。就目前来看，我国高校舞蹈教学在教材的使用和课程设置中存在着诸多的问题，在教材方面，为了更好的传承民间舞蹈艺术，需要在购买教材的过程中添加民间舞蹈素材，能够在最基本的教材上保障民间舞蹈艺术能够得以传承，使得学生对民间舞蹈艺术的技能进行学习，充分的表现出民族舞蹈艺术应该具有的灵魂，在开阔民间舞蹈艺术知识视野的过程中，还需要将民间舞蹈艺术进行更广泛的了解，教师在编辑舞蹈的过程中，还需要具有能动性的将民族文化穿插在其中，让高校学生深入的体会民族文化氛围。其次在课程设置上，强调舞蹈练习实践的基础上也应该注重对理论知识的学习，就目前来看，我国高校在舞蹈教学中往往比较重视实践，对民间舞蹈理论知识不够重视的现象普遍存在，这样培养出来的学生只是注重舞蹈的肢体运动，并没有体会到舞蹈的精髓，学生的人文素养和实践能力不匹配。这就需要在高校舞蹈教育的课程设置中，应该着重强调学生对舞蹈理论知识的掌握，加强考核制度，在培养学生的实践能力的基础上将学生的理论知识抓起来，合理开设课程，最大程度的激发学生对民间舞蹈艺术的学习兴趣。
（三）提高教师的综合素质
教师是课堂的核心人物，在进行教学的过程中能够帮助学生理解。高校要加强教师的综合教学素养，培养教师对民族舞蹈艺术的情感，提高教师对民族舞蹈艺术的理解，要求教师在培养学生的过程中能够深入的了解学生的情感变化，根据学生的情感变化进行教学，加深师生之间的交流，在进行教学的过程中，教师教授学生舞蹈动作，需要了解学生的心声，让学生大胆的讲述对民间舞蹈艺术的理解，在积极的探讨中保持学习的积极性，教师还要掌握大量的民间舞蹈艺术知识，吸引学生主动求教。
（四）创建多样化的教学方法
在我国高校舞蹈教学中，首先强调的是组合教学法，这个方法在教学的过程中是比较常见的，在实践的过程中能够强调整体性和灵活性。在高校舞蹈教学的过程中要想很好的传承民间艺术，需要很好的认识舞蹈教学的整体性，通过对以往学习到的舞蹈动作有机的结合起来，能够有效的促进学生能够更好的感悟到舞蹈的精髓，使得学生形成自身独特的感悟。在灵活性方面，教师可以根据民间舞蹈艺术的特征在教学的过程中灵活的转变，引导学生找到舞蹈的真谛。其次是感性教学法，需要根据学生的自身理解对舞蹈肢体运动进行完美的阐释，教师根据学生的理解进行指导说明，让学生更好的表达和抒发民间舞蹈艺术。但是在实际教学的过程中，舞蹈教师往往只注重对学生技巧的培养，忽略的学生的情感表达，这样当教师在传授一些比较具有难度的动作的时候，学生很难具备学习兴趣，久而久之，对民间舞蹈艺术的理解具有偏差，我国的民族文化底蕴需要在理解的基础上去诠释成舞蹈艺术。在教育领域，教师可以从民间艺术的精神层面出发，让学生对民间舞蹈艺术的时代背景、生活习俗和情感基调进行了解，积极的调动学生的学习兴趣，使得学生在积极主动的状态下去学习。最后，即兴创作法，即兴创作是民间舞蹈艺术的特色，在民间舞蹈艺术传承的过程中，通过即兴创作使得民间舞蹈艺术能够长久不衰，让学生具有主人翁意识，学生在进行学习的过程中具有创造性的思维，最大程度的激发学生对舞蹈学习的热情，也在一定程度上丰富和发展了民间舞蹈艺术。
四、结束语
总之，在高校舞蹈教学中，应该将民间舞蹈艺术放在首要位置，给予民间舞蹈艺术的继承和发展以充分的关注，对我国优秀的民间舞蹈艺术进行保护。作为高校舞蹈教育者，有责任将现代教育理念、教学方法、民间舞蹈文化的传承和发展有机结合起来，为在高校舞蹈教育中更好的传承民间舞蹈艺术作出积极的贡献。
【参考文献】
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[2]苏京.把民族文化渗透在民族民间舞蹈教学中[J].河南教育学院学报(哲学社会科学版).2008(05)
[3]王欢.关于高师舞蹈教育改革的思考[J].杭州师范学院学报(社会科学版).2003(05)
(一)练习肢体的柔韧性。肢体的柔韧性是指人的各个关节活动幅度以及肌肉、韧带的弹性和伸展能力。学舞蹈为什么年龄大的人不如年轻的人学得快学得好?主要是身体的柔韧性好差的原故。对于一个初级的舞蹈学生来说,练习肢体的柔韧性主要是增强肩、腰、腿、髋的等关节肌肉、韧带的伸展范围和弹性,协调肌肉活动中的收缩和放松,这样以后做出来的舞蹈动作就显得轻松自然,身体线条舒展优美。不仅如此,肢体柔韧性的练习还是贯穿于舞蹈的全过程,是经常性的练习,通常学生做动作或排练剧目前,都要先柔韧性练习,即所谓的“热身”,这样既能保持和提高肢体的柔韧度,还能把训练中的受伤机率减到最小。所以,我们进行舞蹈初级阶段的教学就应首先从练习肢体的柔韧性开始。
(二)练习重心的稳定性。重心的稳定性是指把身体的某一部位的关节为轴心进行运动而不走形不变样。我们在看舞蹈剧目时,为什么演员能做出优美的旋转动作,原因在于表演者能很好地控制重心的稳定和身体的平衡。初学舞蹈,练习重心的稳定性能使身体保持平衡,让力量均匀地分布于支撑点,减少身体承重部位的压迫和损伤,将训练中的动作紧张和疲劳降到最低限度,从而养成正确的练习方法,形成规范的舞姿。要做到身体重心的稳定平衡,则要通过掌握“外开”获得有利的支撑面积,通过“肌肉”合理分配力量,通过“协调”找到动作感觉,而这些都要经过多加练习来掌握。特别是在舞蹈学习的初级阶段,练习好重心的稳定性是日后达到完美舞姿、轻盈跳跃、流畅旋转的重要前提。
二、第二阶段教学目标:以“身韵”练习为要点,培养学生的舞蹈感觉
我们培养一个优秀的舞蹈学生除了必须具备扎实的基本功外,还须同时具备良好的舞蹈感觉,也就是我们所说的“身韵”。“身韵”是“身法”与“韵律”的总称,前者属于外部的技法范畴,后者则属于艺术的内涵神采,二者的要有机结合,才能做到“形神兼备,内外统一,身心并用”。“身韵”是舞蹈艺术的灵魂,学习舞蹈必须围绕这一核心内容,通过练习来达到培养“以神领形,以形传神”的良好舞蹈感觉。
(一)形。“形”是舞蹈动作与动作之间的连接,是一种外在的、直观的体态,是形象艺术最基本的特征。我们通常赞誉舞蹈演员的表演动作“行云流水”、“龙飞凤舞”,“曲迥婉转”、“闪转腾挪”,是因为演员把舞蹈动作中的“形”准确充分地表现出来。“形”可以说是舞蹈外观的形式美,是一种最直观的动作表达方式,所以它是中学舞蹈教学的核心内容。在前一阶段基本功练习之后,舞蹈教学首先从‘拧’、‘倾’、‘圆’、‘曲’、‘平圆’、‘立圆’、‘八字圆’为主要的基本训练元素,由浅入深逐步展开练习,掌握舞蹈在静止时的体态气质、在动作运动过程中的路线和轨迹,以及“由动到静”或“由静到动”的瞬间变化。
(二)神。“神”是舞蹈者通过自觉的意识、意念、感觉来支配舞蹈动作,是舞蹈者心态和内涵的表达。“神”是舞蹈的内在韵味,是艺术的灵魂。我们批评舞蹈动作呆板僵硬,没有生气,说得是在做动作的“形”时,缺少了内在的“神韵”,没有很好领会舞蹈“形神合一”的境界。在舞蹈训练中,“形”与“神”是一个柔合体,动作由人的意识来支配,而人的思想内涵则要通过外在的动作来表达,两者相互联系,不可分。中学生学习舞蹈,除了掌握动作要领外,还要细心揣磨每一动作的内在“神韵”,训练中每一最细微的过程、最简单的动作都应是陶冶神韵的过程,不可一味的只追求动作的难度而忽视对“神韵”的培养,把握了“神”,“形”才会有生命力。
(三)劲。“劲”是我们对舞蹈动作的内在节奏和层次进行力度处理。
“劲”是舞蹈中的节奏美,动作中的“动中之静”或“静中之动”都是靠劲头的运用得当才得以表现,常听到有人这样评论某一演员“姿态动作挺好,劲头不对”,说得就是劲头运用不适当。舞蹈中的“劲”和有规则的2/4、3/4、4/4式的音乐节奏不大相同,它更多的情况是在舒而不缓、紧而不乱、动中有静、静中有动的自由而又有规律的“弹性”节奏中进行的,是贯穿于动作的过程之中。中学生练习“身韵”的目的是要培养学生在舞蹈动作时,有着轻重、强弱、缓急、长短、顿挫、符点、切分、延伸等的对比和区别,从而掌握舞蹈的动作的力度美和节奏美。
(四)律。“律”是舞蹈动作中所包涵的自身律动性和它所依循的规律。
“律”能让舞蹈产生合乎规律的流畅美,我们要求一般动作接动作必须要“顺”,要能一气呵成,流畅自然,如行云流水般,说得正是舞蹈中的“律”。舞蹈动作的编排往往都很注意动作间的自身律性,用规律性的动作来适应剧目的情节和音乐的节奏,它不是几个动作的简单拼凑所能达到的要求。我们的教学也要掌握动作的规律性作为舞蹈培养的目标之一,让学生们在练习时熟悉动作的衔接规律,动作的运动走势,动作的变化效果,体会到千变万化、扑朔迷离、瞬息万变的动感,理解中国“舞律”的精奥所在,让学生的舞蹈能得到全面发展。
三、第三阶段教学目标:以技巧训练为突破,提高学生的舞蹈能力
技巧是所有的舞蹈作品不可缺少的组成部分,舞蹈中技巧能力的体现,就好比是音乐作品中的滑彩段,是展示演奏者的演奏技巧段落,由此,观众能分辩出演奏水平的高与低,在舞蹈中也是如此。大多数的舞蹈作品总是采用高难度或是连续性较多的技巧动作来抒发作品较为精彩的段落,使整个作品更加完善。无论在众多的中外着名舞剧和获奖舞蹈作品中,都不难看到技术技巧存在的重要性,我们教学第三阶段之所以把技巧能力作为提高舞蹈能力的突破点,正是基于这意义所在。
(一)跳。“跳”是将舞蹈地面动作脱离地心引力向空中做平衡性发展,
是舞蹈的重要技巧之一。学生经过前两阶段基本功和身韵练习后,对舞蹈的基本要求、基本身法、基本韵律都有了一定的实践,但那些都只是地面练习。“跳”能把地面上的一些动作应用到空中,形成高低对比和鲜明的对照,给人一种立体美感,达到丰富剧目表演形式多样化。舞蹈能力要想有新的提高,就必须把动作练习进一步深入,在技艺难度上升级,而“跳”就是一个很好的突破点。练习好“跳”这一技巧,对于学生今后能多方面掌握展示艺术内涵的手法,增强舞蹈表现力提供了能力上的保障。
(二)转。“转”是围绕某一肢体为主力重心将舞蹈形态呈圆周形拧倾作
为动力重心,它可以是芭蕾舞中直体的转,也可以是中国舞中身体形态在拧倾旋转舞姿造型上的转。“转”的方法有很多种,是舞蹈表演中常用的技巧。“转”的身法性很强,可以由上往下或由下由上的转,还可在转的过程中把各种舞姿复合和流动,可以说是舞蹈“身法”的延续和创新,甚至可以说“转”是舞蹈“身法”中的一种特殊形式。将学生的“身法”练习提高一层次就是要重点加强对“转”的练习,在把握好“转”的基本要领后,再把“身法”的其它动作融入到“转”当中,这在实践教学中是提高学生舞蹈能力的一个有效途径。
(三)翻。“翻”是以腰为轴,身体在水平线倾斜状态下的翻转,是舞蹈
技巧中的独特形式。“翻”的种类样式很多,变化也很精彩,自始至终贯穿着“拧”、“仰”“俯”、“旁提”的形态,它和“转”一样都是舞蹈“身法”的特殊形式,它用各种不同的速度和节奏、不同的连接、不同的性格可以产生不同的艺术感官效果,从而表现各种不同的感情和情调,是舞蹈艺术的一种形象性表现手法。学生练习“翻”就是要把其流动性、复合性、对比性应用到舞蹈表演中,它和“跳”、“转”一样都是增强舞蹈表现力的要求,是提高技巧能力的必经阶段。
四、第四阶段教学目标:以剧目排练为重点,综合学生的舞蹈素质
我们评估一位学生舞蹈水平的高低不是单看其某一动作的难度大小如何,而是要看她在舞蹈的综合素质,一位优秀的舞蹈家拥有的不仅仅是突出的表现能力,还具备了良好的理解能力,二者的综合才是我们舞蹈追求的目标,中学舞蹈教育就是要培养这样的素质型人才。第四阶段的教学目标就是要将舞蹈动作元素综合,将舞蹈文化知识综合,提高学生的实践能力、思考能力和创新能力,达到培养人才素质的这一最终目的。
(一)舞蹈元素的综合。舞蹈元素指的是前三阶段教学中的基本技法、身法、神韵、形态、点线等诸方面的核心因素,将舞蹈元素分化各个阶段来重点培养,是出于教学效果上的考虑。我们知道,舞蹈这门艺术是一门综合性的艺术,是在特定的环境下反映生活和表达情感的形体语言。它受历史、政治、地域、民族等诸多因素的影响,又形成了多种类的舞蹈形式,每一种舞蹈形式都有其自身的特点。我们中学舞蹈教学并不能像专业舞蹈学校那样,把舞蹈分成芭蕾舞、古典舞、民间舞、当代舞、现当舞等舞蹈种来分别教学,而是要把诸多舞蹈种类的元素进行提炼,形成一套适合中学教学的内容,有重点、有目标地分阶段培养学生的舞蹈能力,这样学生才能在最短的时间内接受到最多内容的舞蹈教育,这对她们今后在舞蹈方面进一步发展打下坚实的基础。
从另一个方面来说,舞蹈能力并不是经过某一阶段的培养就能得到全面的提高,某一阶段的内容只是教学中的一个重点,但舞蹈的练习经常是多方面结合进行的。如基本功训练就结合一些基本的身法进行,“跳”、“转”、“翻”技巧也相互组合进行练习的,而技巧练习又常常结合“身韵”内容进行。总之,各阶段的舞蹈练习是既有侧重点,又相互紧密联系,最终都要进行综合,只有把舞蹈元素进行全面综合,才能达到舞蹈能力的提高和素质的整合。舞蹈元素的综合有两个主要内容:
1、基本元素综合为发展元素。即把舞蹈的基本功、基本身法、基本技法进行综合,发展为多种身法综合练习,多种动作综合应用,多种技巧组合练习,以达到动作应用自如和“二度创新”。
2、发展元素综合为应用元素。即把综合后的舞蹈动作应用到剧目表演当中,从表演中得到实践,从实践中领悟动作的精髓,近而深层次地理解舞蹈的内涵,提高舞蹈的表现力,从而掌握舞蹈外在的技法要求和内在的神韵素质。
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